<h1>How to Set Up and Promote Your Concert Ticketing?</h1>Organizing a concert is a key milestone in every artist’s career, but to make it a success, it's essential to properly manage ticketing and its promotion. In this article, we guide you through the crucial steps to effectively set up and promote your event ticketing. With tools like Base for Music, you can maximize your visibility and optimize your sales. <h2>1. Choose the Right Ticketing Platform</h2> Choosing the ticketing platform is the first step to a successful concert. You need to opt for a reliable solution that offers a good user experience and suits your audience. Some platforms, like Shotgun or Dice, offer customizable options such as early bird pricing or group offers. Also, ensure the platform allows seamless integration with your website or social media, making promotion easier.<h2></h2><h2>2. Use Base for Music to Optimize Concert Promotion</h2>Base for Music is a platform dedicated to artists that provides powerful marketing activation services, especially for promoting events like concerts. With tools such as smartlinks, you can direct your fans to specific ticketing pages and track their behavior in real-time. You can segment your audience to target your promotions more effectively, thereby boosting ticket sales.By using targeted campaigns via Base for Music, you can directly reach your most engaged fans, for instance, by sending personalized notifications about upcoming concert dates. Moreover, data collection will allow you to adjust your offers based on actual demand and your audience's preferences.<article-banner></article-banner><h2>3. Create an Effective Promotion Plan</h2>Once your ticketing is set up, it’s time to think about promotion. Music marketing plays a crucial role in the success of your concert. Here are some essential strategies:<h3>a. Social Media Announcements</h3>Social media platforms like Instagram, Facebook, or TikTok are essential for promoting your event. Create attractive visuals, share video teasers, and host live sessions to interact directly with your fans. Don’t forget to include smartlinks that lead directly to the ticketing page.<h3>b. Personalized Email Marketing</h3>Music marketing also relies on building a direct relationship with your fans. Use email campaigns to inform your fan base about concert dates, exclusive offers, or updates on ticket availability. Base for Music allows you to segment your fans and identify them to send personalized emails based on their location or musical preferences.<h3>c. Collaboration with Influencers and Media</h3>Collaborations with influencers or specialized media can amplify your concert’s reach. Identify content creators who cater to an audience similar to yours and propose collaborations. Whether it’s sponsored posts, contests, or interviews, this can attract a new audience and generate interest in your event.<h2>4. Maximize Conversion with Special Offers</h2>Another way to boost ticket sales for your concert is to use special offers or purchase incentives:<ul><li>Early Bird Pricing: Rewarding early buyers with discounted prices can create a sense of urgency and generate quick sales.</li><li>Group Offers: Offer discounted ticket bundles for groups or add limited-edition goodies (posters, t-shirts).</li><li>Contests and Giveaways: Organize social media contests to give away free tickets or VIP passes to a few lucky winners, while encouraging participants to share your event.</li></ul>These strategies help generate excitement around your event while increasing the number of tickets sold. <h2>5. Optimize Concert Day for a Successful Experience</h2>Promoting your concert doesn't stop once the tickets are sold. Providing an excellent experience on the day of the event is essential to retain your fans and encourage them to come back for future concerts. Clearly communicate the essential information (schedules, location, access rules) through the channels used during promotion, such as your website, social media, and emails.Additionally, create engaging moments during the concert (live sharing, crowd photos, thank-you messages) so that your fans talk about it on social media, drawing even more people to your upcoming events. <h2>Conclusion</h2>Setting up and promoting a concert ticketing system may seem complex, but with the right tools like Base for Music, you can not only simplify the process but also optimize your sales and maximize the impact of your promotion. By adopting a music marketing strategy based on data analysis and smart audience segmentation, you can make every concert a success, both for your fans and for your career.<article-banner></article-banner>

Steps to set up and promote ticketing for your event. 

How to Set Up and Promote Your Concert Ticketing?

<h1>Comment mettre en place et promouvoir ma billetterie pour un concert ?</h1>Organiser un concert est une étape clé dans la carrière de tout artiste, mais pour en faire un succès, il est essentiel de bien gérer la billetterie et sa promotion. Dans cet article, nous vous guidons à travers les étapes cruciales pour mettre en place et promouvoir efficacement la billetterie de votre événement.&nbsp;Grâce à des outils comme Base for Music, vous pouvez maximiser votre visibilité et optimiser vos ventes.<h2>1. Choisir la bonne plateforme de billetterie</h2>Le choix de la plateforme de billetterie est la première étape pour un concert réussi. Vous devez opter pour une solution fiable, qui offre une bonne expérience utilisateur et qui soit adaptée à votre public. Certaines plateformes, comme Shotgun ou Dice, proposent des options personnalisables comme les tarifs early bird ou les offres groupées. Vérifiez également que la plateforme permet une intégration fluide avec votre site internet ou vos réseaux sociaux, afin de faciliter la promotion.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXe8GbODOFB1QJkZlnsdjz9Qty_naHpZcejbfTywBdSF7aeRds2D_UcO2s40gKLYNtNyHB-GIcnQKkxru1kX0KPTnNe6o9Cy5gSpAjKu6qTpkI3TSyDRPcr1hwZRcqKuntOdbqiKQ94IdTf2L9vYwoXuBh6w?key=FiHdyGSfdYLAXznz6Fi6hQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>2. Utiliser Base for Music pour optimiser la promotion de votre concert</h2>Base for Music est une plateforme dédiée aux artistes qui offre des services d’activation marketing puissants, notamment pour promouvoir des événements comme des concerts. Avec des outils comme les smartlinks, vous pouvez diriger vos fans vers des pages spécifiques de billetterie et suivre leurs comportements en temps réel. Vous avez la possibilité de segmenter votre audience pour cibler plus efficacement vos promotions, et ainsi booster les ventes de billets.En utilisant des campagnes ciblées via Base for Music, vous pouvez toucher directement les fans les plus engagés, par exemple en envoyant des notifications personnalisées sur vos prochaines dates de concert. De plus, la collecte de données vous permettra d’ajuster vos offres en fonction de la demande réelle et des préférences de votre public.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXepVE1Ns_DM-ClWUBlXWVw4SjpwMW1u9K7jb2ivDquyGHh2rGDdj5zq5s__X0006si1saQj5_uKuROWoHS1xn_Yq45xoWGnbP4PtYwdM53t4Z1r_-SQlUd79O7-wvvBxosqCBrBbFI0hEYxF7yBAFXHl_pl?key=FiHdyGSfdYLAXznz6Fi6hQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>3. Créer un plan de promotion efficace</h2>Une fois la billetterie mise en place, il est temps de penser à sa promotion. Le marketing musical joue un rôle crucial dans le succès de votre concert. Voici quelques stratégies incontournables :<h3>a. Annonces sur les réseaux sociaux</h3>Les réseaux sociaux comme Instagram, Facebook ou TikTok sont des plateformes incontournables pour la promotion de votre événement. Créez des visuels attractifs, partagez des teasers vidéo, et faites des lives pour interagir directement avec vos fans. N’oubliez pas d’ajouter des smartlinks qui renvoient directement vers la page de billetterie.<h3>b. Email marketing personnalisé</h3>Le marketing musical repose également sur une relation directe avec vos fans. Utilisez des campagnes d'emailing pour informer votre base de fans des dates de concert, des offres exclusives, ou encore des mises à jour sur la disponibilité des billets. Base for Music vous permet de segmenter vos fans et de les identifier pour pouvoir envoyer des emails personnalisés selon leur localisation ou leurs préférences musicales.<h3>c. Collaboration avec des influenceurs et médias</h3>Les collaborations avec des influenceurs ou des médias spécialisés peuvent amplifier la portée de votre concert. Identifiez les créateurs de contenu qui s’adressent à une audience similaire à la vôtre et proposez des collaborations. Qu’il s’agisse de publications sponsorisées, de concours ou d’interviews, cela peut attirer une nouvelle audience et générer de l’intérêt pour votre événement.<h2>4. Maximiser la conversion avec des offres spéciales</h2>Une autre façon de booster les ventes de billets pour votre concert est d’utiliser des offres spéciales ou des incitations à l’achat :<ul><li>Tarifs early bird : Récompenser les premiers acheteurs avec des tarifs réduits peut créer un sentiment d’urgence et générer rapidement des ventes.</li><li>Offres groupées : Proposez des packs de billets à prix réduits pour les groupes ou ajoutez des goodies (affiches, t-shirts) en édition limitée.</li><li>Concours et tirages au sort : Organisez des concours sur les réseaux sociaux pour offrir des billets gratuits ou des passes VIP à quelques chanceux, tout en encourageant les participants à partager votre événement.</li></ul>Ces stratégies permettent de générer de l’engouement autour de votre événement tout en augmentant le nombre de billets vendus.<h2>5. Optimiser le jour du concert pour une expérience réussie</h2>La promotion de votre concert ne s'arrête pas lorsque les billets sont vendus. Offrir une excellente expérience le jour de l’événement est essentiel pour fidéliser vos fans et les inciter à revenir pour vos futurs concerts. Communiquez clairement les informations essentielles (horaires, emplacement, règles d'accès) via les canaux utilisés lors de la promotion, comme votre site, vos réseaux sociaux, et vos emails.De plus, n’oubliez pas de créer des moments engageants pendant le concert (partage en live, photos de la foule, remerciements), afin que vos fans en parlent sur les réseaux sociaux et attirent encore plus de monde à vos prochains événements.<h2>Conclusion</h2>La mise en place et la promotion d'une billetterie de concert peuvent sembler complexes, mais avec des outils adaptés comme Base for Music, vous pouvez non seulement simplifier le processus, mais aussi optimiser vos ventes et maximiser l’impact de votre promotion.&nbsp;En adoptant une stratégie de marketing musical basée sur l'analyse des données et une segmentation intelligente de votre audience, vous pouvez faire de chaque concert un événement réussi, à la fois pour vos fans et pour votre carrière.<article-banner></article-banner>

Les étapes pour mettre en place et promouvoir la billetterie de son événement

Comment mettre en place et promouvoir ma billetterie pour un concert ?

<h1>Establishing a Budget, Allocating, and Investing in Your Music Career</h1>In the music industry, solid financial management is just as crucial as creativity. For an artist, managing finances well can make the difference between a thriving career and a constant struggle to stay afloat. The music industry presents unique challenges, particularly due to fluctuating income and unpredictable expenses.This article will guide you through the essential steps to create a realistic budget, wisely allocate your resources, and make smart investments in your music career. <h2>1. Establishing a Realistic Budget</h2><h3>Evaluate Your Income</h3>The first step in establishing a solid budget is <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/4-music-revenue-streams-every-artist-needs-to-know?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">understanding your income sources</a>. For an artist, this includes concert fees, royalties from streaming, music sales, and additional income sources such as collaborations or merchandising. <h3>Identify Your Expenses</h3>Once you’ve assessed your income, it’s important to identify your expenses. These can be divided into two categories: fixed expenses, such as rent and insurance, and variable expenses, like music production, purchasing equipment, or promoting your work. Having a clear view of your costs will help you better anticipate and plan your budget.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXdAKTKr-N6ayhty5mg-GphpgtT00dp5VLR-KnVGn3WPXMqU4Gu1ZCp0iunUsrRiy7hnnM1Op4vahdkVtDd-HptwGdN1k9wNOCuvb1VX06t7FHRk2fbB-CMS_0K-BXB2fhTCx6O5PbLm-qFqEuKA1kQ5u_E?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>Create a Budget Plan</h3>An effective budget plan relies on using financial tracking tools, allowing you to monitor your cash flow. You can set short- and long-term financial goals, such as purchasing new instruments, planning a tour, or investing in a promotion campaign to increase your visibility with your fanbase. <h2>2. Wisely Allocating Your Resources</h2><h3>Invest in Your Art</h3><img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXcIf7DgYnwzvCeUaG4EuQ_y5KISlxlyTFdNZZJ0Q1azt09Czf3DobAIBRL2dAATLC6mNFQ1-q2d1Ogo3C15mact9l7U9Q1ZDbaMd9HP42HCoJM09Hanx0ETz_mXFqz_Oz6P1FktQfKQxGVRmj95yiRgkdST?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">Investing in your artistic development is crucial to ensure the longevity of your career. This includes continuing education, purchasing and maintaining quality musical equipment, and allocating resources for marketing and promotion. Effective and affordable promotion strategies, especially through social media and digital marketing, can help you maximize your reach and build a loyal fanbase.<article-banner></article-banner>You can use <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">Base for Music</a> to create your marketing campaigns. It's a simple and highly effective way to grow your fanbase and engage your super fans.<h3>Build a Team</h3>At a certain point in your career, hiring professionals to support you can be beneficial. A manager, booker, or agent can help handle the logistical and administrative aspects of your career, allowing you to focus on creating music. Strategic collaborations and partnerships are also effective ways to strengthen your presence in the music industry. <h2>3. Investing for the Future</h2><h3>Diversify Your Income Streams</h3>To secure your future, it's wise to diversify your income streams. In addition to concerts and music sales, explore opportunities like music synchronization for films or commercials, or even creating merchandise.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXfuuasr0PjYkUc2dvWIbtfDUOfVuyX8owL9M99ERVBhIIpJK-FmfZb67tTY45-ga9B-nrP962battjCsf-omd1rHa76tiS30uXTTmz11-xlh2gG7b3cUE_Vj-BIzYyl7V5CYnyY4841r4B5SAODLzRBu_Q?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>Plan Financially for the Long-Term</h3>Finally, consider long-term financial planning. Save a portion of your income, invest in artist-specific insurance, and properly manage your copyrights—these are crucial steps to ensure the stability of your career. Protecting your intellectual property and maximizing the revenue it generates are also important aspects not to overlook. <h2>Conclusion</h2>A successful music career requires a balance between creativity and sound financial management. By establishing a realistic budget, wisely allocating your resources, and investing in the right areas, you increase your chances of success in the music industry.Remember to continually adapt your financial strategy to market changes, and leverage available tools and resources, like those offered by <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">Base for Music</a>, to reach your goals.

Find out how to manage your budget for your music career

Establishing a Budget, Allocating, and Investing in Your Music Career

<h1>Établir un budget, répartir et investir pour sa carrière</h1>Dans le secteur musical, une gestion financière solide est aussi cruciale que la créativité elle-même. Pour un artiste, bien gérer ses finances peut faire la différence entre une carrière épanouie et une lutte constante pour joindre les deux bouts. En effet, l'industrie musicale présente des défis spécifiques, notamment en raison de la fluctuation des revenus et des dépenses imprévisibles.Cet article vous guide à travers les étapes essentielles pour établir un budget réaliste, répartir judicieusement vos ressources et investir intelligemment dans votre carrière musicale.<h2>1. Établir un budget réaliste</h2><h3>Évaluez vos revenus</h3>La première étape pour établir un budget solide est de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/4-music-revenue-streams-every-artist-needs-to-know?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">bien comprendre vos sources de revenus</a>. Pour un artiste, cela inclut les cachets de concerts, les royalties issues du streaming, les ventes de musique, ainsi que toute autre source complémentaire telle que les collaborations.<h3>Identifiez vos dépenses</h3>Une fois vos revenus évalués, il est important d'identifier vos dépenses. Celles-ci peuvent être divisées en deux catégories : les dépenses fixes, comme le loyer et les assurances, et les dépenses variables, liées à la production musicale, à l'achat de matériel, ou à la promotion de vos œuvres. En ayant une vision claire de vos coûts, vous pourrez mieux anticiper et planifier votre budget.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXdAKTKr-N6ayhty5mg-GphpgtT00dp5VLR-KnVGn3WPXMqU4Gu1ZCp0iunUsrRiy7hnnM1Op4vahdkVtDd-HptwGdN1k9wNOCuvb1VX06t7FHRk2fbB-CMS_0K-BXB2fhTCx6O5PbLm-qFqEuKA1kQ5u_E?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>Créez un plan budgétaire</h3>Un plan budgétaire efficace repose sur l'utilisation d'outils de suivi financier, qui vous permettent de garder un œil sur vos entrées et sorties d'argent. Vous pouvez définir des objectifs financiers à court et long terme, tels que l'achat de nouveaux instruments, la planification d'une tournée, ou encore l'investissement dans une campagne de promotion pour booster votre visibilité auprès de votre fanbase.<h2>2. Répartir judicieusement vos ressources</h2><h3>Investissez dans votre art</h3><img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXcIf7DgYnwzvCeUaG4EuQ_y5KISlxlyTFdNZZJ0Q1azt09Czf3DobAIBRL2dAATLC6mNFQ1-q2d1Ogo3C15mact9l7U9Q1ZDbaMd9HP42HCoJM09Hanx0ETz_mXFqz_Oz6P1FktQfKQxGVRmj95yiRgkdST?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">Investir dans votre développement artistique est essentiel pour assurer la pérennité de votre carrière. Cela inclut la formation continue, l'achat et l'entretien de matériel musical de qualité, et l'allocation de ressources pour le marketing et la promotion. Des stratégies de promotion efficaces et abordables, notamment via les réseaux sociaux et le marketing digital, peuvent vous aider à maximiser votre portée et à fidéliser vos auditeurs.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXeV-1dHNJDkGyk9Qy_unqc1IzBa4eQDGH78ixm3s8Ay_S3Pk8GOUPfC34mrUmFquaKytb11whp8W9CQMe-NdFbQN9NWuZFFMlY539GzGyQof1CaKqXxbL6NSe0yJu6Hyd5dSBuRQeZyiloag8kU0Z_KLpE_?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">Vous pouvez utiliser <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/en?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">Base for Music</a> pour créer vos campagnes marketing. C’est simple et très efficace pour développer votre fanbase et engager vos super fans.<h3>Constituez une équipe</h3>À un certain stade de votre carrière, il peut être bénéfique d'engager des professionnels pour vous soutenir. Un manager, un booker, ou un agent peuvent vous aider à gérer les aspects logistiques et administratifs de votre carrière, vous permettant ainsi de vous concentrer sur la création musicale. Les collaborations et partenariats stratégiques sont également des moyens efficaces de renforcer votre présence dans le secteur musical.<h2>3. Investir pour l'avenir</h2><h3>Diversifiez vos sources de revenus</h3>Pour sécuriser votre avenir, il est sage de diversifier vos sources de revenus. En plus des concerts et des ventes de musique, explorez des opportunités comme la synchronisation musicale pour des films ou des publicités, ou encore la création de produits dérivés.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXfuuasr0PjYkUc2dvWIbtfDUOfVuyX8owL9M99ERVBhIIpJK-FmfZb67tTY45-ga9B-nrP962battjCsf-omd1rHa76tiS30uXTTmz11-xlh2gG7b3cUE_Vj-BIzYyl7V5CYnyY4841r4B5SAODLzRBu_Q?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>Planifiez financièrement à long terme</h3>Enfin, pensez à planifier pour le long terme. Épargner une partie de vos revenus, investir dans des assurances spécifiques aux artistes, et gérer correctement vos droits d'auteur sont des étapes cruciales pour assurer la stabilité de votre carrière. Protéger votre propriété intellectuelle et maximiser les revenus qui en découlent sont également des aspects essentiels à ne pas négliger.<h2>Conclusion</h2>Une carrière musicale réussie nécessite un équilibre entre créativité et gestion financière rigoureuse. En établissant un budget réaliste, en répartissant judicieusement vos ressources, et en investissant dans les bons domaines, vous augmentez vos chances de succès dans l'industrie musicale. N'oubliez pas de continuellement adapter votre stratégie financière aux évolutions du marché, et de tirer parti des outils et ressources disponibles, comme ceux offerts par <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/en?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">Base for Music</a>, pour atteindre vos objectifs.

