<h1>The 7 Differences Between Publishing, Production, Distribution, and Sync</h1><h2>Introduction</h2>In the music industry, understanding the differences between publishing, production, distribution, and sync is essential for artists and industry professionals. Each of these areas plays a specific role in the creation, distribution, and monetization of music. Mastering these concepts not only helps navigate this complex world more efficiently but also maximizes revenue opportunities. Let’s explore these key distinctions together.<h2>1. Main Role</h2><h3>Publishing</h3>Music publishing focuses on copyright management and the commercial exploitation of works. Music publishers ensure that songwriters are paid for the use of their songs, whether through sales, public performances, or radio broadcasts.<h3>Production</h3>Music production involves the creation and recording of music. This process includes producers, sound engineers, and musicians who work together to turn a musical idea into a finished product ready for release.<h3>Distribution</h3>Music distribution involves delivering recordings to the public. It includes making albums and singles available through streaming platforms, music stores, and other sales channels.<h3>Sync</h3>Synchronization, or sync, refers to the process of placing music in other media such as films, advertisements, or video games. This area allows artists to monetize their works by associating them with audiovisual projects.<img src="https://images.pexels.com/photos/2510422/pexels-photo-2510422.jpeg?auto=compress&amp;cs=tinysrgb&amp;dpr=1&amp;w=500" alt="Gratuit Homme Prenant Une Vidéo D'une Femme Portant Un Violon Photos" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>2. Timing in the Music Process</h2><h3>Publishing</h3>Publishing happens at the creation stage, even before recording. Publishers start protecting copyrights as soon as a song is written, ensuring the composer gets paid for any future exploitation.<h3>Production</h3>Production takes place after composition, during the recording phase. It is when musical ideas come to life in the studio under the guidance of the producer and with the help of technicians.<h3>Distribution</h3>Distribution begins after production, once the music is ready for release. Distributors work to make the recordings available on various platforms to reach the audience.<h3>Sync</h3>Sync can happen at any time after the creation of the work. A song can be used in an advertisement, film, or video game long after its initial release.<img src="https://images.pexels.com/photos/5077069/pexels-photo-5077069.jpeg?auto=compress&amp;cs=tinysrgb&amp;dpr=1&amp;w=500" alt="Gratuit Photos gratuites de appareil électronique, appli, application Photos" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>3. Rights Involved</h2><h3>Publishing</h3>Publishing mainly involves copyright related to lyrics and composition. These rights protect music creators and ensure they are paid for the use of their works.<h3>Production</h3>Production involves neighboring rights, covering the performance and recording of a work. These rights benefit performers and producers for the exploitation of their recordings.<h3>Distribution</h3>Distribution involves reproduction and distribution rights, which include creating physical or digital copies of recordings and their distribution on streaming platforms or in stores.<h3>Sync</h3>Sync deals with usage rights in other works. For example, using a song in a film requires a license agreement to legally include it in the new production.<h2>4. Key Players</h2><h3>Publishing</h3>Music publishers are the main players in publishing. They work with songwriters to manage rights and maximize revenue from the use of their works.<h3>Production</h3>Production involves producers, sound engineers, and musicians. Together, they create and record music that will later be distributed and marketed.<h3>Distribution</h3>Labels, streaming platforms, and music stores are key players in distribution. They ensure that produced music reaches the target audience.<h3>Sync</h3>Music supervisors and sync agencies are essential for placing music in other media. They negotiate licensing deals and select songs that best fit audiovisual projects.<article-banner></article-banner><h2>5. Revenue Sources</h2><h3>Publishing</h3>Publishing revenue comes from copyright royalties and licensing fees for the use of compositions. These revenues are continuous as long as the music is used and broadcast.<h3>Production</h3>Production generates income through album sales and streaming. The more a song or album is played, the higher the revenue for producers and artists.<h3>Distribution</h3>Distributors earn money through commissions on sales and streaming. They take a share of the revenue generated from the commercialization of music.<h3>Sync</h3>Sync brings in licensing fees for the use of music in other media. These fees vary depending on the scope of the project and the popularity of the music used.<img src="https://images.pexels.com/photos/3007347/pexels-photo-3007347.jpeg?auto=compress&amp;cs=tinysrgb&amp;dpr=1&amp;w=500" alt="Gratuit Femme Assise Sur Le Lit Photos" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>6. Typical Contracts</h2><h3>Publishing</h3>Music publishing contracts are agreements between songwriters and publishers. These contracts define the revenue split and the rights managed by the publisher.<h3>Production</h3>In production, artist contracts and production agreements are common. They regulate the relationship between artists, producers, and labels, specifying each party’s obligations.<h3>Distribution</h3>A distribution agreement links producers or labels with distributors. This contract outlines the terms of distribution, including revenue sharing.<h3>Sync</h3>The sync license is the key contract in sync. This document authorizes the use of a song in an audiovisual project, detailing the usage conditions and compensation.<h2>7. Duration of Exploitation</h2><h3>Publishing</h3>Publishing typically covers the entire copyright term (life of the author + 70 years). During this period, publishers continue to collect revenue from the exploitation of works.<h3>Production</h3>The duration of exploitation in production depends on the contract with the label or artist. It can vary but is often tied to the commercial lifespan of the recording.<h3>Distribution</h3>Distribution is governed by agreements that are often renewable. The duration depends on the contract terms but is usually shorter than the copyright period.<h3>Sync</h3>The duration of a sync license is specified in the contract and is often limited to the production’s lifespan or a set number of years.<h2>Conclusion</h2>Understanding the distinctions between publishing, production, distribution, and sync is crucial for navigating the music industry. These aspects are interconnected, forming a complex ecosystem that supports the creation, dissemination, and monetization of music. A solid grasp of these concepts will help you develop an effective marketing strategy, optimize your promotional campaigns, and strengthen your fanbase while making the most of the available tools in the industry.