Découvrez comment gérer votre budget pour votre carrière musicale

Établir un budget, répartir et investir pour sa carrière

Navigating the challenging path to recognition in the music industry's digital landscape poses formidable obstacles for aspiring artists. Amidst the dominance of streaming platforms, establishing oneself as an independent artist can appear insurmountable. However, there exists a compelling avenue not only to cultivate dedicated fans but also to augment earnings while providing enthusiasts with a tangible artifact: vinyl records. In this discourse, we explore the significance of pressing vinyl records for independent artists and understand how Diggers Factory furnishes an ideal solution. We had the opportunity to interview Remedy Motel, one of the many artists who have worked with <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, to gain insights into their experience.<img src="https://lh7-us.googleusercontent.com/hr9RNDrxOQVaBVFHfU4DfJLxtAMEGtRlfS09mknPAa9KNBNWaTHRmc1YAe7HKc-ZAZUseKsB99e1IF6ysLU37ZxAKr8ftyyJs3b_kizc3RHCPHhAevSwJMiyZ04k0Yb7tfRSh2kMSGPPLQWpNvxFiQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>PRESS YOUR RECORDS WITH DIGGERS FACTORY</h2><h3>The resurgence of vinyl : Forging a kinetic bon with audiences</h3>Vinyl records offer a distinctive and palpable link between creators and their followers in an age where music predominantly assumes an intangible form. Remedy Motel expressed their desire for a vinyl record of their own music as a significant revival and milestone for their band.<blockquote>"We always wanted to have a vinyl record of my own music. We decided to record our 5th record nearly 16 years after we released our 4th record on CD. We wanted to do something special and printing a few vinyl copies to commemorate our return to music felt appropriate and right to us."- Remedy Motel</blockquote><h3>The hurdles confronting independent artists</h3>Despite the allure of vinyl records, the conventional process of pressing them has long been ensnared in complexity and exorbitance, dissuading many independent musicians. Remedy Motel highlighted the relief they found in <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, stating :<blockquote>"We researched a lot of vinyl record houses and production outfits, and simply put Diggers Factory just seemed like the best option out there."- Remedy Motel</blockquote>They further emphasized the importance of Diggers Factory's approach - "The pricing model seemed fair and comprehensive. We LOVED the Pre-sale model and landing page approach to reduce our own initial out-of-pocket expense."<h3>How Diggers Factory empowers independent artiste ?</h3><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> operates on a crowdfunding paradigm, enabling artists to gauge demand prior to committing to production. Remedy Motel praised Diggers Factory's presale approach, emphasizing its role in kick-starting their project quickly and efficiently. - "The big one from the outset was the landing page and presale approach. From the start that really helped us to kick things off quickly."<img src="https://lh7-us.googleusercontent.com/A0FF97zTBllqX61sjinnOebYbDkagMmvMkp6Sjewmg2J-UtCrQT_dVJq5ML4NJvWRcoB2uMxRGyHKWX58YsR0bJImfbikYZi08vS2XTfqHuvJ8CSxbMj0RvFpGs0aHzLwBLX76ibMrsxb-4V7N8Eqg" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">Additionally, they lauded the support received throughout the process, mentioning - "The fulfillment of orders was critical for us as well. Digger’s handled that perfectly and provided updates to customers between order date and shipping date to head off any confusion or complaints around timing or long production cycles."Indeed, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> is a platform that empowers independent artists to produce vinyl records with ease, making it accessible to musicians who might have once considered it out of reach.Here's how it works:<ul><li>Crowdfunding Vinyl Production: Diggers Factory utilizes a crowdfunding model, allowing artists to gauge demand before committing to production. By setting a pre-order goal (starting at just 100 copies), artists can fund their vinyl project without any upfront costs. This means zero financial risk.</li><li>Comprehensive Support: Diggers Factory doesn't just stop at crowdfunding. They offer comprehensive support throughout the entire production and distribution process. This includes access to production facilities, logistics, distribution networks, mastering studios, graphic design services, and more.</li><li>Limited-Edition Releases: In addition to standard vinyl production, Diggers Factory specializes in creating limited-edition vinyl releases. These exclusive editions with unique designs and carefully curated tracks add an extra layer of appeal for fans and collectors.</li></ul><blockquote>“ They are meticulous and hold all of their attention to the smallest details of our production. We didn’t always know what we should be looking for when reviewing files, and they did. They held our hand whenever we needed them to and they never showed anything but professionalism and patience with us when we had concerns or questions.”- Remedy Motel</blockquote><h3>Amplifying revenue for independent artists</h3>Vinyl records present a substantial revenue surge for independent artists, with enthusiasts willing to pay a premium for physical renditions of beloved music. By leveraging <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> for vinyl production, artists can tap into this market, generating income that can be reinvested into their musical endeavors.<h3>IN CONCLUSION</h3>The aspiration of independent artists to immortalize their music on vinyl records is no longer a distant prospect. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> has revolutionized the process, rendering it accessible, risk-mitigated, and financially lucrative. It epitomizes a symbiotic arrangement: artists cultivate devoted fans, tangible mementos are engendered, and revenue streams are diversified.Thus, if you're an independent artist striving to elevate your musical oeuvre and proffer your supporters with something truly extraordinary, contemplate pressing vinyl records through Diggers Factory. It represents the gateway to a realm of possibilities, forging an intimate connection between your music and the hearts of your aficionados.Thanks to our partnership with <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, benefit from a 10% discount on your production costs, with the promo code: BASE10Digger your own limited-edition vinyl !

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Why press your records with Diggers Factory ?

Pour les artistes indépendants, le chemin vers la reconnaissance peut être une bataille difficile. À l'ère numérique, où les plateformes de streaming règnent sur l'industrie musicale, se faire un nom en tant qu'artiste indépendant peut être un défi. Mais si nous vous disions qu'il existe un moyen non seulement de gagner des fans fidèles, mais aussi d'augmenter vos revenus tout en offrant à vos supporters quelque chose de tangible à conserver ? Bienvenue dans le monde des vinyles. Dans cet article, nous allons explorer l'importance de presser des vinyles pour les artistes indépendants et comprenons comment <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> propose une solution idéale. Nous avons eu l'opportunité d'interviewer Remedy Motel, l'un des nombreux groupes ayant travaillé avec Diggers Factory, pour obtenir des insights sur leur expérience.<img src="https://lh7-us.googleusercontent.com/86a5pDVQqYfmSqdGvyy2pf45BlNemp0Xwm2w6BYoTShPYXxVKufaybd9pmya6Ycu3wQRUP4TCSbvSwksjJA0mz_JAOXB33GVRCbEP3SjYIeO2yOVmDMpffOsVQjqUCLz-ZnD_50gmfiSjlxMeApzuQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>PRESSER VOS DISQUES AVEC DIGGERS FACTORY</h2><h3>La résurgence du vinyle : Forger une connexion avec le public</h3>Les vinyles offrent un lien distinctif et palpable entre les artistes et leurs fans à une époque où la musique assume principalement une forme intangible. Remedy Motel ont exprimé leur désir de produire un vinyle de leur musique comme un regain significatif et une étape importante pour leur groupe.<blockquote>"On a toujours voulu sortir un vinyle de notre propre musique. On a décidé d'enregistrer notre 5e projet près de 16 ans après avoir sorti notre 4e album en CD. On voulait faire quelque chose de spécial et presser quelques vinyles pour fêter notre retour dans la musique nous semblait approprié et juste."-Remedy Motel</blockquote><h3>Les obstacles auxquels sont confrontés les artistes indépendants</h3>Malgré l'attrait des vinyles, le processus classique de pressage a longtemps été entouré par la complexité et les coûts que cela entraîne, décourageant de nombreux musiciens indépendants. Remedy Motel a souligné le soulagement qu'ils ont trouvé chez <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, déclarant :<blockquote>"Nous avons beaucoup cherché parmi les labels vinyles et les fabricants, et pour être clair, Diggers Factory semblait simplement être la meilleure option disponible."-Remedy Motel</blockquote>Ils ont également souligné l'importance de l'approche de Diggers Factory - "Le modèle de tarification semblait équitable et complet. Nous avons ADORÉ le modèle de précommandes et la page projet pour réduire nos dépenses initiales." <h3>Comment Diggers Factory aide les artistes indépendants ?</h3><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> fonctionne sur un système de financement participatif, permettant aux artistes de mesurer la demande avant de s'engager dans la production. Remedy Motel a salué l'approche de précommandes de Diggers Factory, soulignant son rôle dans le lancement rapide et efficace de leur projet - "Le plus important pour nous dès le départ,&nbsp; c’était l’outil de création de projet et la précommande. Cela nous a vraiment aidé à démarrer rapidement, dès le début." <img src="https://lh7-us.googleusercontent.com/OSPMcpsFYM1dVR3sa5Lcsi6B76SWounAtu6EOjbhOwweK1I6k0O-Z8rW745p11vpKMeKOW6fRkMgFmanlnlD2kXkuazJgtDZs-93c0QXC6Q-eSodAmA_i5_R69IGJ00LiUc39DpiAo4txt1seEMdqg" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">De plus, ils ont relevé l’accompagnement tout au long du processus - "Le traitement des commandes était important pour nous. Diggers a parfaitement géré cela et a fourni des mises à jour aux clients entre la date de commande et la date d'expédition pour éviter toute confusion ou réclamation concernant le timing ou les longs cycles de production."En effet, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> est une plateforme qui donne la possibilité aux artistes indépendants de produire des vinyles facilement, rendant cela accessible aux musiciens qui auraient pu le considérer comme hors de portée.Voici comment cela fonctionne :<ul><li>Production de vinyles par financement participatif : Diggers Factory utilise un modèle de financement participatif, permettant aux artistes de mesurer la demande avant de s'engager dans la production. En fixant un objectif de pré-commande (à partir de seulement 100 exemplaires), les artistes peuvent financer leur projet vinyle sans aucun coût initial. Cela signifie aucun risque financier.</li><li>Support complet : Diggers Factory ne s'arrête pas seulement au financement participatif. Ils offrent un soutien complet tout au long du processus de production et de distribution. Cela comprend l'accès à des usines de production, des réseaux logistiques, des studios de mastering, des services de conception graphique, et plus encore.</li><li>Éditions limitées : En plus de la production de vinyles standard, Diggers Factory se spécialise dans la création d'éditions vinyles limitées. Ces éditions exclusives avec des designs uniques et des pistes soigneusement sélectionnées ajoutent une couche supplémentaire d'attrait pour les fans et les collectionneurs.</li></ul><blockquote>"Ils sont méticuleux et accordent toute leur attention aux moindres détails de notre production. Nous ne savions pas toujours ce que nous devions rechercher en examinant les fichiers, et eux oui. Ils nous ont toujours accompagné chaque fois que nous en avions besoin et ils n'ont jamais montré autre chose que du professionnalisme et de la patience avec nous pour toutes nos préoccupations ou questions."-Remedy Motel</blockquote><h3>Augmenter les revenus pour les artistes indépendants</h3>Les vinyles représentent une hausse substantielle des revenus pour les artistes indépendants, les fans étant prêts à payer un supplément pour des supports physiques de la musique qu'ils adorent. En utilisant <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> pour la production de vinyles, les artistes peuvent exploiter ce marché, générant des revenus qui peuvent être réinvestis dans leurs projets musicaux. <h3>EN CONCLUSION</h3>L'aspiration des artistes indépendants à immortaliser leur musique sur vinyle n'est plus une perspective lointaine. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> a révolutionné le processus, le rendant accessible, atténuant les risques et financièrement lucratif. Cela génère un cercle vertueux : les artistes cultivent des fans dévoués, des souvenirs tangibles sont produits, et les revenus sont diversifiés.Alors, si vous êtes un artiste indépendant cherchant à élever votre musique et à offrir à vos fans quelque chose d’extraordinaire, envisagez de presser des vinyles via Diggers Factory. C’est une porte d'entrée vers un monde de possibilités, forgeant un lien intime entre votre musique et les cœurs de vos aficionados !Grâce à notre partenariat avec <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, bénéficiez d'une réduction de 10% sur vos frais de production, avec le code promo : BASE10Digger votre propre vinyle en édition limitée !

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<h1>Clément Souchier, a songwriter turned music industry entrepreneur</h1>Clément Souchier is the founder of <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.creaminal.com/">Creaminal</a>, an independent image music agency (which he has since sold to <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.alter-k.com/">Alter K Music Group</a>) that finds existing music and produces original music for image professionals. Before that, he used to provide his own music for films and adverts as a songwriter and composer. With the creation of Creaminal, his aim was to bring together independent artists and labels to offer their talents on films, commercials and video games. "We wanted to create something to compete with the majors, an alternative. The initiative was very well received. At the start, it was mainly about representing artists, and little by little these artists got their own labels."<h2>How does music synchronisation work?</h2><h3>There are three types of synchronisation: </h3><ul><li>Fiction: First of all, the subject of the film means that a track has more or less synchronisation potential. It's the subject, the place and the time of the film that determine what we're looking for... I don't look for the same music depending on whether the action takes place in Romania in the 80s or in the US today. Then there has to be a certain uniqueness, otherwise the producer and director will prefer to buy music straight from the bookshop. What's more, if the music has a secondary or accompanying role, the image professional will turn to a less expensive title. On the other hand, if the music has a major role, for example in the end credits or in a cult scene, it makes sense to use a commercial title that adds meaning and/or impact to the sequence.</li><li>Advertising: "What often works in advertising are tracks that can exacerbate the emotion being sought and/or the target audience. Music in an advertising format, i.e. a rather short one, will act as a catalyst, a highlighter, to reveal and support what the advertiser and his agency are trying to say". Families of music based on emotions have a greater potential for synchronisation: feminine, empowering, positive, unifying, modern, powerful, badass, assertive. These are known in the industry as tracks with strong synchro potential or "Sync Friendly" tracks. "Tracks that are more hybrid in terms of the emotions they evoke are often more difficult to use, because we prefer something that is more clear-cut, with a more exacerbated emotion. It should also be noted that you can look for emotion, but not necessarily sadness, and that explicit lyrics are very rare. What we do like to do, though, and at the risk of it sounding contradictory, is to place tracks that don't seem particularly suited to synchro and for which there's a magic that happens between the advert and the track; and these are generally award-winners." But to achieve this, you also need the client to be on board, because it often represents a greater risk. And when it comes to risk, it's not uncommon for customers to prefer either to buy well-known, stale titles - even if it means paying a lot of money for them - or cheap bookstore titles... But in my opinion, neither of these are likely to make a real difference to a campaign... Well-known titles tend to overwhelm films - in the sense that the title will attract all the attention to the detriment of the brand - and bookstore titles tend to make them bland. In my opinion, only singular titles that are not yet ultra-famous can make a brand shine, so we'll say "this brand's music is too good".</li><li>Video games: "In-game music is something that has been thwarted by complex negotiations between game publishers and collective management societies (such as SACEM). French composers have been completely sidelined by video game studios, with a few exceptions. Today, there are very few French composers for video games, because the gaming studios want to be able to buy the rights on a buy-out basis (= buy everything and pay no proportional remuneration), whereas the French vision of authors' rights, which I defend, is to have a non-transferability of your rights, i.e. to be paid on each copy sold, whereas the Anglo-Saxons just want to give you a 'flat-fee'. It took us years to find a system that worked in France. It's mainly used for original music created especially for the company, because video game studios want to own the music. On the other hand, on a synchronisation, there can easily be French artists."</li></ul> "My favourite project to work on was clearly the feature film La Tortue Rouge, produced by Studios Ghibli, with original music by composer Laurent Perez del Mar. It was a really special experience - it was a film without words, so the music played both the role of accompaniment, but also almost a dialogue role."<h3>The main problem with music synchronisers</h3>At Creaminal, Clément very quickly came up against the problem of the lack of tools in the industry for managing large catalogs. "I'd been hoping for a long time that a tool would come along. But when I didn't see anyone doing it, I created an in-house tool to receive, store and share music easily, with a major music description feature to make it easier to search for and find the right music to offer." This tool began to generate quite a bit of interest from artists and labels, but also from other players in the music industry. It was at this precise moment that the idea of Bridge Audio emerged, a tool that could be just as useful for composers/artists, whether pro or amateur, as it could be for players in the music industry (music synchronisation agencies, media, labels, artists, etc.). He therefore decided to sell Creaminal to AlterK and create this new company: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://bridge.audio">bridge.audio</a>.<h2>The creation of <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://Bridge.audio">Bridge.audio</a>, the first audio cloud</h2>"It's like Google Drive having a baby with Spotify". The tool responds to issues specific to the audio industry, such as allowing only streaming or downloading on a shared track, the ability to add all the metadata to files and an AI description of each track (musically, stylistically, emotionally, structurally, type of voice, etc). In two words, productivity and discoverability. To be able to store files, have all the information linked to the tracks and make it easy to find them. "We chose to offer a free version to make it as easy to adopt as wetransfer or soundcloud". <h3>A word about the future of <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://Bridge.audio">Bridge.audio</a></h3>"On Bridge, we've set up Workspaces for working alone or as part of a team: assets are stored, and you share them with others for synchronisation, promotion, A&amp;R, exchanges with artists, etc. The tool is used by composers, artists and all those around them (labels, publishers, tour managers, PR, etc.), as well as by companies who want to share their work with others. The tool is used by composers, artists and their entourage (labels, publishers, tour operators, managers, PR, etc.), as well as by companies that 'consume' music, such as Chanel and TBWA, and by music supervisors. In the middle of all this, we're going to create marketplaces, called HUBs, the first of which is dedicated to Synchronisation: the Synch Hub. As a rights holder, you'll be able to decide to put all or some of your tracks on this Hub, and music labels and supervisors will be invited to join the Hub to search for a specific track, using our AI. We've just launched this service, and we've already got over 60 labels/publishers offering their catalogs and over thirty buyers. The prospects for development are very exciting As far as future developments on Bridge are concerned, we're going to continue to improve the user experience and add new functions to both the workspaces and the HUB. We reckon that we've only made 30% of the final product, and future developments include the effort to make our music more discoverable and to add a mobile version. Don't hesitate to join the tens of thousands of users who have already joined us.

Check out this interview with Clément Souchier, founder of Creaminal (music synchronisation agency) and Bridge.audio (cloud audio)

Music synchronisation: Interview with Clément Souchier, founder of Bridge.audio & Creaminal

<h2>Clément Souchier, un auteur-compositeur devenu entrepreneur dans l'industrie musicale&nbsp;</h2>Clément Souchier est le fondateur de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.creaminal.com/">Creaminal</a>, l’agence indépendante de musique à l’image (qu’il a vendu depuis à <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.alter-k.com/">Alter K Music Group</a>) qui trouve des musiques existantes et produit des musiques originales pour les professionnels de l’image. Avant cela, il proposait lui-même sa musique pour des films &amp; publicités en tant qu'auteur-compositeur. Avec la création de Creaminal, son objectif était de fédérer des artistes et des labels indépendants pour proposer leurs talents sur des films, des pubs, des jeux vidéos. “On voulait créer une offre concurrente aux majors, une alternative. L'initiative a été très bien reçue. Au départ, c'était surtout de la représentation d’artistes et petit à petit ces artistes ont eu des labels.”&nbsp; <h2>Comment fonctionne la synchronisation musicale ?</h2><h3>On distingue trois familles dans la synchronisation :&nbsp;</h3><ul><li>Fiction : Tout d'abord, le sujet du film fait qu’un titre a plus ou moins de potentiel de synchronisation dessus. C’est en effet le sujet, le lieu et l’époque du film qui déterminent ce qu’on recherche… Je ne cherche pas la même musique selon que l’action du film se déroule en Roumanie dans les années 80 ou aux US aujourd’hui. Ensuite, il doit y avoir une certaine singularité, sinon la prod et le réal préféreront acheter directement de la musique de librairie. De plus, si la musique a un rôle secondaire, ou d'accompagnement, le professionnel de l'image va se tourner vers un titre moins cher. En revanche, si la musique a un rôle majeur, par exemple avec le générique de fin ou sur une scène culte, il fait sens d’utiliser un titre du commerce qui apporte une signification et/ou un impact supplémentaire à la séquence. </li><li>Publicité : "Ce qui va souvent marcher en publicité, ce sont des titres qui peuvent exacerber l’émotion recherchée et/ou le public visé. Une musique sur un format publicitaire, donc plutôt court, va jouer un rôle de catalyseur, de surligneur, pour révéler et appuyer ce que l’annonceur et son agence&nbsp; cherchent à dire”. Les familles de musique basées sur des émotions ont un plus fort potentiel de synchronisation : féminine, enpowerment, positive, fédératrice, moderne, puissante, badass, revendiqué. On parle dans le milieu de titre à fort potentiel Synchro ou de titres “Sync Friendly”. “Les titres qui sont plutôt hybrides dans les émotions qu’ils évoquent sont souvent plus difficiles à utiliser, car on préfèrera quelque chose de plus tranché, avec une émotion plus exacerbée”. "Il faut aussi noter qu'on peut chercher l’émotion, mais pas nécessairement la tristesse, et que les explicit lyrics sont très rares". “Ce qu’on aime bien pourtant , et au risque que ça puisse sembler contradictoire, c'est placer des titres qui ne semblent pas spécialement adaptés à la synchro et pour lesquels il y a une magie qui s’opère entre la publicité et le titre ; et là généralement ce sont des awards-winners. Mais pour y parvenir, il faut aussi que le client soit partant, car cela représente souvent un plus grand risque. Et en matière de risque, il n’est pas rare que les clients préfèrent soit acheter des titres connus et éculés - quitte à les payer très cher - ou des titres de librairie pas chers… Alors qu’à mon sens, ni l’un, ni l’autre ne sont propices à faire véritablement la différence sur une campagne… Les titres connus ont tendance à phagocyter les films - dans le sens où le titre va attirer toute l’attention au détriment de la marque - et les titres de librairie à les rendre fades. Seul, à mon sens, les titres singuliers et pas encore ultra connus peuvent faire briller la marque, on dira alors “trop bien la musique de telle marque”.&nbsp; </li><li>Jeux vidéos : “La musique “in-game” (dans le jeu), c’est quelque chose qui a été contrarié par des négociations complexes entre éditeurs de jeux et société des gestions collectives (comme la SACEM). Les compositeurs français ont été complètement écartés par les studios de jeux vidéos, à quelques exceptions près. Aujourd’hui, il y a très peu de français qui composent pour les jeux vidéos, car les studios gaming ont envie de pouvoir acheter les droits sur le principe de buy-out (= acheter tout et ne pas payer de rémunération proportionnelle), là où la vision des droits d’auteurs à la française, que je défends, c’est d’avoir une incessibilité de tes droits, c'est-à-dire d’être payé sur chaque exemplaire vendu, tandis que les Anglo-Saxons veulent juste te filer un “flat-fee”. On a mis des années à trouver un système qui marche en France. C’est surtout présent sur les musiques originales créées spécialement pour l’entreprise, car les studios de jeux vidéos veulent être propriétaire de la musique. En revanche, sur une synchronisation, il peut facilement y avoir des artistes français."&nbsp; </li></ul>"Le projet sur lequel j’ai préféré travailler, c’est clairement le long métrage La Tortue Rouge, film produit par les studios Ghibli, avec de la musique originale du compositeur Laurent Perez del Mar. C’était vraiment une expérience à part , c’était un film sans parole, donc la musique jouait à la fois le rôle d’accompagnement, mais aussi presque un rôle de dialogue."&nbsp; <h3>La principale problématique des synchroniseurs musicaux</h3>Au sein de Creaminal, Clément s’est très vite heurté à la problématique de&nbsp; l’absence d’outils dans l’industrie pour gérer des grands catalogues. “J’ai longtemps espéré qu’un outil verrait le jour. Mais, ne voyant personne le faire, j’ai créé un outil interne pour recevoir, stocker et partager de la musique facilement, avec une fonctionnalité majeure de description de la musique pour plus facilement chercher et trouver les bonnes musiques à proposer.” Cet outil a commencé à susciter pas mal d’intérêts auprès d’artistes et de labels, mais aussi auprès d'autres acteurs de l'industrie musicale. C’est à ce moment précis que l’idée de Bridge audio a émergée, un outil qui pouvait aussi bien trouver son utilité pour les compositeurs/artistes, qu’ils soient pro ou amateurs, que pour les acteurs de l’industrie musicale (Agence de synchronisation musicale, médias, labels, artistes, etc). Il a donc pris la décision de vendre Creaminal à AlterK et de créer cette nouvelle société : <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://bridge.audio">bridge.audio</a>.&nbsp;<h2>La création de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://Bridge.audio">Bridge.audio</a>, le premier cloud audio&nbsp;</h2>“Google drive qui aurait fait un bébé avec Spotify”. L’outil répond à des problématiques spécifiques aux métiers de l’audio, comme d’autoriser uniquement le streaming ou le download sur une track partagée, le fait de pouvoir ajouter toutes les métadatas aux fichiers ainsi qu’une description par IA de chaque morceau (musicalement, stylistiquement, émotions, structures, type de voix etc). En deux mots, productivité et “découvrabilité”. Pouvoir stocker des fichiers, avoir toutes les informations liés aux titres et permettre de le retrouver facilement. “On a fait le choix de proposer une version gratuite pour que ce soit aussi simple à adopter qu’un wetransfer ou un soundcloud”&nbsp; <h3>Un mot sur le futur de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://Bridge.audio">Bridge.audio</a>&nbsp;</h3>“Sur Bridge, on a mis en place les Workspaces pour travailler seul ou en équipe : des assets sont stockés et tu les partages avec d’autres à des fins de synchronisation, de promotion, d’A&amp;R, d’échange avec des artistes etc. L'outil est aussi bien utilisé par des compo, artistes) que tout leur entourage (labels, éditeurs, tourneurs, managers, PR…), mais aussi par des entreprises qui “consomme” de la musique comme Chanel ou TBWA, ainsi que par des superviseurs musicaux. Au milieu de tout ça, nous allons créer des places de marché, que l’on appelle les HUB et dont le premier est consacré à la Synchronisation : le Hub Synch. En tant qu’ayant droit tu vas pouvoir décider de mettre tout ou une partie de tes titres sur ce Hub, et les marques &amp; superviseurs musicaux vont être invités à venir rejoindre le Hub pour chercher, grâce à notre IA, un titre spécifique. Nous venons de lancer ce service, avec déjà plus de 60 labels / éditeurs qui proposent leur catalogue et plus d’une trentaine d’acheteurs. Les perspectives de développement sont super enthousiasmantes Pour ce qui est des développements à venir sur Bridge : on va continuer d’améliorer l’expérience utilisateur et de nouvelles fonctionnalités tant sur les workspaces que sur le HUB. On considère qu’on a fait seulement 30% du produit final et parmi les évolutions à venir, il y a cet effort sur la découvrabilité, rendre sa musique plus facile à découvrir et d'ajouter une version mobile. N’hésitez pas à rejoindre les dizaines de milliers d’utilisateurs qui nous ont déjà rejoint.

Découvrez cet interview de Clément Souchier, créateur de Creaminal (agence de synchronisation musicale) et Bridge.audio (cloud audio)

La synchronisation musicale : Entretien avec Clément Souchier, fondateur de Bridge.audio & Creaminal

Continuation of our Tips from insiders series. Following <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/how-can-you-spot-fake-playlists">our interview with the creator of Isitagoodplaylist</a>, a site that helps identify fraudulent playlists, we decided to ask Tristan Schindler our questions about the collaboration between brand and artist.<h2>Tristan Schindler, founder of Xanadu Creative Services</h2>"I've held various positions over the last 15 years. Management at Etendard Management, development of synchronisation and brand relations at Wagram and Beggars, and finally I joined Universal Music France's in-house agency, A&amp;R Agency, which later became A&amp;R Studios. These experiences led me to develop my own structure, Xanadu Creative Services, which provides a wide range of services."The role of Xanadu Creative Services is divided into two major activities. Firstly, to serve and support artists in their careers. The industry is both fast-moving and increasingly demanding of artists. Artists are being asked to be communicators, social network experts, artistic directors, content producers and so on. My second activity is to help companies integrate music into their business model, or strengthen their presence in the current ecosystem."<h2>His advice for developing artists</h2>"You need to have a holistic vision of your career and your project. What is the message? How is it conveyed? By what means? You have to answer all these questions if you want your music to resonate today.""Developing your project takes time. The fantasy that your music will be put online and generate millions of streams on its own has to be put to rest. You have to multiply the exposure of your music and develop your community: content, concerts, marketing, featurings, community exchange, creative operations, etc. With or without a budget, you need a lot of willpower and perseverance." <h3>"Artists need to be aware that music alone is no longer enough" </h3>"Musical branding is neither subsequent nor exogenous to the development of an artistic project. On the contrary, it precedes and is endogenous. A musical project without branding will find it hard to emerge from the shadows and the heap of tracks released every day on streaming platforms."<h2>The different types of collaboration between an artist and a brand</h2><ul><li>Product placement : Product placement in a video clip or at a release party, where a brand is associated with an artist's project in return for a financial contribution.</li><li>Private concerts : These are non-ticketed concerts where the artist is paid by the brand to perform at an event organised by the brand itself.</li><li>Brand content : These are the most common operations, where a brand calls on an artist to create content around a product.</li><li>Collaborative collections : This is when a brand teams up with an artist to create a collection or a product. These operations often take the form of merchandising and the artists can earn royalties on sales.</li><li>Endorsement : the brand decides to invest in an artist over a longer period (usually a year) to promote its products and message. In these endorsement deals, the artist can multiply the number of operations with the brand: in-store displays, private concerts, brand content, etc.</li></ul><h2>The rules for a successful collaboration with a brand</h2><ul><li>Correspondence between the brand's target clientele and the artist's fanbase</li><li>Shared values between the brand and the artist</li><li>Involvement and loyalty of the artist's community</li></ul><h2>His predictions on future upheavals in the music industry</h2>The music industry is in a state of flux. For example, a few months ago we carried out a study for the CNM, which is already out of date. It would be hard to predict the market over the next five years.However, we can see that the streaming model, which accounts for around 70% of the industry, is in the throes of change (the proliferation of artist-centric agreements, for example) and is subject to ongoing regulation (on its rates, for example). These changes will have a major impact on the industry.We are also seeing A.I. develop at breakneck speed, and we are in the midst of a post-industrial revolution: we need to prepare ourselves to see operational tasks gradually disappear, now that repetitive tasks have all but disappeared.

Find out what a music industry professional has to say about the collaboration between brand and artist

Why Musical Branding Matters: An Interview with Xanadu Creative Services' Founder

Suite de notre série d'article Tips from insiders. Après <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/how-can-you-spot-fake-playlists">l'interview du créateur de Isitagoodplaylist</a>, un site qui permet d'identifier les playlists frauduleuses, on a décidé de poser nos questions à Tristan Schindler sur la collaboration entre marque et artiste.<h2>Tristan Schindler, fondateur de Xanadu Creative Services</h2>"J’ai occupé divers postes ces 15 dernières années. Du management au sein d’Etendard Management, le développement de la Synchronisation et des Relations Marques pour Wagram ainsi que chez Beggars ; et enfin j’ai intégré l’agence interne d’Universal Music France : A&amp;R Agency, devenue par la suite A&amp;R Studios. Ces expériences m’ont amené à développer ma propre structure Xanadu Creative Services qui déploie des services variés."Le rôle de Xanadu Creative Services se segmente en deux activités majeures. Tout d’abord, servir et accompagner les artistes dans leur carrière. L’industrie est à la fois très mouvante, et de plus en plus exigeante envers les artistes. On demande aux artistes d’être communicants, experts en réseaux sociaux, directeurs artistiques, producteurs de contenus et j’en passe. Ma deuxième activité est d’aider les entreprises à intégrer la musique dans leur business model, ou à renforcer leur présence dans l’écosystème actuel."<h2></h2><h2>Ses conseils pour les artistes en développement</h2>"Il faut aujourd’hui avoir une vision holistique de sa carrière et de son projet. Quel est le propos ? Comment est-il transmis ? Par quels moyens ? Il faut répondre à toutes ces questions pour que sa musique résonne aujourd’hui.""Développer son projet prend du temps. Le fantasme d’une musique mise en ligne et qui génère seule des millions de streams doit être annihilé. Il faut multiplier les expositions de sa musique et développer sa communauté : contenus, concerts, marketing, featurings, échange de communautés, opérations créatives, etc… Avec ou sans budget, il faut beaucoup de volonté et de persévérance."<h3>“Les artistes doivent être conscients que la musique ne suffit plus”</h3> "Le branding musical n’est ni postérieur ni exogène au développement d’un projet artistique. Au contraire, il est antérieur et endogène. Un projet musical sans branding aura du mal à émerger de l’ombre et dans l’amas de morceaux publiés chaque jour sur les plateformes de streaming."<h2>Les différents types de collaboration entre un artiste et une marque</h2><ul><li>Placements de produits :&nbsp;Un placement de produit dans un clip, ou lors d'une release party, et qui consiste à associer une marque à un projet de l’artiste contre une participation financière.</li><li>Concerts privés :&nbsp;Ce sont des concerts sans billetterie, où l’artiste est payé par la marque pour performer à un événement qu’elle-même organise.</li><li>Brand content :&nbsp;Il s’agit des opérations les plus courantes, lorsqu'une marque fait appel ponctuellement à un artiste pour créer du contenu autour d’un produit.</li><li>Collections en collaboration :&nbsp;C’est quand une marque s’associe à un artiste pour créer une collection ou un produit. Ces opérations prennent souvent la forme de merchandising et les artistes peuvent toucher des royalties sur les ventes.</li><li>Égérie :&nbsp;la marque décide de miser sur un artiste sur une durée plus longue (habituellement sur une année) pour mettre en avant ses produits et son message. Dans ces deals d’endorsement, l’artiste peut multiplier les opérations avec la marque : affichage en magasin, concert privé, brand content, etc.</li></ul><h2></h2><h2>Les règles pour une collaboration réussie avec une marque</h2><ol><li>Correspondance entre la clientèle cible de la marque et la fanbase de l’artiste</li><li>Partage de valeurs communes entre la marque et l’artiste</li><li>Implication et fidélité de la communauté de l’artiste</li></ol><h2>Ses prédictions sur les futurs bouleversements à venir dans l'industrie musicale</h2>L’industrie musicale est très mouvante. Nous avons par exemple fait une <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://cnmlab.fr/onde-courte/linvestissement-dans-des-catalogues-musicaux-francais-et-etrangers/">étude</a> il y a quelques mois pour le CNM qui est déjà caduque. Bien malin est celui qui pourra anticiper le marché des cinq prochaines années.Cependant, on voit que le modèle du streaming qui pèse autour de 70% de l’industrie est en pleine mutation (multiplication des accords artists-centric par exemple) et subit des régulations permanentes (sur ses taux par exemple). Ces changements vont avoir un impact majeur sur l’industrie.On voit aussi que l’I.A. se développe à une vitesse folle, nous sommes en pleine révolution post-industrielle : il faut se préparer à voir disparaitre peu à peu les tâches opérationnelles, maintenant que celles qui sont répétitives ont presque disparu.