Discover the key differences between music publishing, production, distribution, and synchronization.

The 7 Differences Between Publishing, Production, Distribution, and Sync

<h1>Les 7 Différences entre édition, production, distribution et synchro</h1><h2>Introduction</h2>Dans l'industrie musicale, comprendre les différences entre édition, production, distribution et synchro est crucial pour les artistes et les professionnels du secteur. Chacun de ces domaines joue un rôle spécifique dans la création, la diffusion et la monétisation de la musique. Maîtriser ces concepts permet non seulement de naviguer plus efficacement dans ce monde complexe, mais aussi de maximiser les opportunités de revenus. Explorons ensemble ces distinctions essentielles.<h2>1. Rôle principal</h2><h3>Édition</h3>L'édition musicale se concentre sur la gestion des droits d'auteur et l'exploitation commerciale des œuvres. Les éditeurs musicaux s'assurent que les auteurs-compositeurs sont rémunérés pour l'utilisation de leurs chansons, que ce soit à travers des ventes, des performances publiques ou des diffusions à la radio.<h3>Production</h3>La production musicale concerne la création et l'enregistrement de la musique. Ce processus implique des producteurs, des ingénieurs du son et des musiciens qui travaillent ensemble pour transformer une idée musicale en un produit fini, prêt à être diffusé.<h3>Distribution</h3>La distribution musicale consiste à diffuser les enregistrements auprès du public. Elle englobe la mise à disposition des albums et des singles via des plateformes de streaming, des magasins de musique et d'autres canaux de vente.<h3>Synchro</h3>La synchronisation, ou synchro, est le processus de placement de la musique dans d'autres médias comme les films, les publicités ou les jeux vidéo. Ce domaine permet aux artistes de monétiser leurs œuvres en les associant à des projets audiovisuels.<img src="https://images.pexels.com/photos/2510422/pexels-photo-2510422.jpeg?auto=compress&amp;cs=tinysrgb&amp;dpr=1&amp;w=500" alt="Gratuit Homme Prenant Une Vidéo D'une Femme Portant Un Violon Photos" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>2. Moment d'intervention dans le processus musical</h2><h3>Édition</h3>L'édition intervient dès la création de l'œuvre, avant même son enregistrement. L'éditeur commence à protéger les droits d'auteur dès que la chanson est écrite, assurant que le compositeur est rémunéré pour toute exploitation future.<h3>Production</h3>La production se déroule après la composition, pendant la phase d'enregistrement. C’est à ce moment-là que les idées musicales prennent vie en studio, sous la direction du producteur et avec l’aide des techniciens.<h3>Distribution</h3>La distribution commence après la production, une fois que la musique est prête à être commercialisée. Les distributeurs travaillent à rendre les enregistrements disponibles sur diverses plateformes pour atteindre le public.<h3>Synchro</h3>La synchronisation peut intervenir à tout moment après la création de l'œuvre. Un morceau peut être utilisé dans une publicité, un film ou un jeu vidéo bien après sa sortie initiale.<img src="https://images.pexels.com/photos/5077069/pexels-photo-5077069.jpeg?auto=compress&amp;cs=tinysrgb&amp;dpr=1&amp;w=500" alt="Gratuit Photos gratuites de appareil électronique, appli, application Photos" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>3. Droits concernés</h2><h3>Édition</h3>L'édition musicale concerne principalement les droits d'auteur liés aux paroles et à la composition. Ces droits protègent les créateurs de musique et assurent qu'ils sont rémunérés pour l'utilisation de leurs œuvres.<h3>Production</h3>La production concerne les droits voisins, qui couvrent l'interprétation et l'enregistrement d'une œuvre. Ces droits bénéficient aux artistes interprètes et aux producteurs pour l'exploitation de leurs enregistrements.<h3>Distribution</h3>La distribution implique les droits de reproduction et de diffusion. Cela comprend la création de copies physiques ou numériques des enregistrements et leur diffusion sur des plateformes de streaming ou dans des magasins.<h3>Synchro</h3>La synchro engage les droits d'utilisation dans d'autres œuvres. Par exemple, une chanson utilisée dans un film nécessite un contrat de licence pour l'utiliser légalement dans cette nouvelle production.