Découvrez l'avis d'un professionnel de l'industrie musicale sur la collaboration entre marque et artiste

L'importance du branding musical : Entretien avec le fondateur de Xanadu Creative Services

<h1>The historical remuneration system for streaming</h1> Today, the main music streaming platforms redistribute around 70% of their revenue, generated by subscriptions or advertising, to the rights holders (artists and composers) in proportion to the number of listens exceeding 30 seconds. This is the market-centric model. It consists of distributing all the revenue to the rights holders of the tracks, on the basis of their market share of all the tracks streamed over a defined period. A song that is twice as popular as another therefore earns twice as many royalties.<h1>The new SPOTIFY system</h1> The major change in Spotify's system for paying artists is the addition of a minimum annual listener threshold, meaning that any song that does not reach this threshold will no longer receive royalties. From the first half of 2024, Spotify will therefore be adding a "minimum annual listener threshold" in order to be paid by the platform. The threshold to qualify for remuneration has been set at a minimum of 1,000 streams over the first 12 months following the publication of a piece of music. Behind this measure, Spotify expects to demonetise 0.5% of the songs on the platform. This would represent around $40 million that will be distributed differently next year. Another notable change is the introduction of fraud penalties for distributors. If it is shown that the song is associated with fraud, the song will be withdrawn and the distributors/labels will have to pay a fee. The fine is currently set at €10, and will apply where the song has more than 90% of fraudulent streams. The Swedish platform insists that it has algorithms capable of detecting fraud. JPMorgan analysts estimate that they account for 10% of total listening. Spotify, for its part, claims that this represents less than 1% of streams.Finally, Spotify will be increasing its listening time requirements for "noise tracks" (ambient sounds) to prevent too much remuneration being allocated to them to the detriment of artists.<h1>The first criticisms of this new model, effective from 2024</h1> Spotify has announced that 37.5 million tracks have been listened to more than 1,000 times on Spotify. With a catalogue of 100 million tracks, this means that around 62.5 million tracks (or 62.5% of its music) have not reached the minimum threshold in terms of streams of all time, let alone annual streams. Amelia Fletcher, professor of competition policy at the University of East Anglia's Norwich Business School, recently shared her view: "If a precedent is set here, there is nothing to stop the 0.5% threshold from increasing over time". She went on to quote Universal Music Group as saying that the new model "will reward real artists with real fan bases for the engagement they generate on the platform". "But if Spotify really wanted to 'reward real artists with real fan bases for the engagement they generate on the platform', all it would have to do is adopt a user-centric payment system," she wrote. "In this system, each user's subscription revenue is divided proportionally between the tracks they themselves listen to. This system would provide a simple solution to this apparent objective. It would also reduce the opportunities for streaming fraud. The fact that this option has been repeatedly rejected suggests that this is not the real reason for the proposed change".<h1>Deezer's new system</h1> Already a fervent advocate of the artist-centric model (users are paid exclusively for the artists they have actually listened to), Deezer has been implementing four new points since October 2024:<ol><li>Double the remuneration of artists who obtain at least 1,000 monthly listens from at least 500 unique listeners.</li><li>Double the remuneration for songs with which fans actively engage.</li><li>Non-artistic sound content (white noise, wave sounds, etc.) will not be taken into account when calculating royalties.</li><li>Finally, Deezer promises to introduce a stricter fraud detection system to identify and eliminate those who try to circumvent the system.</li></ol>After concluding this agreement with Universal Music at the beginning of September, the French platform convinced another major to adopt a new model: Warner Music, whose boss Robert Kyncl has long been calling for adjustments: "It's no longer possible for an Ed Sheeran song to earn as much as the sound of rain falling on a roof", he stressed in the spring. This so-called "artist centric" system aims to better remunerate artists by limiting abuse and fraud.To find out more about their new model and the criticisms raised, <a rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/universal-and-deezer-unveil-their-artist-centred-streaming-remuneration-project">you can read this article</a><h1>Conclusion</h1> The new models proposed by streaming platforms are tending to reduce fraud and abuse, while at the same time boosting remuneration for artists with a solid fanbase. Although streaming accounts for around 65% of global revenues from recorded music, the majority of artists do not derive 65% of their revenues from streaming. According to a recent study, nine out of ten artists earn less than €1,000 a year from Spotify. The system is imperfect, and we are delighted that Deezer and Spotify are tackling the problem, but there is still a long way to go before we reach a fair and truly remunerative solution.

Discover Spotify's new model for paying artists for streaming and compare it with Deezer's model

Spotify's new remuneration system for streaming in 2024

<h1>Le système historique de rémunération du streaming</h1>Aujourd’hui, les principales plateformes de streaming musical redistribuent environ 70% de leurs recettes, générées par les abonnements ou par la publicité, aux ayants droit (artistes et compositeurs) de manière proportionnelle au nombre d’écoutes qui sont supérieures à 30 secondes. Ce modèle, c'est celui du market-centric. Il consiste en la répartition de l’ensemble des revenus aux ayants droit des titres, sur la base de leur part de marché sur l'intégralité des titres streamés sur une période définie. Une chanson deux fois plus populaire qu’une autre permet donc de gagner deux fois plus de royalties.<h1>Le nouveau système de SPOTIFY</h1>Le changement majeur dans le système de rémunération des artistes par Spotify, c’est l’ajout d’un seuil minimum d'écoutes annuelles, toute chanson qui n'atteint pas ce seuil ne recevra désormais plus de redevances. À partir du premier semestre 2024, Spotify va donc ajouter un “seuil minimum d'écoutes annuelles” pour être rémunéré par la plateforme. Le seuil pour prétendre à une rémunération a été fixé à 1000 streams minimum sur les 12 premiers mois après publication d'une musique. Derrière cette mesure, Spotify s'attend à une démonétisation de 0,5% des chansons sur la plateforme. Cela représenterait environ 40 millions de dollars qui seront distribués différemment l'année prochaine. Un autre changement notable, c’est la mise en place de sanctions pour fraude à l'encontre des distributeurs. En effet, s’il est démontré que la chanson est associée à une fraude, la chanson sera retirée et les distributeurs/labels devront s'acquitter de frais. Une amende pour l'instant fixée à 10 euros, et ce lorsque le titre a plus de 90% de streams frauduleux. La plateforme suédoise assure qu’elle dispose d’algorithmes capables de détecter les fraudes. Les analystes de JPMorgan estiment qu’ils représentent 10% des écoutes totales. Spotify, de son côté, assure que cela représente moins de 1% des streams. Enfin, Spotify va augmenter ses exigences en matière de durée d'écoute pour les pistes sans bruit ou “noise tracks” (les sons d’ambiance) pour éviter qu’une trop grande part de rémunération y soit attribué au détriment de celle des artistes.<h1>Les premières critiques de ce nouveau modèle, effectif à partir de 2024</h1>Spotify a annoncé que 37,5 millions de titres ont été écoutés plus de 1 000 fois sur Spotify. Avec un catalogue de 100 millions de titres, cela signifie qu'environ 62,5 millions de titres (soit 62,5 % de sa musique) n'ont pas atteint le seuil minimum en termes de streams de tous les temps, et ce, sans même parler des streams annuels.Amelia Fletcher, professeur de politique de la concurrence à la Norwich Business School de l'université d'East Anglia, a récemment partagé son avis : "Si un précédent est établi ici, rien n'empêchera le seuil de 0,5 % d'augmenter au fil du temps". Elle a ensuite cité Universal Music Group, qui a déclaré que le nouveau modèle "récompensera les vrais artistes avec de vraies bases de fans pour l'engagement qu'ils suscitent sur la plateforme".Mais si Spotify voulait vraiment "récompenser les vrais artistes avec de vraies bases de fans pour l'engagement qu'ils génèrent sur la plateforme", il lui suffirait d'adopter un système de paiement centré sur l'utilisateur", écrit-elle. "Dans ce système, les revenus de l'abonnement de chaque utilisateur sont répartis proportionnellement entre les titres qu'il écoute lui-même. Ce système apporterait une solution simple à cet objectif apparent. Il réduirait également les possibilités de fraude en matière de streaming. Le fait que cette option ait été rejetée à plusieurs reprises suggère que ce n'est pas la véritable raison d'être du changement proposé".<h1>Le nouveau système de Deezer</h1>Déjà fervent défenseur du modèle artist-centric (le forfait des utilisateurs rémunèrent exclusivement les artistes que l'auditeur a réellement écoutés), Deezer a mis en place depuis octobre 2024 quatre nouveaux points : 1. Doubler les rémunérations des artistes qui obtiennent au moins 1 000 écoutes mensuelles de la part d'au moins 500 auditeurs uniques.2. Doubler la rémunération des chansons avec lesquelles les fans s'engagent activement.3. Le contenu sonore non artistique (bruit blanc, sons de vagues, etc.) ne sera pas pris en compte dans le calcul des redevances.4. Enfin, Deezer promet de mettre en place un système de détection des fraudes plus strict afin de repérer et d'éliminer ceux qui tentent de contourner le système.Après avoir conclu cet accord début septembre avec Universal Music, la plateforme française a convaincu une autre major d’adopter un nouveau modèle : Warner Music, dont le patron Robert Kyncl réclame depuis longtemps des ajustements : “Ce n’est plus possible qu’une chanson d’Ed Sheeran rapporte autant que le son de la pluie tombant sur un toit”,&nbsp;soulignait-il au printemps. Ce système dit “artist centric” vise à mieux rémunérer les artistes en limitant les abus et les fraudes.Pour découvrir plus en détail leur nouveau modèle et voir les critiques soulevées, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/universal-and-deezer-unveil-their-artist-centred-streaming-remuneration-project">lisez cet article</a><h1>Conclusion</h1>Les nouveaux modèles proposés par les plateformes de streaming tendent à réduire les fraudes et les abus tout en accentuant la rémunération des artistes ayant une fanbase solide. En effet, bien que le streaming représente environ 65% des revenus mondiaux de la musique enregistrée, la majorité des artistes n'ont pas 65% de leurs revenus qui émanent du streaming. D'après une étude récente, neuf artistes sur dix gagnent moins de 1 000 euros sur Spotify par an. Le système est imparfait, on se réjouit que Deezer et Spotify s'attaquent au problème, mais il y a encore du chemin avant de parvenir à une solution équitable et réellement rémunératrice.

Découvrez le nouveau modèle de rémunération des artistes avec le streaming chez Spotify et comparez-le avec celui de Deezer

Le nouveau système de rémunération du streaming proposé par Spotify en 2024

Deezer, one of the world's leading music streaming companies, recently caused a stir by announcing a major change to its artist remuneration system. The decision, the result of a partnership with Universal Music Group (UMG), aims to introduce a fairer, more artist-centred remuneration model. However, this initiative has not failed to provoke heated debate within the music industry.
Deezer has introduced some notable features in its new remuneration model, aimed at rewarding emerging artists more. One of these features is the "double boost" awarded to tracks that generate at least 1,000 streams from at least 500 separate listeners.
 
<h2>The new system is a 4-point model</h2>
1. Double the remuneration of artists who obtain at least 1,000 monthly listens from at least 500 unique listeners.
2. Double the remuneration for songs with which fans actively engage.
3. Non-artistic sound content (white noise, wave sounds, etc.) will not be taken into account when calculating royalties.
4. Finally, Deezer promises to implement a stricter fraud detection system to identify and eliminate those who attempt to circumvent the system.
UMG and Deezer justify this change by emphasising their commitment to a fairer music industry. They hope to reduce income inequalities between artists, a problem that has long been criticised in the streaming world. And despite numerous proposals from industry players, nothing has changed. But Deezer has always been an innovator, and is now showing its desire to be a forerunner in streaming by putting this alternative model to the test directly on their platform. However, this initiative has not been universally welcomed.
 
<h2>Industry reactions to the Deezer and UMG proposal</h2>
Association of Independent Music: "While there are many positive points to take away (...) increasing royalties for artists who reach certain consumption thresholds could encourage a 'two-tier system' that would disadvantage those just starting out in their careers or working in emerging genres."
Believe: "We are strongly opposed to a system (...) that would take remuneration from up-and-coming artists and allocate it to the best-known and most established artists. Furthermore, we are convinced, on the basis of data, that such a system would reduce diversity and discourage creativity."
Impala: "The fact that Deezer's proposal has been developed with the market leader rather than the industry as a whole is also worrying. Unless other stakeholders agree, Impala does not see how it could apply outside UMG's repertoire."
Warner Music Group is part of the same family of companies as Deezer. According to MBW, Access Industries founder Len Blavatnik controlled just over 73% of WMG's shares at the start of 2023, while even after Deezer's IPO, Access Industries held almost 37% of its shares. Which, incidentally, is an amusing subplot in Deezer's decision to change the streaming payment model with Universal Music Group in the first place.
<img alt="" src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/RNAGGAAA5S3ITERCNGCQ623J5M_600x600.png?v=1695898296">
<h2>Deezer's response to concerns raised by music industry players</h2>
Deezer responded in an interview: "If an artist doesn't reach 1,000 streams and 500 listeners a month, he can't earn a living, whatever the remuneration model. So they're not technically professionals. And any up-and-coming artist who rises reaches those levels pretty quickly."
The interview also contains some very interesting details about how Deezer will calculate its artist-centric royalty pool. Only 1,000 streams per user per month will count towards this calculation. "So if you listen to 2,000 streams, your streams will count as half. That way, there's no account that accumulates 10,000 streams and steals money from the pool," said Folgueira.
"A normal human being consumes between 400 and 600 tracks a month, which is why we set the threshold at 1,000. At 1,000, more than 90% of behaviour is taken into account, and only aberrant behaviour exceeds this threshold..."
Deezer responded to these criticisms by claiming that established artists would continue to earn considerable sums from gigs, physical sales and licensing deals. They insist that streaming is primarily a means of discovery for emerging artists, and that the new system aims to support this critical phase of their careers.
<h2>Conclusion</h2>
All in all, Deezer's new streaming remuneration system is provoking mixed reactions within the music industry. While some welcome the attempt to reduce inequality, others are concerned about the impact on established artists and artistic creativity. Clearly, this debate is far from over, and the future will tell whether this remuneration model will be a success or whether it will require adjustments to achieve an optimal balance between emerging artists and the stars of the music industry. The system will be phased in across the entire catalogue from 1 October 2023.

The result of a partnership with Universal Music Group (UMG), this new streaming remuneration model aims to achieve a fairer, artist-centred distribution. However, this initiative has not failed to provoke heated debate within the music industry.

Universal and Deezer unveil their artist-centred streaming remuneration project

Deezer, l'un des leaders mondiaux du streaming musical, a récemment fait sensation en annonçant un changement majeur dans son système de rémunération des artistes. Cette décision, fruit d'un partenariat avec Universal Music Group (UMG), vise à instaurer un modèle de rétribution plus équitable et centré sur les artistes. Cependant, cette initiative n'a pas manqué de susciter des débats passionnés au sein de l'industrie musicale.Deezer a introduit des spécificités notables dans son nouveau modèle de rémunération, visant à récompenser davantage les artistes émergents. L'une de ces particularités est le "double boost" attribué aux titres qui génèrent au moins 1000 streams provenant d'au moins 500 auditeurs distincts.<h2 style="text-align: start">LE NOUVEAU SYSTÈME EST UN MODÈLE EN 4 POINTS :</h2>1. Doubler les rémunérations des artistes qui obtiennent au moins 1 000 écoutes mensuelles de la part d'au moins 500 auditeurs uniques.2. Doubler la rémunération des chansons avec lesquelles les fans s'engagent activement.3. Le contenu sonore non artistique (bruit blanc, sons de vagues, etc.) ne sera pas pris en compte dans le calcul des redevances.4. Enfin, Deezer promet de mettre en place un système de détection des fraudes plus strict afin de repérer et d'éliminer ceux qui tentent de contourner le système.UMG et Deezer justifient ce changement en mettant en avant leur engagement en faveur d'une industrie musicale plus équitable. Ils espèrent ainsi réduire les inégalités de revenus entre les artistes, un problème qui a longtemps fait l'objet de critiques dans le monde du streaming. Et malgré de nombreuses propositions des intervenants du secteur, rien a changé. Toutefois, Deezer a toujours été porteur d’innovation et montre aujourd’hui son envie d’être un acteur précurseur dans le streaming, en mettant à l'épreuve ce modèle alternatif directement sur leur plateforme. Cependant, cette initiative n'a pas été accueillie de manière unanime.<h2 style="text-align: start">LES RÉACTIONS DE L'INDUSTRIE À LA PROPOSITION DE DEEZER ET UMG</h2>Association of Independent Music : «&nbsp;Bien qu'il y ait de nombreux points positifs à retenir (…) l'augmentation des redevances pour les artistes qui atteignent certains seuils de consommation pourrait encourager un "système à deux vitesses" qui désavantagerait ceux qui commencent leur carrière ou qui travaillent dans des genres émergents.&nbsp;»Believe : «&nbsp;Nous nous opposons fermement à un système (..) qui consisterait à prélever des rémunérations sur les artistes en pleine ascension pour les allouer aux artistes les plus connus et les mieux établis. En outre, nous sommes convaincus, sur la base de données, qu'un tel système réduirait la diversité et découragerait la créativité.&nbsp;»Impala : «&nbsp;Le fait que la proposition de Deezer ait été élaborée avec le leader du marché au lieu du secteur en général est également préoccupant. À moins que d'autres parties prenantes ne soient d'accord, Impala ne voit pas comment elle pourrait s'appliquer en dehors du répertoire d'UMG.&nbsp;»Notons quand même que la société Warner Music Group fait partie de la même famille d'entreprises que Deezer. Selon MBW, le fondateur d'Access Industries, Len Blavatnik, contrôlait un peu plus de 73 % des actions de WMG au début de l'année 2023, tandis que même après l'entrée en bourse de Deezer, Access Industries détenait près de 37 % de ses actions. Ce qui, soit dit en passant, est une sous-intrigue amusante dans la décision de Deezer de modifier le modèle de paiement du streaming avec Universal Music Group en premier lieu.<h2 style="text-align: start">LA RÉPONSE DE DEEZER AUX PRÉOCCUPATIONS SOULEVÉES PAR LES ACTEURS DE L'INDUSTRIE MUSICALE</h2>À cela, Deezer a répondu en interview : "Si un artiste n'atteint pas 1 000 streams et 500 auditeurs par mois, il ne peut pas gagner sa vie, quelle que soit la rémunération du modèle. Il n'est donc pas techniquement un professionnel. Et tout artiste en devenir qui monte atteint ces niveaux assez rapidement."L'interview contient également des détails très intéressants sur la manière dont Deezer calculera son pool de redevances centré sur l'artiste. Seuls 1 000 streams par utilisateur et par mois seront pris en compte dans ce calcul."Ainsi, si vous écoutez 2 000 streams, vos streams compteront pour moitié. De cette façon, il n'y a pas de compte qui accumule 10 000 streams et qui vole de l'argent au pool", a déclaré M. Folgueira."Un être humain normal consomme entre 400 et 600 titres par mois, c'est pourquoi nous avons fixé le seuil à 1 000. À 1 000, plus de 90 % des comportements sont pris en compte, et seuls les comportements aberrants dépassent ce seuil..."Deezer a répondu à ces critiques en affirmant que les artistes établis continueraient à gagner des sommes considérables grâce aux concerts, aux ventes physiques et aux accords de licences. Ils insistent sur le fait que le streaming est principalement un moyen de découverte pour les artistes émergents, et que le nouveau système vise à soutenir cette phase critique de leur carrière.<h2 style="text-align: start">CONCLUSION</h2>En fin de compte, le nouveau système de rémunération du streaming chez Deezer suscite des réactions mitigées au sein de l'industrie musicale. Alors que certains saluent cette tentative de réduire les inégalités, d'autres expriment des inquiétudes quant à ses répercussions sur les artistes établis et sur la créativité artistique. Il est clair que ce débat est loin d'être clos, et l'avenir dira si ce modèle de rétribution sera un succès ou s'il nécessitera des ajustements pour parvenir à un équilibre optimal entre les artistes émergents et les vedettes de l'industrie musicale. La mise en place du système s’appliquera progressivement à tout le catalogue à partir du 1er octobre 2023.

Fruit d'un partenariat avec Universal Music Group (UMG), ce nouveau modèle de rémunération de la diffusion en continu vise à assurer une distribution plus équitable, centrée sur l'artiste. Toutefois, cette initiative n'a pas manqué de susciter un débat animé au sein de l'industrie musicale.

Universal et Deezer dévoilent leur projet de rémunération streaming centré sur l'artiste

No one likes to talk about money, and this is especially true for artists. However, ignoring the financial side of your music career can have serious consequences. Budgeting for your music is an essential part of the process, yet it is something that is often overlooked.In this article, we will discuss the importance of the music budget and the key things you need to consider before distribution. By taking the time to prepare and budget for your music, you will be setting yourself up for greater success in the long run.<h2></h2><h2>Setting a budget</h2>For independent artists, setting a budget is crucial to gaining greater control over income and expenses. A well-planned budget empowers artists to make informed decisions and adjust spending accordingly. By allocating funds for upcoming music projects, artists can avoid going into debt.It’s important to understand the different expenses involved in the distribution process, as the average cost can be around $1000 or more. With this in mind, artists need to determine how much money they can invest in their music career and ensure they can make a profit from it. Establishing a budget and considering the necessary expenses can help artists ensure their music is of professional quality and has the potential to generate revenue.<h2>5 types of expenses</h2><h3>Recording expenses</h3>Typically cover costs related to studio time and equipment rentals for the recording process. While some independent artists may choose to record their own music, you need to ensure that the quality of the recording meets the standards set by streaming platforms. This can be especially challenging for artists without access to professional-grade equipment or recording spaces. If you want to record your music at home, then the price for one recording rental in the US ranges from $30 to $100 for a 7 days rental.And for the studio with full equipment, you can have the option of renting by hours or days. Normally, it would cost around $50/hour to $200/hour.<h3>Mixing and mastering</h3>Investing in the mixing and mastering of your music is an important step for independent artists. This will help ensure the quality of your song, which is a significant factor in whether the audience will enjoy it. Unless you have extensive knowledge in this field, it is not recommended to do it yourself.When it comes to the cost of mixing and mastering, the average price ranges from $50 to $500 per song.<h3>Distributing and manufacturing</h3><h4>Digital distribution</h4>The cost of distributing a song depends on the music distributor you choose. Some services charge as low as $9 per song, while others offer one-year packages that allow you to distribute as many songs as you want for a price range from $19 to $49, depending on the features included in each package.To explore your options and compare prices, check out our article on the <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/top-4-best-music-distribution-services">Top 4 Music Distribution Services 2023</a>.<h4>Physical distribution</h4>Physical distribution is another distribution option that some services on the market offer for independent artists. CDBaby is one of the popular options that provide both digital and physical distribution. If you are interested in physical distribution, you can check out our article on <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/cdbaby-review-4-things-you-need-to-know-before-distributing">CDBaby Review</a> to know more about their pricing and other features.<h2>Other considerations</h2><ol><li></li></ol><h4>Licensing fees</h4>Licensing your music is the way to make revenue from your intellectual property. However, to be able to get this, you will have to pay for it as well. Normally, the distributors will provide you with this service as well for $20 more.Have a look at our article <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists">A Guide To Music Licensing For Independent Artists</a> to understand more about this.<h4>Merchandise</h4>For artists that want to sell merchandise to the fans, this is another cost that you should take into consideration. The price of this can vary depending on the service you choose.For example, the price to produce a t-shirt can cost anywhere from $5 to $15 per shirt. We suggest having a look at our article on <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/base-x-conflikarts-create-your-own-merchandising">Create Your Own Merchandise</a> for this option.<h3></h3><h2>Promote your music</h2><ol><li></li></ol>Promoting your music is essential in today’s highly competitive music industry. Producing great music alone is not enough to stand out from the crowd and reach a wider audience. Without a solid promotion plan, your music may not generate revenue, making your investment in music a waste. That’s why it is crucial to allocate a budget for promoting your music, just as you would for your production plan. A good promotion plan can help you gain visibility, attract new fans, and ultimately grow your career as an artist. Base For Music is a service to assist artists promote your music after the distribution process. Our flexible pricing structure is beginner-friendly, making it easy to get started. By targeting advertising campaigns across popular streaming platforms such as Spotify, Apple Music, Youtube, TikTok, and more. With Base For Music, you can elevate your music career to the next level and achieve the recognition you deserve.Sign up for your free account with Base For Music now!

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Music Budget: What you need to prepare before distributing?

Personne n'aime parler d'argent, et c'est particulièrement vrai pour les artistes. Pourtant, ignorer l'aspect financier de votre carrière musicale peut avoir de graves conséquences. L'établissement d'un budget pour votre musique est une partie essentielle du processus, mais c'est un aspect qui est souvent négligé. 
Dans cet article, nous discuterons de l'importance du budget musical et des éléments clés à prendre en compte avant la distribution. En prenant le temps de préparer et de budgétiser votre musique, vous vous assurez une meilleure réussite à long terme. <meta charset="utf-8"><lt-highlighter contenteditable="false" class="lt--mac-os" data-lt-linked="1"><lt-div spellcheck="false" class="lt-highlighter__wrapper"><lt-div class="lt-highlighter__scroll-element"></lt-div></lt-div></lt-highlighter><img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/jayzmoney.musicbudget.baseformusic_f3bb1f4f-32c3-4f56-aa03-3d4fc474a8ba.png?v=1691073268" data-image="3hmslwsn88v1">
<h1>Établir un budget </h1>
Pour les artistes indépendants, l'établissement d'un budget est essentiel pour mieux contrôler les revenus et les dépenses. Un budget bien planifié permet aux artistes de prendre des décisions éclairées et d'ajuster leurs dépenses en conséquence. En allouant des fonds aux projets musicaux à venir, les artistes peuvent éviter de s'endetter. 
Il est important de comprendre les différentes dépenses liées au processus de distribution, car le coût moyen peut s'élever à environ 1 000 euros ou plus. Dans cette optique, les artistes doivent déterminer le montant qu'ils peuvent investir dans leur carrière musicale et s'assurer qu'ils pourront en tirer profit. L'établissement d'un budget et la prise en compte des dépenses nécessaires peuvent aider les artistes à s'assurer que leur musique est de qualité professionnelle et qu'elle a le potentiel de générer des revenus.
<h1>5 types de dépenses</h1>
<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/Session-Studio-song-credits-Arti_ef1ce8e1-f2f6-4954-80e1-9a3280ab244c.png?v=1691073253" data-image="frsnclppvt8i"><h2>Dépenses liées à l'enregistrement</h2>
Ils couvrent généralement les coûts liés au temps passé en studio et à la location de matériel pour le processus d'enregistrement. Bien que certains artistes indépendants choisissent d'enregistrer leur propre musique, vous devez vous assurer que la qualité de l'enregistrement répond aux normes fixées par les plateformes de streaming. Cela peut s'avérer particulièrement difficile pour les artistes qui n'ont pas accès à du matériel ou à des espaces d'enregistrement de qualité professionnelle. 
<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/iStock-940463558_770_514_70_s_e76939fe-ec56-46a8-86f4-239f8ae9e1e5.png?v=1691073320" data-image="bouq1fcygvow"><h2>Mixage et mastering</h2>
Investir dans le mixage et le mastering de votre musique est une étape importante pour les artistes indépendants. Cela vous permettra de garantir la qualité de votre chanson, ce qui est un facteur important pour savoir si le public l'appréciera. À moins d'avoir des connaissances approfondies dans ce domaine, il n'est pas recommandé de le faire soi-même. En ce qui concerne le coût du mixage et du mastering, le prix moyen varie entre 50 et 500 euros par chanson. <img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/products/Music-Distribution-Explained.jpeg?v=1678979296" data-image="Music-Distribution-Explained.jpeg"><h2>Distribution et fabrication</h2>
Distribution numérique Le coût de la distribution d'une chanson dépend du distributeur de musique que vous choisissez. Certains services ne facturent que 9 euros par chanson, tandis que d'autres proposent des forfaits d'un an qui vous permettent de distribuer autant de chansons que vous le souhaitez pour un prix allant de 19 à 49 euros, en fonction des fonctionnalités incluses dans chaque forfait. Pour explorer vos options et comparer les prix, consultez <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/top-4-best-music-distribution-services" target="_blank">notre article sur les 4 meilleurs services de distribution de musique en 2023. </a>
Distribution physique La distribution physique est une autre option de distribution que certains services du marché proposent aux artistes indépendants. CDBaby est l'une des options les plus populaires qui offrent à la fois une distribution numérique et physique. Si vous êtes intéressé par la distribution physique, vous pouvez consulter <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/cdbaby-review-4-things-you-need-to-know-before-distributing" target="_blank">notre article sur CDBaby pour en savoir plus sur leurs prix et autres caractéristiques. </a><h2>Autres considérations </h2>
Droits de licence L'octroi de licences pour votre musique est le moyen de tirer des revenus de votre propriété intellectuelle. Pour ce faire, vous devez toutefois payer. Normalement, les distributeurs vous fourniront ce service pour quelques euros de plus. Pour en savoir plus, consultez <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists" target="_blank">notre article intitulé "Guide des licences musicales pour les artistes indépendants".</a> 
Merchandising Pour les artistes qui souhaitent vendre des produits dérivés à leurs fans, il s'agit d'un autre coût à prendre en considération. Le prix de ces produits peut varier en fonction du service que vous choisissez. Par exemple, le prix de production d'un t-shirt peut varier entre 5 et 15 euros par t-shirt. Nous vous conseillons de consulter<a href="https://blog.baseformusic.com/articles/base-x-conflikarts-create-your-own-merchandising" target="_blank"> notre article sur la création de vos propres produits dérivés pour cette option. </a><h2>Promouvoir votre musique</h2>
La promotion de votre musique est essentielle dans l'industrie musicale hautement compétitive d'aujourd'hui. Produire de la bonne musique ne suffit pas pour sortir du lot et atteindre un public plus large. Sans un plan de promotion solide, votre musique risque de ne pas générer de revenus, ce qui réduirait à néant votre investissement dans la musique. C'est pourquoi il est essentiel d'allouer un budget à la promotion de votre musique, tout comme vous le feriez pour votre plan de production. Un bon plan de promotion peut vous aider à gagner en visibilité, à attirer de nouveaux fans et, en fin de compte, à développer votre carrière en tant qu'artiste.
Base For Music est un service destiné à aider les artistes à promouvoir leur musique après le processus de distribution. Notre structure tarifaire flexible est adaptée aux débutants, ce qui facilite le démarrage. En ciblant des campagnes publicitaires sur des plateformes de streaming populaires telles que Spotify, Apple Music, Youtube, TikTok, et plus encore. Avec Base For Music, vous pouvez élever votre carrière musicale à un niveau supérieur et obtenir la reconnaissance que vous méritez.
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Apprenez à budgétiser votre projet musical et à vous préparer efficacement à la distribution grâce à ce guide complet.

Budget musique : Que faut-il préparer avant de distribuer ?