<h2>4. Acteurs principaux</h2><h3>Édition</h3>Les éditeurs musicaux sont les principaux acteurs dans le domaine de l'édition. Ils travaillent avec les compositeurs pour gérer les droits et maximiser les revenus provenant de l'utilisation des œuvres.<h3>Production</h3>La production mobilise des producteurs, des ingénieurs du son et des musiciens. Ensemble, ils créent et enregistrent la musique qui sera plus tard diffusée et commercialisée.<h3>Distribution</h3>Les labels, les plateformes de streaming et les magasins de musique sont les principaux acteurs de la distribution. Ils s'assurent que la musique produite atteint le public cible.<h3>Synchro</h3>Les superviseurs musicaux et les agences de synchro sont essentiels pour le placement de musique dans d'autres médias. Ils négocient les contrats de licence et choisissent les morceaux qui correspondent le mieux aux projets audiovisuels.<article-banner></article-banner><h2>5. Sources de revenus</h2><h3>Édition</h3>Les revenus provenant de l'édition incluent les droits d'auteur et les licences pour l'utilisation des compositions. Ces revenus sont continus, tant que la musique est utilisée et diffusée.<h3>Production</h3>La production génère des revenus à travers les ventes d'albums et le streaming. Plus un morceau ou un album est écouté, plus les revenus pour les producteurs et les artistes sont élevés.<h3>Distribution</h3>Les distributeurs gagnent leur vie grâce à des commissions sur les ventes et le streaming. Ils prennent une part des revenus générés par la commercialisation de la musique.<h3>Synchro</h3>La synchro rapporte des frais de licence pour l'utilisation de la musique dans d'autres médias. Ces frais varient en fonction de l'envergure du projet et de la popularité de la musique utilisée.<img src="https://images.pexels.com/photos/3007347/pexels-photo-3007347.jpeg?auto=compress&amp;cs=tinysrgb&amp;dpr=1&amp;w=500" alt="Gratuit Femme Assise Sur Le Lit Photos" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>6. Contrats typiques</h2><h3>Édition</h3>Les contrats d'édition musicale sont conclus entre les compositeurs et les éditeurs. Ces contrats définissent la répartition des revenus et les droits gérés par l'éditeur.<h3>Production</h3>En production, les contrats d'artiste et les contrats de production sont courants. Ils régulent la relation entre les artistes, les producteurs et les labels, spécifiant les obligations de chaque partie.<h3>Distribution</h3>Un accord de distribution lie les producteurs ou les labels aux distributeurs. Ce contrat précise les termes de la distribution, y compris la répartition des revenus.<h3>Synchro</h3>La licence de synchronisation est le contrat clé dans la synchro. Ce document autorise l'utilisation d'une musique dans un projet audiovisuel, en précisant les conditions d'utilisation et la rémunération.<h2>7. Durée d'exploitation</h2><h3>Édition</h3>L'édition couvre généralement toute la durée des droits d'auteur (vie de l'auteur + 70 ans). Pendant cette période, les éditeurs continuent de percevoir des revenus pour l'exploitation des œuvres.<h3>Production</h3>La durée d'exploitation en production dépend du contrat avec le label ou l'artiste. Elle peut varier, mais est souvent liée à la durée de vie commerciale de l'enregistrement.<h3>Distribution</h3>La distribution est régie par des accords qui sont souvent renouvelables. La durée dépend des termes du contrat, mais elle est généralement moins longue que celle des droits d'auteur.<h3>Synchro</h3>La durée d'une licence de synchronisation est spécifiée dans le contrat et est souvent limitée à la durée de la production ou à un certain nombre d'années d'exploitation.<h2>Conclusion</h2>Comprendre les distinctions entre l'édition, la production, la distribution et la synchro est essentiel pour naviguer dans l'industrie musicale. Ces aspects sont interconnectés, formant ensemble l'écosystème complexe qui soutient la création, la diffusion et la monétisation de la musique. Une bonne maîtrise de ces concepts vous permettra d'élaborer une stratégie marketing efficace, d'optimiser vos campagnes de promotion et de renforcer votre fanbase tout en exploitant au mieux les outils disponibles dans l'industrie.

Découvrez les différences clés entre l'édition, la production, la distribution et la synchronisation musicale.