Are you an independent musician looking to monetize your music videos? Whether you're monetizing on YouTube or licensing your videos, we've got you covered with tips and tricks to help you turn your creativity into revenue. Don't miss out on this opportunity to boost your music career as much as your wallet! Before we jump into the details, have a look at which distribution services can support you with music video distribution in our article on the <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/top-4-best-music-distribution-services">top 4 music distribution services in 2023</a>.<h2>Music videos monetization for independent artists</h2>While independent musicians may not earn as much revenue from video streaming on distributing platforms compared to major label artists, you can still potentially generate a significant income. There are several ways to maximize monetization opportunities available on the platform. Hence, It's important for you to explore different avenues and find the methods that work best for your goals and needs.<img style="max-width: 80%; height: auto; margin: auto;display: block;" src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/youtube-5702765_960_720_600x600.png?v=1690971464" alt=""><h2>YouTube monetization</h2>By joining the YouTube Partner Program and monetizing their videos, artists can earn a portion of the advertising revenue generated from the ads displayed on their videos. Reportedly, in 2022, musicians make a minimum of $0.00069 per stream. YouTube Music pays out around $1 per 136 streams, $100 per 13,605 streams, and $1000 per 136,054 streams. But you’ll need Youtube Content ID to monetize your works on the platform.<h3>What is Youtube Content ID?</h3>YouTube Content ID allows owners to identify and manage copyrighted content on YouTube. Whenever a video is uploaded, the Content ID system automatically scans it to see if it matches any of the fingerprints in its database. This helps artists to protect content on the platform by identifying and taking action against unauthorized usage. If you want to do it manually, you can sign up for the Youtube Content ID with the Youtube account that you use to post the music video with. However, most artists would go for an easier way which is using distribution services as an all-in-one third-party package to Youtube Content ID. The Content ID system will automatically generate an asset when they deliver your music to YouTube. You can earn ad revenue from your video, which will be reported and paid out to you quarterly by the distribution service.Particularly, as CD Baby is a flagship member of YouTube's Preferred Distributor Program, and YouTube Content ID is an automated system of TuneCore, they often are the top choices for artists who want to make the most of their music on the platform. Take a closer look at our article of <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/cdbaby-vs-tunecore-whichs-worth-your-money">CDBaby or TuneCore </a>to find out the different features and pricing structures of these two in distributing your music! <h3>What are the types of revenue streams on Youtube?</h3>The amount of money that an artist earns from a music video depends on the number of views, the engagement rate of viewers, and the amount of advertising revenue generated. There are several revenue streams you can explore to monetize your content: Ad revenue: You can earn money from ads that play before, during, or after your videos.Channel memberships: You can offer exclusive perks and benefits to subscribers who pay a monthly fee to become a member of your channel.YouTube Premium: You can earn a portion of the revenue from YouTube Premium subscribers who watch your videos.Brand deals and sponsorships: You can work with brands and companies to create sponsored content or product placements within your videos.<img style="max-width: 80%; height: auto; margin: auto;display: block;" src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/Tiktok.baseformusic_600x600.png?v=1690971537" alt="Tiktok Baseformusic"><h2>TikTok monetization</h2>Similar to YouTube, the revenue generated on TikTok can vary widely. According to reports from top influencers, TikTok pays around $0.02 and $0.04 for every 1,000 views. Success on the platform often depends on the quality and uniqueness of content, the size of audience, and the engagement levels. However, with the right approach, independent musicians can potentially earn a significant income from TikTok. As a popular platform for musicians to showcase their music and gain new fans, TikTok offers different ways of earning revenue from content. To assist you in this, TikTok has a feature that pays creators based on their content's engagement and views, called TikTok Creator Fund<h3>What is TikTok Creator Fund?</h3>This is a special program that helps people who make videos on TikTok earn money for their hard work. The fund is currently only available in selected regions, but it's an opportunity for independent musicians to earn revenue directly from the platform. The more views your videos get, the more money you can make. To be eligible for the Creator Fund, a creator must meet certain criteria, including: having at least 100,000 authentic video views in the last 30 days, being 18 years or older, and consistently posting original content in line with TikTok's community guidelines. Once a creator is approved for the fund, they will receive a payment based on the performance of their content.<h3>What are the types of revenue streams on TikTok?</h3>It's important to note that not all revenue streams may be available to all creators and that the amount of money earned can vary widely based on a number of factors, including the creator's audience size, engagement rate, and the type of content they create. <ul><li>Brand deals: Musicians can also earn revenue from brand deals on TikTok, where you partner with brands to promote their products or services in their content.</li><li>Live streaming gifts: During live streams, viewers can send virtual gifts to creators, which can be converted into real money.</li><li>Donations: TikTok users can donate to their favorite creators through the app, which can provide an additional revenue stream.</li><li>Events and appearances: Successful creators may be invited to attend events or make appearances, which can provide additional income opportunities.</li></ul> It's important to note that not all revenue streams may be available to all creators and that the amount of money earned can vary widely based on a number of factors, including the creator's audience size, engagement rate, and the type of content they create. We highly recommend artists do research on the specific fund and platform to, spend consistent effort and are willing to experiment with different strategies. By following these tips and staying focused on your goals, you can increase your chances of success as an independent artist. <h2>Tips to optimize your music video income</h2>Since music video distribution offers more benefits than just the visual aesthetics, independent artists should explore multiple revenue streams to monetize their music videos effectively. By combining different methods, you can maximize your income and reach a broader audience. In our previous article, we’ve had your back on <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/music-video-distribution">4 steps for a successful music video distribution</a>. Have a look to plan your next releases! Some of our added recommendations are:<h3>Streaming services</h3>Independent artists can monetize content and grow audience by releasing music videos on streaming services like Spotify and Apple Music. These services pay a percentage of the revenue generated by streams and downloads, and also offer ad-supported options for additional revenue. Releasing music videos can also increase your fan engagement and build a larger audience, leading to more streams and revenue over time.<h3></h3><h3>Run Social Ads</h3>Kickstarting successful music video launches is the first step to optimize your distribution income. By running social ads and optimizing your music video income, you can reach a larger audience and generate more revenue as an independent artist. However, as different social media platforms have different audiences and ad formats, it’s important to carefully choose the platform that aligns with your target audience and ad goals. Understanding the difficulties that artists have to face with to stand out in the music industry. Base for Music offers you the helpful hand of a professional music promotion service. Rest assured we’ll assist you in generating sponsored campaigns across social networks such as Facebook, TikTok, Youtube, and Spotify. With a simple dashboard, make sure running the right ads to further boost your music video profit. Sign up for a free account today!

Independent artists have various ways to monetize their music videos. Here are some of the most common methods.

Ways to elevate your music videos monetization revealed

Vous êtes un musicien indépendant et vous cherchez à rentabiliser vos vidéos musicales ? Que vous souhaitiez monétiser vos vidéos sur YouTube ou les vendre sous licence, nous vous proposons des conseils et des astuces pour vous aider à transformer votre créativité en revenus. Ne manquez pas cette occasion de donner un coup de pouce à votre carrière musicale et à votre portefeuille !
Avant d'entrer dans les détails, découvrez les services de distribution qui peuvent vous aider à distribuer vos vidéos musicales dans <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/top-4-best-music-distribution-services" target="_blank">notre article sur les 4 meilleurs services de distribution musicale en 2023</a>.
 
<h1>Monétisation des vidéos musicales pour les artistes indépendants</h1>
Si les musiciens indépendants ne tirent pas autant de revenus de la diffusion de vidéos sur les plateformes de distribution que les artistes des grandes maisons de disques, vous pouvez néanmoins potentiellement générer un revenu important. Il existe plusieurs façons de maximiser les opportunités de monétisation disponibles sur la plateforme. Il est donc important que vous exploriez différentes voies et que vous trouviez les méthodes qui correspondent le mieux à vos objectifs et à vos besoins.<lt-highlighter contenteditable="false" class="lt--mac-os" data-lt-linked="1" style="display: none; z-index: 1 !important;"><lt-div spellcheck="false" class="lt-highlighter__wrapper" style="width: 0px !important; height: 21px !important; transform: none !important; transform-origin: 0px 10.5px !important; zoom: 1 !important; margin-left: -9999px !important;"><lt-div class="lt-highlighter__scroll-element" style="top: 0px !important; left: 0px !important; width: 0px !important; height: 21px !important;"></lt-div></lt-div></lt-highlighter><img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/youtube-5702765_960_720_101b9ae4-baa7-4f7f-9cde-1a72fa1f99e4.png?v=1690971748" data-image="w9l4t0nu4ae4">
<h1>Monétisation sur YouTube</h1>
En rejoignant le programme de partenariat de YouTube et en monétisant leurs vidéos, les artistes peuvent gagner une partie des revenus publicitaires générés par les annonces affichées sur leurs vidéos. Selon les informations disponibles, en 2022, les musiciens gagneront au minimum 0,00069 $ par stream. YouTube Music verse environ 1 dollar pour 136 streams, 100 dollars pour 13 605 streams et 1 000 dollars pour 136 054 streams. Mais vous aurez besoin d'un Youtube Content ID pour monétiser vos œuvres sur la plateforme.
<h2>Qu'est-ce que le Youtube Content ID ?</h2>
YouTube Content ID permet aux propriétaires d'identifier et de gérer les contenus protégés par le droit d'auteur sur YouTube. Chaque fois qu'une vidéo est téléchargée, le système Content ID l'analyse automatiquement pour vérifier si elle correspond à l'une des empreintes digitales contenues dans sa base de données. Les artistes peuvent ainsi protéger leur contenu sur la plateforme en identifiant les utilisations non autorisées et en prenant les mesures qui s'imposent. Si vous voulez le faire manuellement, vous pouvez vous inscrire au Youtube Content ID avec le compte Youtube que vous utilisez pour publier la vidéo musicale. Toutefois, la plupart des artistes optent pour un moyen plus simple, à savoir l'utilisation de services de distribution en tant que solution tierce tout-en-un pour l'identification de contenu sur Youtube. Le système Content ID génère automatiquement un actif lorsqu'il diffuse votre musique sur YouTube. Vous pouvez tirer des revenus publicitaires de votre vidéo, qui vous seront communiqués et versés trimestriellement par le service de distribution.
En particulier, comme CD Baby est un membre phare du Programme de Distributeur Préférentiel de YouTube, et que YouTube Content ID est un système automatisé de TuneCore, ils sont souvent les premiers choix pour les artistes qui veulent tirer le meilleur parti de leur musique sur la plateforme. Jetez un coup d'œil à <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/cdbaby-vs-tunecore-whichs-worth-your-money" target="_blank">notre article sur CDBaby ou TuneCore</a> pour découvrir les différentes caractéristiques et structures de prix de ces deux plateformes pour la distribution de votre musique !
<h2> Quels sont les types de revenus sur Youtube ?</h2>
La somme d'argent qu'un artiste gagne grâce à un clip musical dépend du nombre de vues, du taux d'engagement des spectateurs et du montant des revenus publicitaires générés. Il existe plusieurs sources de revenus que vous pouvez explorer pour monétiser votre contenu :
Revenus publicitaires : Vous pouvez gagner de l'argent grâce aux publicités diffusées avant, pendant ou après vos vidéos. Adhésion à une chaîne : Vous pouvez offrir des avantages exclusifs aux abonnés qui paient une redevance mensuelle pour devenir membres de votre chaîne. YouTube Premium : vous pouvez percevoir une partie des revenus des abonnés YouTube Premium qui regardent vos vidéos. Contrats avec des marques et parrainages : Vous pouvez travailler avec des marques et des entreprises pour créer du contenu sponsorisé ou des placements de produits dans vos vidéos. 
<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/Tiktok.baseformusic_08e97063-87cc-4067-8ddc-0e790cb3b370.png?v=1690971765" data-image="469st8sidbxk">
<h1>Monétisation sur TikTok</h1>
Comme sur YouTube, les revenus générés sur TikTok peuvent varier considérablement. Selon les rapports des principaux influenceurs, TikTok paie entre 0,02 $ et 0,04 $ pour chaque tranche de 1 000 vues. Le succès sur la plateforme dépend souvent de la qualité et du caractère unique du contenu, de la taille de l'audience et des niveaux d'engagement. Toutefois, en adoptant la bonne approche, les musiciens indépendants peuvent potentiellement gagner un revenu important grâce à TikTok.
En tant que plateforme populaire permettant aux musiciens de présenter leur musique et de gagner de nouveaux fans, TikTok offre différentes façons de gagner de l'argent grâce au contenu. Pour vous y aider, TikTok propose une fonctionnalité qui rémunère les créateurs en fonction de l'engagement et des vues de leur contenu, appelée Fonds TikTok pour les créateurs.
<h2>Qu'est-ce que le TikTok Creator Fund ?</h2>
Il s'agit d'un programme spécial qui aide les personnes qui créent des vidéos sur TikTok à gagner de l'argent pour leur travail. Le fonds n'est actuellement disponible que dans certaines régions, mais c'est une opportunité pour les musiciens indépendants de gagner de l'argent directement sur la plateforme. Plus vos vidéos sont vues, plus vous pouvez gagner d'argent.
Pour être éligible au Fonds des créateurs, un créateur doit répondre à certains critères, notamment : avoir au moins 100 000 vues de vidéos authentiques au cours des 30 derniers jours, être âgé de 18 ans ou plus, et publier régulièrement du contenu original conforme aux lignes directrices de la communauté TikTok. Une fois qu'un créateur est approuvé pour le fonds, il recevra un paiement basé sur la performance de son contenu.
<h2>Quels sont les types de sources de revenus sur TikTok ?</h2>
Il est important de noter que tous les flux de revenus ne sont pas forcément accessibles à tous les créateurs et que le montant gagné peut varier considérablement en fonction d'un certain nombre de facteurs, notamment la taille de l'audience du créateur, son taux d'engagement et le type de contenu qu'il crée. - Contrats de marque : Les musiciens peuvent également gagner de l'argent grâce à des accords de marque sur TikTok, dans le cadre desquels ils s'associent à des marques pour promouvoir leurs produits ou services dans leur contenu. - Cadeaux en direct : Pendant les diffusions en direct, les spectateurs peuvent envoyer des cadeaux virtuels aux créateurs, qui peuvent être convertis en argent réel. - Dons : Les utilisateurs de TikTok peuvent faire des dons à leurs créateurs préférés par l'intermédiaire de l'application, ce qui peut constituer une source de revenus supplémentaire. - Événements et apparitions : Les créateurs à succès peuvent être invités à participer à des événements ou à faire des apparitions, ce qui peut constituer une source de revenus supplémentaire.
Il est important de noter que tous les revenus ne sont pas forcément disponibles pour tous les créateurs et que le montant gagné peut varier considérablement en fonction d'un certain nombre de facteurs, notamment la taille de l'audience du créateur, son taux d'engagement et le type de contenu qu'il crée. Nous recommandons vivement aux artistes de faire des recherches sur le fonds et la plateforme concernés, de déployer des efforts constants et d'être prêts à expérimenter différentes stratégies. En suivant ces conseils et en restant concentré sur vos objectifs, vous pouvez augmenter vos chances de réussite en tant qu'artiste indépendant.
<h2> Conseils pour optimiser les revenus tirés des vidéoclips</h2>
Étant donné que la distribution de vidéoclips offre plus d'avantages que la simple esthétique visuelle, les artistes indépendants devraient explorer plusieurs sources de revenus pour monétiser leurs vidéoclips de manière efficace. En combinant différentes méthodes, vous pouvez maximiser vos revenus et atteindre un public plus large.
Dans notre précédent article, nous vous avons présenté <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/music-video-distribution" target="_blank">les 4 étapes d'une distribution réussie de vidéos musicales</a>. Jetez-y un coup d'œil pour planifier vos prochaines sorties ! Voici quelques-unes de nos recommandations supplémentaires : <img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/streamingservices_7e5a18bd-68e9-4e4a-8b3a-2dded5059f32.png?v=1690971780" data-image="wrcesxzw9jev">
<h3>Services de streaming</h3>
Les artistes indépendants peuvent monétiser leur contenu et élargir leur audience en diffusant des vidéos musicales sur des services de streaming tels que Spotify et Apple Music. Ces services versent un pourcentage des revenus générés par les streams et les téléchargements, et proposent également des options de soutien publicitaire pour des revenus supplémentaires. La diffusion de vidéos musicales permet également d'accroître l'engagement des fans et d'élargir l'audience, ce qui se traduit par une augmentation des streams et des revenus au fil du temps.
<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/BASE_FOR_MUSIC-RED-T_3_7d01f6bd-bbc7-431c-87e7-d687cf5f01b7.png?v=1690971801" data-image="x5nh8zzcewpe">
<h3>Lancer des publicités sociales</h3>
Le lancement de vidéos musicales réussies est la première étape pour optimiser vos revenus de distribution. En diffusant des publicités sur les réseaux sociaux et en optimisant les revenus de vos vidéos musicales, vous pouvez atteindre un public plus large et générer davantage de revenus en tant qu'artiste indépendant. Cependant, comme les plateformes de réseaux sociaux ont des publics et des formats publicitaires différents, il est important de choisir avec soin la plateforme qui correspond à votre public cible et à vos objectifs publicitaires. Comprendre les difficultés auxquelles les artistes doivent faire face pour se démarquer dans l'industrie de la musique. Base for Music vous offre l'aide d'un service professionnel de promotion de la musique. Soyez assuré que nous vous aiderons à générer des campagnes sponsorisées sur les réseaux sociaux tels que Facebook, TikTok, Youtube et Spotify. Avec un simple tableau de bord, assurez-vous de diffuser les bonnes publicités pour augmenter les bénéfices de vos vidéos musicales. Ouvrez un compte gratuitement dès aujourd'hui !

Les artistes indépendants disposent de plusieurs moyens pour monétiser leurs vidéos musicales. Voici quelques-unes des méthodes les plus courantes.

Comment améliorer la monétisation de vos vidéos musicales ?

Digitalization has led to an increase in music piracy, with many consumers illegally downloading and sharing music online. This can significantly reduce the revenue musicians earn from sales, making it even harder to invest in their creative efforts. Read on this article to be informed about the differences between licensing vs. copyrights. For an independent artist, they would essentially be inseparable to protect your music from any threats of being used without your permission. In addition, if you're looking for an effective music distribution to leverage your music career, check out <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/top-4-best-music-distribution-services">the top 4 best music distributions of 2023</a> as we dived deeper into pros and cons of each, including legal considerations.<h1>Why is this important?</h1>When a piece of music is released, the artist automatically owns the copyright to that work. In other words, music copyright designates legal ownership of your song. However, the internet age has allowed musicians’ releases to be copied, shared, and used illegally. This is often blamed by the mismatch between usage information collected and the creative work of its rights owners. Problems arise as the artist excludes rights to redistribute and reproduce, or licensing rights that disable the copyright holder to earn royalties. Understanding about copyright and licensing in music distribution ensures that artists are fairly rewarded for their talent and work, both legally and financially.<h1>What are the key differences?</h1>In short, licensing is used to “lend” others your song, but the intellectual property of the song itself stays with the copyright owner - that is, you. <ul><li>Copyrights (or Author’s Rights) is the right to the intellectual property of a work.</li><li>Music licensing is the licensed use of copyrighted music for public performance. A license must be obtained from the songwriter or publisher each time a recording of the composition is played as part of a broadcast.</li></ul> You can think of it in terms of a house, if you want, the copyright is like the "deed" to a house. It says you own the house. If you want, you can rent the house out to someone, and that rental agreement is the 'license'.<h2></h2><h2>How can you sign up with copyright and licensing?</h2><h2>Copyrights</h2>With artists targeting the US market: although your work is protected by copyright from the moment it is fixed, you can (and should) register your work with the U.S. Copyright Office for additional benefits, including access to federal courts in case of infringement. Registering your work also makes a public record of ownership.Here are the costs that you would want to know from the US Copyright Office: Electronic filing:Single author, same claimant, one work, not for hire* $45Standard Application $65Paper Filing: $125* While a work for hire is created in the scope of employment, registering a work with the Copyright Office involves asserting your own ownership over the work. Besides that, to protect your music from being streamed and downloaded illegally, you will need those 3 require licenses:<ul><li>Mechanical rights: the right to record, manufacture and distribute another copyright holder’s musical work or sheet music</li><li>Performing rights: an important aspect of music copyright that enables music creators and publishers to earn compensation for their work when it is publicly performed.</li></ul>This means whenever a song is played or performed in public (radio, concert, streaming platforms), you are entitled to receive royalties for the use of your work.<ul><li>Synchronization rights: are agreements for the use of music in audiovisual projects. Licensing music for sync can be a great way for independent artists to earn money and gain exposure for their music.</li></ul> If you are targeting non-US markets: Our article 3 Things Every Independent Artists Need To Know About International Music Distribution will prepare you well with additional step-by-steps.<h2>Licensing</h2>While the initial copyright is created as soon as the musical work is fixed, extra steps are needed to ensure that the copyright is actually enforced. For most music included in mainstream broadcast programming, a license must be obtained and license fees must be paid. In this article, we’ll keep it concise about the licensing process. But if you’d like to go into the details, we have included an<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists"> article when we answered the most F.A.Q.s about Music Licensing For Independent Artists</a>. Often enough, major music publishers gate-keep and overcomplicate music licensing to sustain their profits. Hence, realistically there are only two options to license your music: <ul><li>Get signed to a record label. As the label will provide a music supervisor that takes care of you from A to Z, they have someone that helps you with the legal side.</li><li>Find music distribution service that offers music licensing inclusively for artists. For example: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/cdbaby-review-4-things-you-need-to-know-before-distributing">CDBaby guarantees to assist artists in getting licenses</a> and monetizing your song on streaming platforms</li></ul> <h1>How to protect yourself?</h1><h2>Understand Digital Rights Management</h2>For an independent artist, Digital Rights Management (DRM) is an important tool to ensure that your creative works are only accessed and used by those who have the right to do so. It is used to protect and control access to digital content such as software, music, videos, and documents. The system specifies who can access the content, how it can be used, and under what conditions. For example, a music file can only be played on a specific device or with a specific media player.<h2>Review the contract with your music distributor</h2> Independent artists should review contracts to ensure that you understand the terms and conditions of the chosen music distribution agreement you are entering into and what are the rights they can help you gain <h2>Comply with platforms guidelines</h2>This ensures that your music sticks to its content and format requirements to minimize the risks of copyright violation. Understanding how artists are paid will assist you in making the right decisions for your music releases and promotions. To find out what to prepare in terms of paperwork and legal processes before jumping into the music distribution market, visit our past article <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists">A Guide To Music Licensing For Independent Artists</a>. Finally, if you are here looking to take your music career to the next level, try Base for Music. With our experience in promoting music for artists, we can help you get your music heard by simplifying the process of running ads and generating sponsored campaigns across popular social networks like Spotify, Youtube, TikTok... Don't miss out on this opportunity, sign up for Base for Music - your ultimate music promotion service - now and let's make magic together!

What is the difference between music license vs. copyrights and do they serve the same purpose? Learn about it now!


License vs. Copyrights in music distribution for independent artists

La numérisation a entraîné une augmentation du piratage de la musique, de nombreux consommateurs téléchargeant et partageant illégalement de la musique en ligne. Cela peut réduire considérablement les revenus que les musiciens tirent des ventes, ce qui rend encore plus difficile l'investissement dans leurs efforts créatifs.
Lisez cet article pour connaître les différences entre les licences et les droits d'auteur. Pour un artiste indépendant, ces deux types de droits sont indissociables afin de protéger votre musique contre toute menace d'utilisation sans votre autorisation. 
En outre, si vous êtes à la recherche d'une distribution musicale efficace pour tirer parti de votre carrière musicale, consultez le <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/top-4-best-music-distribution-services" target="_blank">top 4 des meilleures distributions musicales de 2023</a>, car nous avons approfondi les avantages et les inconvénients de chacune d'entre elles, y compris les considérations juridiques.<h1>Pourquoi est-ce important ?</h1>
Lorsqu'un morceau de musique est publié, l'artiste détient automatiquement le droit d'auteur sur cette œuvre. En d'autres termes, le droit d'auteur désigne la propriété légale de votre chanson. Toutefois, à l'ère de l'internet, les œuvres des musiciens peuvent être copiées, partagées et utilisées illégalement. Cette situation est souvent imputable à l'inadéquation entre les informations d'utilisation collectées et le travail créatif des titulaires de droits. Les problèmes surviennent lorsque l'artiste exclut les droits de redistribution et de reproduction ou les droits de licence qui empêchent le détenteur des droits d'auteur de percevoir des redevances. Comprendre les droits d'auteur et les licences dans la distribution de la musique permet de s'assurer que les artistes sont équitablement récompensés pour leur talent et leur travail, tant sur le plan juridique que financier.<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/actu-122185-nouvel-accord-sacd-a.png?v=1684769293" data-image="actu-122185-nouvel-accord-sacd-a.png"><h1>Quelles sont les principales différences ?</h1>
En bref, l'octroi de licences permet de "prêter" votre chanson à d'autres personnes, mais la propriété intellectuelle de la chanson elle-même reste entre les mains du titulaire des droits d'auteur, c'est-à-dire vous. - Le droit d'auteur (ou copyright) est le droit à la propriété intellectuelle d'une œuvre. - La licence musicale est l'utilisation sous licence de musique protégée par des droits d'auteur en vue d'une exécution publique. Une licence doit être obtenue auprès de l'auteur-compositeur ou de l'éditeur chaque fois qu'un enregistrement de la composition est diffusé dans le cadre d'une émission. Le droit d'auteur est comme l'acte de propriété d'une maison. Il indique que vous êtes propriétaire de la maison. Si vous le souhaitez, vous pouvez louer la maison à quelqu'un, et ce contrat de location est la "licence".<lt-highlighter contenteditable="false" class="lt--mac-os" data-lt-linked="1" style="display: none; z-index: 1 !important;"><lt-div spellcheck="false" class="lt-highlighter__wrapper" style="width: 0px !important; height: 21px !important; transform: none !important; transform-origin: 0px 10.5px !important; zoom: 1 !important; margin-left: -9999px !important;"><lt-div class="lt-highlighter__scroll-element" style="top: 0px !important; left: 0px !important; width: 0px !important; height: 21px !important;"></lt-div></lt-div></lt-highlighter><img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/products/prsascapsacem.jpeg?v=1652711435" data-image="prsascapsacem.jpeg"><h2>Comment s'inscrire dans le cadre des droits d'auteur et des licences ?</h2><h3>Droits d'auteur</h3>
Pour les artistes ciblant le marché américain : bien que votre œuvre soit protégée par le droit d'auteur dès qu'elle est fixée, vous pouvez (et devez) l'enregistrer auprès de l'U.S. Copyright Office pour bénéficier d'avantages supplémentaires, notamment l'accès aux tribunaux fédéraux en cas d'infraction. L'enregistrement de votre œuvre constitue également une preuve publique de sa propriété.
Voici les coûts que vous souhaitez connaître auprès de l'Office américain du droit d'auteur : Dépôt électronique : - Un seul auteur, un seul demandeur, une seule œuvre, pas pour le compte d'autrui* 45 $ - Demande standard : 65 $ - Dépôt sur papier : 125 $ * Alors qu'un travail pour le compte d'autrui est créé dans le cadre d'un emploi, l'enregistrement d'une œuvre auprès de l'Office du droit d'auteur implique l'affirmation de votre propre propriété sur l'œuvre.
En outre, pour protéger votre musique de la diffusion en continu et du téléchargement illégal, vous aurez besoin de ces trois licences :
- Droits mécaniques : le droit d'enregistrer, de fabriquer et de distribuer l'œuvre musicale ou la partition d'un autre détenteur de droits d'auteur. - Droits d'exécution : un aspect important du droit d'auteur musical qui permet aux créateurs et aux éditeurs de musique de percevoir une rémunération pour leur œuvre lorsqu'elle est exécutée en public. Cela signifie que chaque fois qu'une chanson est jouée ou interprétée en public (radio, concert, plateformes de diffusion en continu), vous avez le droit de recevoir des redevances pour l'utilisation de votre œuvre. - Droits de synchronisation : il s'agit d'accords portant sur l'utilisation de musique dans des projets audiovisuels. L'octroi de licences de synchronisation peut être un excellent moyen pour les artistes indépendants de gagner de l'argent et de faire connaître leur musique.
Si vous visez des marchés non américains : Notre article "<a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/international-music-distribution" target="_blank">3 choses que tous les artistes indépendants doivent savoir sur la distribution internationale de musique</a>" vous préparera bien avec des étapes supplémentaires.<h3>Octroi de licences</h3>
Bien que le droit d'auteur initial soit créé dès que l'œuvre musicale est fixée, des étapes supplémentaires sont nécessaires pour s'assurer que le droit d'auteur est effectivement appliqué. Pour la plupart des musiques incluses dans les programmes de radiodiffusion grand public, une licence doit être obtenue et des droits de licence doivent être payés. Dans cet article, nous nous en tiendrons à une description concise de la procédure d'octroi de licence. Mais si vous souhaitez entrer dans les détails, nous avons inclus <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists" target="_blank">un article dans lequel nous avons répondu à la plupart des F.A.Q. sur les licences musicales pour les artistes indépendants</a>. Souvent, les grands éditeurs de musique contrôlent et compliquent à l'excès l'octroi des licences musicales afin de maintenir leurs profits. Par conséquent, il n'y a en réalité que deux options pour obtenir une licence pour votre musique : - Signer un contrat avec une maison de disques. Le label vous fournira un superviseur musical qui s'occupera de vous de A à Z, ainsi qu'une personne qui vous aidera sur le plan juridique. - Trouver un service de distribution de musique qui offre des licences musicales aux artistes. Par exemple : <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/cdbaby-review-4-things-you-need-to-know-before-distributing" target="_blank">CDBaby garantit d'aider les artistes à obtenir des licences</a> et à monétiser leur chanson sur les plateformes de diffusion en continu.<h1>Comment se protéger ?</h1>
<h2>Comprendre la gestion des droits numériques</h2>
Pour un artiste indépendant, la gestion des droits numériques (DRM) est un outil important pour s'assurer que ses œuvres créatives ne sont accessibles et utilisées que par ceux qui en ont le droit. Elle est utilisée pour protéger et contrôler l'accès aux contenus numériques tels que les logiciels, la musique, les vidéos et les documents. Le système spécifie qui peut accéder au contenu, comment il peut être utilisé et dans quelles conditions. Par exemple, un fichier musical ne peut être lu que sur un appareil spécifique ou avec un lecteur multimédia spécifique.
 <img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/products/b61658b918a7954d23c004fdc03a58b3.jpeg?v=1651135698" data-image="b61658b918a7954d23c004fdc03a58b3.jpeg"><h2>Examinez le contrat avec votre distributeur de musique</h2>
Les artistes indépendants doivent examiner les contrats pour s'assurer qu'ils comprennent les termes et conditions de l'accord de distribution de musique qu'ils ont choisi de conclure et quels sont les droits qu'ils peuvent vous aider à obtenir
Respecter les lignes directrices des plateformes Cela permet de s'assurer que votre musique respecte les exigences en matière de contenu et de format afin de minimiser les risques de violation des droits d'auteur. Comprendre comment les artistes sont payés vous aidera à prendre les bonnes décisions pour vos sorties musicales et vos promotions. Pour savoir ce qu'il faut préparer en termes de paperasserie et de procédures juridiques avant de se lancer sur le marché de la distribution musicale, consultez notre article précédent intitulé "<a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists" target="_blank">Guide des licences musicales pour les artistes indépendants</a>". Enfin, si vous cherchez à faire passer votre carrière musicale au niveau supérieur, essayez Base for Music. Grâce à notre expérience dans la promotion de la musique pour les artistes, nous pouvons vous aider à faire entendre votre musique en simplifiant le processus de diffusion de publicités et de génération de campagnes sponsorisées sur les réseaux sociaux populaires tels que Spotify, Youtube, TikTok... Ne manquez pas cette opportunité, inscrivez-vous dès maintenant à Base for Music - votre service ultime de promotion musicale - et faisons de la magie ensemble !

Quelle est la différence entre les licences musicales et les droits d'auteur ? Découvrez-le maintenant !

Licence vs droits d'auteur, dans la distribution de musique pour les artistes indépendants

As you gradually fine-tune your professional self to become a bigger artist, your music presence should also expand its territory and popularity. Read on to find out how to best prepare yourself before jumping into the global market. If you’re also on the hunt for an effective music distribution to leverage your music career internationally, check out our extensive review of <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/top-5-best-music-distribution-services">the top 4 best music distributions of 2023</a>.<img style="max-width: 80%; height: auto; margin: auto;display: block;" src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/chart-5_150d751f-5e90-4aa4-a3ef-eda1ef5845aa_600x600.png?v=1684769952" alt="music market distribution by country"><h2>Why does your music need to go global?</h2><h3>Increase distribution coverage</h3>To some extent, based on your targeted genre, style, and location, your current musical efforts can be limited to only being featured in local areas. To combat this and maximize coverage, you want to get your music out there and explore global opportunities. In today’s age, digital distribution has made the fragmented music market easier for independent artists to make their music available at every possible place in the world with passionate listeners.For instance, the fact that Spotify is available in 184 markets can suggest global distribution is the way to go for experienced artists who want to expand their fanbase. There are no longer difficulties in distributing globally thanks to the advancement of digital distribution so why miss the chance to hit bigger?<h3>Expand the market and potential for your music</h3>Listeners have become more receptive to and engaged with international music, all thanks to the mass success of recent KPop and Latino artists like BTS, Black Pink, Luis Fonsi, and Becky G,... 2022 has become the biggest year ever for Kpop artists, as seen by numerous charting records that topped Billboard 100 and Billboard 200. These icebreakers for foreign listeners show a good sign that your featured activities can satisfy a huge demand for the popularity of cross-border streams and different varieties of international music.<h2>What are the legal concerns in each region?</h2>Every country has its own music industry and its own copyright system. If you’re on the lookout for joining the international music business, finding out how music licenses and copyright work on a global basis and some key differences with the US is crucial. Failing to adhere to legal guidelines puts you at risk of copyright violation, and may lead to the worst-case scenario - people stealing your music.<h3>Music License vs Copyrights: The Differences</h3>A music license is a “lending license” for others to use your song for a particular period in exchange for a fee. On the other hand, copyrights are for the recording and lyrics themselves. So, you can use licensing to “lend” the song, but the intellectual property of the song itself stays with the copyright owner - that is, you.<h4>Licensing</h4>Digitalization has put creative endeavors at critical risk, which means your releases can be copied, shared, and used illegally. This explains why permission is essentially needed from relevant copyright holders to play or perform music. Besides protecting legal rights, it ensures that the people who create music are fairly rewarded for their talent and work. The music industry has set up separate collecting societies in each country. Traditionally, music-makers joined their local societies. And those societies only issued licenses in their home countries. As a musician and copyright owner, you have 2 choices. You can either join a society in your targeted market and only allow it to represent your rights in the according home country; or join your local society and give it global rights, allowing affiliated societies to license your music via reciprocal agreements. Most music-makers initially go with the latter approach. Visit our previous<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists"> article when we answered the most F.A.Q.s about Music Licensing For Independent Artists</a>. <h4>Copyrights</h4>There are different types of royalties depending on the type of license obtained. However, if you’re an independent artist, you own and keep the intellectual property of your original music. To get full protection under US copyright law, you need to register your songs and recordings with the US Copyright Office in Washington. In the US, there are several collecting societies that can simplify the process of representing your rights in songs. If you are targeting the American market, you will have to decide which society to join.Similarly, if you are targeting other countries, make sure to do your research thoroughly to understand what copyrights policies and registrations to expect before going on board. For example, under the UK setting, there would be a collective society affiliated with a US-based society that will represent their members’ music rights globally. All you have to do is to decide which partnered society you will allow to license your music in the US.<h2>How to boost your music delivery on a global scale?</h2>Understanding how artists are paid according to their copyrights is important. Being aware of the process assists you in making the right decisions for your music releases and promotions. When working with music distribution platforms, a core role of them as your music distributor is allocating the royalties due back to you - the rights owners. However, this doesn’t come naturally. Below are 2 tips to maximize the gains of your global distribution efforts.<h3>Picking the right distribution platform</h3>Firstly, to get your desired distribution push, you need to pick the most suitable distribution platform for independent artists. There are many factors to consider for choosing the best music distributor for your needs. To help you decide which criteria you should take note of when doing your research, check out <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/how-to-pick-the-best-music-distributor-for-artists">our comprehensive guide to choose the right one</a>.<h3>Planning your releases ahead</h3>Secondly, artists cannot simply distribute and expect overnight success, instead, plan wisely. We highly recommend strategizing your music distribution and fee structure with distribution platforms to boost its presence on a global scale. This includes: added targeting physical distribution; setting up pre-sales and pre-saves; getting songs into sync licensing catalog for pre-licensed options; and editorial pitches to music supervisors. These aim to help you raise awareness of your releases to potential listeners and widen your existing engagement. To expand and compete in the global music market, you should pay attention to the ever-changing nature of the industry. It is advisable to work with professional services that can provide you with expertise and support in crafting a music promotion plan before every release. With this in mind, Base for Music is your trusted companion in offering a simple yet effective solution to help promote your music effortlessly. With our constantly updated details about the most updated independent music promotion practices, boosting your release visibility to the right audience at the right time can’t be easier. Sign up for a free account and start generating your ad campaigns on popular advertising platforms (Spotify Ads, Facebook Ads, TikTok Ads, Youtube Ads, etc) through a few simple steps to make your tracks available across universal popular advertising platforms like Spotify, Facebook, TikTok, and Youtube.