Les 7 Différences entre édition, production, distribution et synchro

<h1>Where can you find the money to produce your music project?</h1>For an artist, producing a&nbsp;music project&nbsp;can be a major challenge, especially when it comes to&nbsp;funding. Fortunately, there are several&nbsp;funding sources&nbsp;you can explore to bring your&nbsp;music&nbsp;to life. In this article, we’ll present the most common options to finance your&nbsp;music project, while optimizing your&nbsp;marketing strategyto maximize your chances of success. Here’s an overview of the possibilities available to you:<h3>1.&nbsp;Grants and Public Funding: Support from Public Authorities</h3>Public grants&nbsp;are a valuable source of&nbsp;funding&nbsp;for&nbsp;music projects. They are typically awarded by organizations like the&nbsp;Regional Cultural Affairs Directorates (DRAC)&nbsp;and local authorities. These&nbsp;funds&nbsp;are aimed at supporting&nbsp;creation,&nbsp;distribution, and sometimes even the&nbsp;promotion&nbsp;of music. However, they often require a thorough understanding of&nbsp;eligibility criteria&nbsp;and&nbsp;administrative procedures.To maximize your chances of obtaining these&nbsp;grants, it’s crucial to prepare your application carefully and integrate it into a&nbsp;global marketing strategy. For example:<ul><li>Local grants can be especially useful if your project has a regional impact.</li><li>DRAC can support projects with a broader reach.</li></ul><h3>2.&nbsp;Professional Organizations: Specialized Support for Your Music</h3>In addition to public&nbsp;grants, professional organizations such as&nbsp;ADAMI&nbsp;and the&nbsp;Musical Creation Fund (FCM)&nbsp;also offer&nbsp;grants&nbsp;for various aspects of&nbsp;music production. These organizations are key partners for&nbsp;artists&nbsp;seeking specialized support in the&nbsp;music industry.<ul><li>ADAMI: It can cover up to 80% of an album’s promotional budget, significantly reducing your expenses and allowing you to allocate more resources to your marketing strategy or fanbase development.</li><li>FCM: Supports projects that promote musical diversity and repertoire renewal, providing a platform to stand out in the industry.</li></ul><h3>3.&nbsp;Crowdfunding: Engage Your Fanbase to Succeed</h3>Crowdfunding&nbsp;has become an essential tool for&nbsp;artists&nbsp;looking to fund their&nbsp;music projects&nbsp;while strengthening their connection with fans. This method involves soliciting small contributions from a wide audience via platforms like&nbsp;<a rel="noopener noreferrer" href="https://www.kickstarter.com/?lang=fr">Kickstarter</a>,&nbsp;<a rel="noopener noreferrer" href="https://www.indiegogo.com/">Indiegogo</a>, and&nbsp;<a rel="noopener noreferrer" href="https://fr.ulule.com/categories/music/">Ulule</a>.Advantages of Crowdfunding:<ul><li>Increased Budget: Fund your project without draining your personal savings.</li><li>Fan Engagement: Turn your fans into partners by involving them in your journey.</li><li>Increased Visibility: Use crowdfunding as a promotional tool to expand your audience.</li></ul>By integrating&nbsp;crowdfunding&nbsp;into your&nbsp;marketing strategy, you can fund your&nbsp;music project&nbsp;while enhancing your communication and industry presence.<article-banner></article-banner><h3>4.&nbsp;Diversifying Revenue Streams: A Strategy for Longevity</h3>To ensure the longevity of your&nbsp;music project, diversifying your revenue sources is essential. Consider exploring:<ul><li>Concerts and Tours: Direct income and merchandising opportunities.</li><li>Merchandise Sales: T-shirts, posters, vinyl, and other branded items can monetize your brand.</li><li>Streaming and Digital Sales: Reach a global audience and monetize your music.</li></ul>Incorporating these elements into your&nbsp;marketing strategy&nbsp;not only increases income but strengthens your presence in the&nbsp;music industry.<h3>5.&nbsp;Additional Funding Sources: Loans, Private Assistance, and Specialized Sites</h3>Beyond&nbsp;grants&nbsp;and&nbsp;crowdfunding, other&nbsp;funding options&nbsp;include:<ul><li>Bank loans,&nbsp;family assistance, or&nbsp;private investors, requiring a solid financial plan.</li><li>Specialized websites like&nbsp;Mon Projet Musique, which lists over 129 funding opportunities for&nbsp;music projects.</li></ul>These tools are excellent resources for identifying aids tailored to your profile, whether you’re a performer, composer, or collective.<h3>Conclusion</h3>Funding a&nbsp;music project&nbsp;may seem complex, but by adopting the right strategies and exploring different options, you can maximize your chances of success. <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/fr">Base for Music</a> recommends integrating various&nbsp;funding sources&nbsp;into a comprehensive&nbsp;marketing strategy&nbsp;that includes&nbsp;promotion,&nbsp;fanbase development, and optimizing your presence on streaming platforms.By combining&nbsp;grants,&nbsp;crowdfunding, loans, and private support while diversifying your revenue streams, you can not only fund your&nbsp;music project&nbsp;but ensure its longevity in the&nbsp;music industry. Use every tool at your disposal to turn your project into lasting success.

Explore key financing options for your music project: public grants, crowdfunding, ADAMI, and FCM. Maximize your success with effective funding and marketing strategies. 

Where can you find the money to produce your music project?