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3 things every artist need to know about International Music Distribution

Au fur et à mesure que vous affinez votre personnalité professionnelle pour devenir un artiste plus important, votre présence musicale doit également étendre son territoire et sa popularité. Lisez la suite pour savoir comment vous préparer au mieux avant de vous lancer sur le marché mondial. 
Si vous êtes également à la recherche d'une distribution musicale efficace pour tirer parti de votre carrière musicale à l'échelle internationale, <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/top-4-best-music-distribution-services" target="_blank">consultez notre examen approfondi des 4 meilleures distributions musicales de 2023</a>. 
<h1>Pourquoi votre musique doit-elle être diffusée à l'échelle mondiale ?</h1>
<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/chart-5_00e332e6-4edd-4724-8189-079f94020408.png?v=1684769214" data-image="1swiocp08qw7"><h2>Augmenter la couverture de la distribution</h2>
Dans une certaine mesure, en fonction du genre, du style et de l'emplacement que vous ciblez, vos efforts musicaux actuels peuvent être limités à n'être présentés que dans des zones locales. Pour remédier à cette situation et maximiser la couverture, vous devez diffuser votre musique et explorer les opportunités mondiales.
Aujourd'hui, la distribution numérique a rendu le marché fragmenté de la musique plus facile pour les artistes indépendants, qui peuvent ainsi rendre leur musique disponible partout dans le monde auprès d'auditeurs passionnés. Par exemple, le fait que Spotify soit disponible dans 184 marchés peut suggérer que la distribution mondiale est la voie à suivre pour les artistes expérimentés qui veulent élargir leur base de fans. Grâce aux progrès de la distribution numérique, il n'y a plus de difficultés à distribuer à l'échelle mondiale, alors pourquoi rater l'occasion de frapper plus fort ?<h2>Élargir votre marché et le potentiel de votre musique</h2>
Les auditeurs sont devenus plus réceptifs à la musique internationale et s'y intéressent davantage, grâce au succès massif des récents artistes KPop et latinos tels que BTS, Black Pink, Luis Fonsi et Becky G,... 2022 est devenue l'année la plus importante pour les artistes de Kpop, comme en témoignent les nombreux records qui se sont classés en tête du Billboard 100 et du Billboard 200. Ces brise-glace pour les auditeurs étrangers sont un bon signe que vos activités peuvent répondre à une énorme demande de popularité des flux transfrontaliers et de différentes variétés de musique internationale.<h1>Quelles sont les questions juridiques qui se posent dans chaque région ?</h1><img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/actu-122185-nouvel-accord-sacd-a.png?v=1684769293" data-image="qx7d18233192">
Chaque pays possède sa propre industrie musicale et son propre système de droits d'auteur. Si vous souhaitez rejoindre le secteur international de la musique, il est essentiel de savoir comment fonctionnent les licences musicales et les droits d'auteur à l'échelle mondiale et quelles sont les principales différences avec les États-Unis. Si vous ne respectez pas les directives légales, vous risquez d'être victime d'une violation des droits d'auteur et, dans le pire des cas, de vous faire voler votre musique.<h2>Licence musicale et droits d'auteur : Les différences</h2>
Une licence musicale est une "autorisation de prêt" permettant à d'autres d'utiliser votre chanson pendant une période donnée en échange d'une rémunération. En revanche, les droits d'auteur concernent l'enregistrement et les paroles elles-mêmes. Vous pouvez donc utiliser la licence pour "prêter" la chanson, mais la propriété intellectuelle de la chanson elle-même reste entre les mains du détenteur du droit d'auteur, c'est-à-dire vous.<h2>L'octroi de licences</h2>
La numérisation a mis en péril les activités créatives, ce qui signifie que vos œuvres peuvent être copiées, partagées et utilisées illégalement. C'est pourquoi il est indispensable d'obtenir l'autorisation des titulaires de droits d'auteur concernés pour jouer ou interpréter de la musique. Outre la protection des droits légaux, cette autorisation garantit que les créateurs de musique sont équitablement récompensés pour leur talent et leur travail.
L'industrie musicale a créé des sociétés de gestion collective distinctes dans chaque pays. Traditionnellement, les compositeurs adhéraient à leur société locale. Et ces sociétés ne délivraient des licences que dans leur pays d'origine. En tant que musicien et titulaire de droits d'auteur, vous avez deux possibilités. Vous pouvez soit adhérer à une société sur le marché que vous visez et l'autoriser à représenter vos droits uniquement dans le pays d'origine concerné, soit adhérer à votre société locale et lui accorder des droits mondiaux, permettant aux sociétés affiliées d'octroyer des licences pour votre musique par le biais d'accords réciproques. La plupart des musiciens optent initialement pour cette dernière approche. Consultez <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists" target="_blank">notre article précédent dans lequel nous avons répondu à la plupart des questions fréquemment posées sur les licences musicales pour les artistes indépendants.</a><h2>Droits d'auteur</h2>
Il existe différents types de redevances en fonction du type de licence obtenue. Toutefois, si vous êtes un artiste indépendant, vous possédez et conservez la propriété intellectuelle de votre musique originale. Pour bénéficier d'une protection totale en vertu de la loi américaine sur les droits d'auteur, vous devez enregistrer vos chansons et enregistrements auprès de l'Office américain des droits d'auteur (US Copyright Office) à Washington. Aux États-Unis, il existe plusieurs sociétés de gestion collective qui peuvent simplifier le processus de représentation de vos droits sur les chansons. Si vous visez le marché américain, vous devrez décider à quelle société adhérer. De même, si vous visez d'autres pays, assurez-vous de faire des recherches approfondies pour comprendre les politiques de droits d'auteur et les enregistrements auxquels vous devez vous attendre avant de vous lancer. Au Royaume-Uni, par exemple, une société de gestion collective affiliée à une société basée aux États-Unis représentera les droits musicaux de ses membres à l'échelle mondiale. Tout ce que vous avez à faire, c'est de décider quelle société partenaire vous autoriserez à concéder des licences pour votre musique aux États-Unis.<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/music-promotion-services.png?v=1684769914" data-image="nzdkjb03b17j"><h1>Comment stimuler la diffusion de votre musique à l'échelle mondiale ?</h1>
Il est important de comprendre comment les artistes sont payés en fonction de leurs droits d'auteur. Connaître le processus vous aide à prendre les bonnes décisions pour vos sorties musicales et vos promotions. Lorsque vous travaillez avec des plateformes de distribution de musique, l'un de leurs rôles essentiels en tant que distributeur de musique est de vous attribuer les redevances dues, à vous, les détenteurs des droits. Cependant, cela ne va pas de soi. Vous trouverez ci-dessous deux conseils pour maximiser les gains de vos efforts de distribution globale.<h2>Choisir la bonne plateforme de distribution</h2>
Tout d'abord, pour obtenir la distribution souhaitée, vous devez choisir la plateforme de distribution la plus appropriée pour les artistes indépendants. Il existe de nombreux facteurs à prendre en compte pour choisir le meilleur distributeur de musique pour vos besoins. Pour vous aider à déterminer les critères à prendre en compte lors de vos recherches,<a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/how-to-pick-the-best-music-distributor-for-artists" target="_blank"> consultez notre guide complet pour choisir le bon.</a><h2>Planifier vos sorties à l'avance</h2>
Deuxièmement, les artistes ne peuvent pas se contenter de distribuer leur musique et s'attendre à un succès immédiat. Nous vous recommandons vivement d'élaborer une stratégie de distribution de votre musique et une structure tarifaire avec les plateformes de distribution afin de renforcer sa présence à l'échelle mondiale. Cela comprend : le ciblage de la distribution physique, la mise en place de préventes et de sauvegardes, l'intégration des chansons dans le catalogue des licences de synchronisation pour les options de pré-licence, et les présentations éditoriales aux superviseurs musicaux. L'objectif est de vous aider à sensibiliser les auditeurs potentiels à vos sorties et à élargir votre engagement actuel.
Pour vous développer et être compétitif sur le marché mondial de la musique, vous devez tenir compte de la nature changeante de l'industrie. Il est conseillé de travailler avec des services professionnels qui peuvent vous apporter leur expertise et leur soutien dans l'élaboration d'un plan de promotion de la musique avant chaque sortie. Dans cette optique, Base for Music est votre compagnon de confiance et vous offre une solution simple mais efficace pour promouvoir votre musique sans effort. Grâce à nos informations constamment mises à jour sur les pratiques les plus récentes en matière de promotion musicale indépendante, il n'y a rien de plus facile que d'augmenter la visibilité de votre disque auprès du bon public au bon moment. Inscrivez-vous pour un compte gratuit et commencez à générer vos campagnes publicitaires sur les plateformes publicitaires populaires (Spotify Ads, Facebook Ads, TikTok Ads, Youtube Ads, etc.) en quelques étapes simples pour rendre vos titres disponibles sur les plateformes publicitaires universelles populaires comme Spotify, Facebook, TikTok, et Youtube.

Vous êtes impatient de faire connaître au monde entier vos morceaux de musique ? Cet article vous propose les meilleures pratiques et les meilleurs services pour la distribution mondiale.

3 choses que tout artiste doit savoir à propos de la distribution internationale de musique

When distributing music in this popular digital music industry, independent artists need to be aware of the risks that may arise in the process. You definitely don’t want your music to be unable to be played or be used by other people to make money. Artists need to take steps to protect themselves and their music from these threats.By being proactive and knowledgeable about the potential risks, you can take measures to mitigate them. Let us walk you through those steps and safeguard your music. Moreover, have a look at our article <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/top-4-best-music-distribution-services">Top 4 Music Distribution Services 2023 </a>to find out a distributor that can support you on this journey!<h2></h2><h2>What are the two risks of digital music distribution?</h2><h3>Copyright</h3>Copyright protection is a critical consideration in the digital music industry. Your music is always at risk of unauthorized use and piracy, which can result in lost revenue and undermine your creative rights. With the ease of digital distribution and sharing, music can be copied, shared, and used without your permission, leading to potential financial losses and compromising your control over your work.<h3>Delayed payments</h3>There are always risks in every situation, in digital music distribution, many independent artists have faced times when their distributors refused to pay for them. This is why you have to consider it carefully when choosing a reliable distribution service.<h2>How to protect yourself from risks?</h2><h3>Understand Digital Rights Management</h3>Every time artists distribute music online, you must be aware of Digital Rights Management (DRM). DRM is a system of technologies and practices used by creators and distributors to protect digital assets, such as music, videos, software, and games from unauthorized use, copying, distribution, or modification.Independent artists should have a solid understanding of DRM to safeguard their music from potential risks. It is advisable to work with a professional distributor who can provide you with support in navigating DRM and protecting your content.<h3>Review your contract</h3>After choosing a distribution service, it’s important to exercise caution and thoroughly review your contract with the distributor. This step allows you to better control potential legal issues, such as contract termination, payment delays, or technical problems with your music on streaming platforms.By carefully examining the contract terms, you can ensure that you are aware of your rights and obligations, and be prepared for any potential challenges that may arise.<h3></h3><h3>Comply with platforms guidelines</h3>In addition, it is crucial to familiarize yourself with the guidelines of the streaming platforms where you choose to distribute your music. This ensures that your music sticks to its content and format requirements to minimize the risks of copyright violation.For example, if your song violates the platform’s policies of hate speech, violence or discriminatory content - your song will likely be taken down from that platform.Being aware of the platforms’ guidelines and policies helps you to avoid potential risks, and protect your music from being taken down or facing other consequences. Independent artists need to stay up to date with the latest guidelines to have a smooth and successful distribution experience. At Base For Music, we provide independent artists with valuable insights and resources to make their music more accessible. Sign up for our newsletter to be the first to gain access to our extensive tips on music distribution now!

What are the risks in the digital music distribution process and how can independent artists protect themselves from those? Let’s find out now!

Things to be aware of before your digital music distribution process

Lorsqu'ils distribuent de la musique dans ce secteur populaire de la musique numérique, les artistes indépendants doivent être conscients des risques qui peuvent survenir au cours du processus. Vous ne voulez certainement pas que votre musique ne puisse pas être jouée ou qu'elle soit utilisée par d'autres personnes pour gagner de l'argent. Les artistes doivent prendre des mesures pour se protéger et protéger leur musique contre ces menaces. 
En étant proactif et informé des risques potentiels, vous pouvez prendre des mesures pour les atténuer. Laissez-nous vous guider à travers ces étapes et protégez votre musique.
De plus, consultez <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/top-4-best-music-distribution-services" target="_blank">notre article Top 4 des services de distribution musicale en 2023</a> pour trouver un distributeur qui peut vous aider dans cette démarche ! 
<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/products/Music-Distribution-Explained.jpeg?v=1678979296" data-image="Music-Distribution-Explained.jpeg"><h1>Quels sont les deux risques liés à la distribution de musique numérique ? </h1>
<h2>Les droits d'auteur</h2>
La protection des droits d'auteur est une considération essentielle dans l'industrie de la musique numérique. Votre musique est toujours exposée au risque d'utilisation non autorisée et de piratage, ce qui peut entraîner une perte de revenus et porter atteinte à vos droits créatifs. Avec la facilité de la distribution et du partage numériques, la musique peut être copiée, partagée et utilisée sans votre autorisation, ce qui peut entraîner des pertes financières et compromettre le contrôle que vous exercez sur votre travail.<h2>Retard de paiement</h2>
Dans le domaine de la distribution de musique numérique, de nombreux artistes indépendants ont dû faire face à des refus de paiement de la part de leurs distributeurs. C'est la raison pour laquelle il faut bien réfléchir avant de choisir un service de distribution fiable.
<h1>Comment se protéger des risques ?</h1><h2>Comprendre la gestion des droits numériques</h2>
Chaque fois qu'un artiste distribue de la musique en ligne, il doit être conscient de la gestion des droits numériques. La GDN est un système de technologies et de pratiques utilisées par les créateurs et les distributeurs pour protéger les ressources numériques, telles que la musique, les vidéos, les logiciels et les jeux, contre l'utilisation, la copie, la distribution ou la modification non autorisées.
Les artistes indépendants doivent avoir une bonne compréhension des DRM afin de protéger leur musique contre les risques potentiels. Il est conseillé de travailler avec un distributeur professionnel qui peut vous aider à comprendre les DRM et à protéger votre contenu.<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/products/b61658b918a7954d23c004fdc03a58b3.jpeg?v=1651135698" data-image="b61658b918a7954d23c004fdc03a58b3.jpeg"><h2>Examinez votre contrat</h2>
Après avoir choisi un service de distribution, il est important de faire preuve de prudence et d'examiner attentivement votre contrat avec le distributeur. Cette étape vous permet de mieux contrôler les éventuels problèmes juridiques, tels que la résiliation du contrat, les retards de paiement ou les problèmes techniques liés à votre musique sur les plateformes de diffusion en continu.
En examinant attentivement les termes du contrat, vous pouvez vous assurer que vous connaissez vos droits et vos obligations et que vous êtes prêt à faire face à tout problème potentiel.<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/products/portada.png?v=1678111848" data-image="portada.png"><h2>Respecter les lignes directrices des plateformes</h2>
En outre, il est essentiel de se familiariser avec les lignes directrices des plateformes de diffusion en continu sur lesquelles vous choisissez de distribuer votre musique. Cela permet de s'assurer que votre musique respecte les exigences en matière de contenu et de format afin de minimiser les risques de violation du droit d'auteur.
Par exemple, si votre chanson enfreint les politiques de la plateforme en matière d'incitation à la haine, de violence ou de contenu discriminatoire, elle sera probablement retirée de cette plateforme.
Connaître les lignes directrices et les politiques des plateformes vous permet d'éviter les risques potentiels et de protéger votre musique contre le retrait ou d'autres conséquences. Les artistes indépendants doivent se tenir au courant des dernières directives afin de bénéficier d'une expérience de distribution harmonieuse et réussie.
&nbsp; Chez Base For Music, nous fournissons aux artistes indépendants des informations et des ressources précieuses pour rendre leur musique plus accessible. Inscrivez-vous à notre newsletter pour être le premier à avoir accès à nos conseils détaillés sur la distribution de la musique !

Quels sont les risques liés au processus de distribution de la musique numérique et comment les artistes indépendants peuvent-ils s'en protéger ? Découvrons-le maintenant !

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