<h1>Où trouver l’argent pour produire votre projet musical ?</h1>Pour un artiste, produire un projet musical peut être un véritable défi, surtout en ce qui concerne le financement. Heureusement, plusieurs sources de financement sont disponibles pour donner vie à votre musique. Cet article présente les options les plus courantes pour financer votre projet tout en optimisant votre stratégie marketing afin de maximiser vos chances de réussite. Voici un aperçu des possibilités qui s’offrent à vous :<h3>1. Subventions et financements publics : soutien des autorités publiques</h3>Les subventions publiques sont une source précieuse de financement pour les projets musicaux. Elles sont généralement attribuées par des organismes comme les Directions Régionales des Affaires Culturelles (DRAC) et les collectivités locales. Ces fonds visent à soutenir la création, la diffusion et parfois même la promotion de la musique. Cependant, ils nécessitent une bonne compréhension des critères d’éligibilité et des procédures administratives.Pour maximiser vos chances d’obtenir ces subventions, il est essentiel de bien préparer votre dossier et de l’intégrer dans une stratégie marketing globale. Par exemple :<ul><li>Les subventions locales peuvent être particulièrement utiles si votre projet a un impact régional.</li><li>Le DRAC peut soutenir des projets avec une portée plus large.</li></ul><h3>2. Organisations professionnelles : soutien spécialisé pour la musique</h3>En plus des subventions publiques, des organisations professionnelles comme l’ADAMI et le Fonds pour la Création Musicale (FCM) offrent également des aides pour différents aspects de la production musicale. Ces organismes sont des partenaires clés pour les artistes recherchant un soutien spécialisé dans l’industrie musicale.<ul><li>ADAMI : Elle peut couvrir jusqu’à 80 % du budget promotionnel d’un album, réduisant ainsi vos dépenses et vous permettant de consacrer davantage de ressources à votre stratégie marketing ou au développement de votre fanbase.</li><li>FCM : Soutient des projets qui favorisent la diversité musicale et le renouvellement du répertoire, offrant ainsi une plateforme pour se démarquer dans l’industrie.</li></ul><h3>3. Crowdfunding : mobilisez votre fanbase pour réussir</h3>Le crowdfunding est devenu un outil incontournable pour les artistes souhaitant financer leurs projets tout en renforçant leur lien avec leurs fans. Cette méthode consiste à solliciter des contributions de la part d’un large public via des plateformes telles que <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.kickstarter.com/?lang=fr">Kickstarter</a>, <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.indiegogo.com/">Indiegogo</a> et <a rel="noopener noreferrer" href="https://fr.ulule.com/categories/music/">Ulule</a>.Avantages du crowdfunding :<ul><li>Augmentation du budget : Financer votre projet sans puiser dans vos économies personnelles.</li><li>Engagement des fans : Transformer vos fans en partenaires en les impliquant dans votre parcours.</li><li>Visibilité accrue : Utiliser le crowdfunding comme un outil promotionnel pour élargir votre audience.</li></ul>En intégrant le crowdfunding dans votre stratégie marketing, vous pouvez financer votre projet tout en améliorant votre communication et votre présence dans l’industrie.<article-banner></article-banner><h3>4. Diversifier les sources de revenus : une stratégie pour la longévité</h3>Pour assurer la pérennité de votre projet musical, il est essentiel de diversifier vos sources de revenus. Pensez à explorer :<ul><li>Concerts et tournées : Générer des revenus directs et des opportunités de merchandising.</li><li>Vente de produits dérivés : T-shirts, affiches, vinyles et autres articles personnalisés pour monétiser votre marque.</li><li>Streaming et ventes digitales : Atteindre un public mondial et monétiser votre musique.</li></ul>L’intégration de ces éléments dans votre stratégie marketing permet non seulement d’augmenter vos revenus, mais aussi de renforcer votre présence dans l’industrie musicale.<h3>5. Sources de financement supplémentaires : prêts, assistance privée et sites spécialisés</h3>Au-delà des subventions et du crowdfunding, d’autres options de financement incluent :<ul><li>Prêts bancaires, aide familiale ou investisseurs privés, nécessitant un plan financier solide.</li><li>Sites spécialisés comme Mon Projet Musique, qui répertorie plus de 129 opportunités de financement pour des projets musicaux.</li></ul>Ces outils sont d’excellentes ressources pour identifier des aides adaptées à votre profil, que vous soyez interprète, compositeur ou collectif.<h3>Conclusion</h3>Financer un projet musical peut sembler complexe, mais en adoptant les bonnes stratégies et en explorant différentes options, vous pouvez maximiser vos chances de réussite. <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/en">Base for Music</a> recommande d’intégrer diverses sources de financement dans une stratégie marketing globale incluant la promotion, le développement de la fanbase et l’optimisation de votre présence sur les plateformes de streaming.En combinant subventions, crowdfunding, prêts et soutien privé tout en diversifiant vos sources de revenus, vous pourrez non seulement financer votre projet musical, mais aussi assurer sa pérennité dans l’industrie musicale. Utilisez chaque outil à votre disposition pour transformer votre projet en un succès durable.

Découvrez les options de financement pour votre projet musical : subventions, crowdfunding, et aides comme l'ADAMI ou le FCM. Maximisez votre succès avec des stratégies efficaces.

Où trouver de l’argent pour produire son projet musical ?

<h1>Generate artist income, the 5 things to do.</h1>To be an artist today, it's essential to diversify and maximize income sources in an ever-changing music industry. Here are five concrete strategies for generating income effectively.<h2>1. Diversifying sources of income</h2>Diversification is one of the keys to an artist's success. It's crucial not to limit yourself to a single revenue-generating method, but to explore several.Streaming and Digital Sales<ul><li>Streaming platforms: Distribute your music on platforms like Spotify, Apple Music, and Deezer. Although payouts per stream are relatively low, high volume can generate substantial revenues. A solid fanbase on these platforms can make all the difference.</li><li>Direct Sales: Use platforms like <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://bandcamp.com/">Bandcamp</a> to sell your music directly to your fans. This can offer better margins than streaming, as you have direct control over prices and sales.</li></ul>Marketing strategy: A targeted promotional campaign on social networks and via newsletters can encourage your fanbase to buy your music directly rather than just listening to it via streaming.<h2>2. Live performances and tours</h2>Live performances remain one of the most direct sources of income for artists.Concerts and Festivals<ul><li>Organize Concerts: Plan concerts in your area and take part in festivals. Ticket sales can be a significant source of income.</li><li>Touring: Consider organizing tours, which enable you to reach a wider audience while increasing your merchandising sales on site.</li></ul>Marketing strategy: Use promotional tools to advertise your concerts and tours. A good campaign on social networks and targeted announcements can attract more listeners to your live events, strengthening your fanbase.<img src="https://images.unsplash.com/photo-1621594761158-aa740720f806?fm=jpg&amp;q=60&amp;w=3000&amp;ixlib=rb-4.0.3&amp;ixid=M3wxMjA3fDB8MHxwaG90by1wYWdlfHx8fGVufDB8fHx8fA%3D%3D" alt="homme en chemise noire tenant une tablette noire" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>3. Merchandising</h2>Merchandising is an essential source of income for many artists.Derivative products<ul><li>Clothing and Accessories: Create t-shirts, caps, and other items featuring your brand. These are powerful tools for promoting your image and generating additional income.</li><li>Limited Editions: Offer limited edition products to create a sense of exclusivity and encourage purchase. Limited editions are often very popular with loyal fans.</li></ul>Marketing strategy: Promote your merchandise on your streaming platforms, social networks and live performances to maximize sales.<h2>4. Copyright and licensing</h2>Copyrights and licenses can be a stable, passive source of income for artists.Synchronization and Licensing<ul><li>Synchronization licenses: Sell the rights to use your music in films, series, commercials or video games. These opportunities can bring in substantial revenue while increasing your visibility.</li><li>Copyright Collection: Register with a copyright management company to collect the royalties generated by the use of your music. This enables you to earn revenue every time your music is played publicly or broadcast.</li></ul>Marketing strategy: Use your networks to promote your work to content creators in the music industry and media. The more exposure your music receives, the greater your chances of generating licensing revenue.<h2>5. Crowdfunding and subscriptions</h2>Crowdfunding and subscription platforms enable you to mobilize your community directly.Support platforms<ul><li>Crowdfunding: Use platforms like <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.kickstarter.com/?lang=fr">Kickstarter</a> or <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.indiegogo.com/explore/music?project_timing=all&amp;product_stage=all&amp;ended_campaigns_included=false&amp;sort=trending">Indiegogo</a> to fund specific projects, such as producing an album or organizing a tour.</li><li>Subscriptions: Offer subscriptions on platforms like Patreon, where fans can support your work in exchange for exclusive content. This is an excellent way of maintaining a regular income while strengthening ties with your fans.</li></ul>Marketing strategy: Create engaging campaigns to explain to your audience why their support is crucial and what they will receive in return. Transparent and regular communication is the key to success in these initiatives.<img src="https://cdn.pixabay.com/photo/2015/08/17/01/47/vynil-891916_1280.jpg" alt="Free Vynil Pickup Head photo and picture" title="Download free HD stock image of Vynil Pickup Head" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>Conclusion</h2>By diversifying your revenue streams and implementing an effective marketing strategy, you can not only increase your income, but also strengthen your position in the music industry. Use the tools at your disposal, such as streaming, concerts, merchandising, and crowdfunding, to build a solid and sustainable <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/fr">base for music</a>. By remaining creative and adaptable, you can not only thrive as an artist, but also offer your fanbase unique and engaging experiences.

Discover the 5 essential strategies to generate income as an artist and maximize your potential in the music industry.

Generate artist income, the 5 things to do.

<h1>Générer des revenus d’artiste, les 5 choses à faire.</h1>Pour être artiste aujourd’hui, il est essentiel de diversifier et de maximiser les sources de revenu dans un secteur musical en constante évolution. Voici cinq stratégies concrètes pour générer des revenus de manière efficace.<h2>1. Diversification des Sources de Revenu</h2>La diversification est une des clés du succès pour un artiste. Il est crucial de ne pas se limiter à une seule méthode de génération de revenus, mais d’en explorer plusieurs .Streaming et Ventes Numériques<ul><li>Plateformes de Streaming : Distribuez votre musique sur des plateformes comme Spotify, Apple Music, et Deezer. Bien que les paiements par stream soient relativement faibles, un volume élevé peut générer des revenus substantiels. Une solide fanbase sur ces plateformes peut faire la différence.</li><li>Ventes Directes : Utilisez des plateformes comme <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://bandcamp.com/">Bandcamp</a> pour vendre directement votre musique à vos fans. Cela peut offrir de meilleures marges que le streaming, car vous contrôlez directement les prix et les ventes.</li></ul>Stratégie Marketing : Une campagne de promotion ciblée sur les réseaux sociaux et via des newsletters peut inciter votre fanbase à acheter directement votre musique plutôt que de se contenter de l'écouter en streaming.<h2>2. Performances Live et Tournées</h2>Les performances live restent l'une des sources de revenus les plus directes pour les artistes.Concerts et Festivals<ul><li>Organiser des Concerts : Planifiez des concerts dans votre région et participez à des festivals. La vente de billets peut constituer une source de revenu significative.</li><li>Tournées : Envisagez d'organiser des tournées, ce qui vous permet de toucher un public plus large tout en augmentant vos ventes de merchandising sur place.</li></ul>Stratégie Marketing : Utilisez les outils de promotions pour annoncer vos concerts et tournées. Une bonne campagne sur les réseaux sociaux et des annonces ciblées peuvent attirer plus d'auditeurs à vos événements live, renforçant ainsi votre fanbase.<img src="https://images.unsplash.com/photo-1621594761158-aa740720f806?fm=jpg&amp;q=60&amp;w=3000&amp;ixlib=rb-4.0.3&amp;ixid=M3wxMjA3fDB8MHxwaG90by1wYWdlfHx8fGVufDB8fHx8fA%3D%3D" alt="homme en chemise noire tenant une tablette noire" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>3. Merchandising</h2>Le merchandising est une source de revenu incontournable pour de nombreux artistes.Produits Dérivés<ul><li>Vêtements et Accessoires : Créez des t-shirts, casquettes, et autres articles à l'effigie de votre marque. Ce sont des outils puissants pour promouvoir votre image et générer des revenus supplémentaires.</li><li>Éditions Limitées : Proposez des produits en édition limitée pour créer un sentiment d'exclusivité et inciter à l'achat. Les éditions limitées sont souvent très prisées par les fans les plus fidèles.</li></ul>Stratégie Marketing : Mettez en avant vos produits dérivés sur vos plateformes de streaming, sur vos réseaux sociaux, et lors de vos performances live pour maximiser les ventes.<h2>4. Droits d’Auteur et Licences</h2>Les droits d’auteur et les licences peuvent constituer une source de revenues passive et stable pour les artistes.Synchronisation et Licences<ul><li>Licences de Synchronisation : Vendez les droits d’utilisation de votre musique pour des films, séries, publicités, ou jeux vidéos. Ces opportunités peuvent apporter des revenus importants tout en augmentant votre visibilité.</li><li>Collecte des Droits d’Auteurs : Inscrivez-vous à une société de gestion des droits d’auteur pour collecter les redevances générées par l’utilisation de votre musique. Cela vous permet de toucher des revenus chaque fois que votre musique est jouée publiquement ou diffusée.</li></ul>Stratégie Marketing : Utilisez vos réseaux pour promouvoir vos œuvres auprès des créateurs de contenu dans l'industrie musicale et les médias. Plus votre musique est exposée, plus vous avez de chances de générer des revenus via les licences.<h2>5. Crowdfunding et Abonnements</h2>Les plateformes de crowdfunding et d'abonnement permettent de mobiliser directement votre communauté.Plateformes de Soutien<ul><li>Crowdfunding : Utilisez des plateformes comme <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.kickstarter.com/music">Kickstarter</a> ou <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.indiegogo.com/explore/music?project_timing=all&amp;product_stage=all&amp;ended_campaigns_included=false&amp;sort=trending">Indiegogo</a> pour financer des projets spécifiques, tels que la production d’un album ou l'organisation d'une tournée.</li><li>Abonnements : Proposez des abonnements sur des plateformes comme Patreon, où les fans peuvent soutenir votre travail en échange de contenus exclusifs. C'est un excellent outil pour maintenir un revenu régulier tout en renforçant les liens avec votre fanbase.</li></ul>Stratégie Marketing : Créez des campagnes engageantes pour expliquer à votre public pourquoi leur soutien est crucial et ce qu’ils recevront en retour. Une communication transparente et régulière est la clé pour réussir dans ces initiatives.<img src="https://cdn.pixabay.com/photo/2015/08/17/01/47/vynil-891916_1280.jpg" alt="Free Vynil Pickup Head photo and picture" title="Download free HD stock image of Vynil Pickup Head" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>Conclusion</h2>En diversifiant vos sources de revenus et en appliquant une stratégie marketing efficace, vous pouvez non seulement augmenter vos revenus, mais aussi renforcer votre position dans l'industrie musicale. Utilisez les outils à votre disposition, comme le streaming, les concerts, le merchandising, et le crowdfunding, pour construire une base for music solide et durable. En restant créatif et adaptable, vous pouvez non seulement prospérer en tant qu'artiste, mais aussi offrir à votre fanbase des expériences uniques et engageantes.

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<h1>What are the steps to release an EP?</h1>Releasing an EP (Extended Play) is a crucial step for any artist looking to make their mark in the music industry. An EP allows for a collection of tracks that reflect the artist's identity and talent, offering a more comprehensive preview than a single but less of a commitment than a full album. This article will outline the essential steps to successfully release your EP, maximizing your chances of success.<h2>Understanding What an EP Is</h2>Before diving into the production steps, it’s important to understand what an EP is. An EP, or Extended Play, typically contains between 3 and 6 tracks. It serves as an intermediary between a single and an album, allowing artists to showcase the diversity of their work without the commitment of a full album. It’s the perfect format to test new ideas or to introduce yourself to a new audience.<img src="https://cdn.pixabay.com/photo/2016/06/27/07/30/elvis-presley-1482026_1280.jpg" alt="Elvis Presley, La Musique, Rétro, Studio" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>Steps to Release an EP</h2><h3>1. Planning and Preparation</h3>Define the ConceptThe first step is to define the concept or theme of your EP. What message do you want to convey? What sound or style do you want to explore? This initial reflection will guide your writing, composition, and even your later marketing strategy.Set a BudgetCreating an EP requires an investment. Determine your budget, including costs for recording, mixing, mastering, visual design, and promotion. A well-planned budget will help you avoid surprises and ensure the final quality of your project.<h3>2. Writing and Composition</h3>Create the TracksStart by writing and composing the songs that will feature on your EP. These songs should align with the concept you have defined. Make sure to create a cohesive set that reflects your musical universe.Revision and SelectionOnce the songs are created, take the time to revise them and select the strongest ones. This step is crucial to ensure the quality of your EP. A thoughtful song selection will strengthen the impact of your promotion campaign.<h3>3. Recording</h3>Choose a Studio or Home StudioDecide where to record your EP. If you have a substantial budget, a professional studio will provide superior sound quality. However, a home studio can be an economical alternative, especially if you already have good equipment.Work with a ProducerIf possible, collaborate with a producer to refine your sound. A good producer can provide valuable expertise, helping bring your artistic vision to life while optimizing each track for streaming and promotion.<img src="https://images.unsplash.com/photo-1489641493513-ba4ee84ccea9?fm=jpg&amp;q=60&amp;w=3000&amp;ixlib=rb-4.0.3&amp;ixid=M3wxMjA3fDB8MHxzZWFyY2h8MTV8fEV4dGVuZGVkJTIwUGxheSUyMG11c2ljfGVufDB8fDB8fHww" alt="Micro à condensateur noir avec pied et casque" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>4. Mixing and Mastering</h3>Hire a Mixing EngineerMixing is a key step to ensure that your EP sounds good across all playback systems. Hire a professional mixing engineer, or learn how to do it yourself if you have the necessary skills.MasteringMastering is the final touch in the audio production process. This step ensures sound consistency across tracks and optimizes audio quality for all streaming platforms. Investing in good mastering is crucial for the success of your EP.<h3>5. Artwork Creation</h3>Visual DesignThe artwork for your EP is the first thing your fans will see. Create artwork that reflects the visual identity and concept of your project. You can hire a graphic designer or use online tools to create it yourself. A good cover reinforces your marketing strategy by attracting the attention of listeners.<h3>6. Distribution</h3>Choose a Distribution PlatformTo distribute your EP, use services like TuneCore, CD Baby, or DistroKid. These platforms allow you to distribute your music to all major streaming platforms, including Spotify, Apple Music, and Amazon Music. This is a key element for reaching a wide audience.Set a Release DateChoose a strategic release date. Make sure all production steps are completed before that date, and that your promotion campaign is ready to be launched.<article-banner></article-banner><h3>7. Promotion</h3>Marketing StrategyAn effective marketing strategy is essential to ensure the success of your EP. Use social media, newsletters, and press relations to promote your music. Plan regular posts, teasers, and exclusives to maintain interest and engagement with your fans.During the promotion phase of your EP, it’s crucial to maximize visibility while targeting your audience precisely. This is where Base for Music comes into play. This platform is specifically designed to help artists promote their music releases efficiently and strategically. By using<a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/fr"> Base for Music</a>, you can distribute your tracks directly to a relevant and engaged audience while accessing analytical tools that allow you to evaluate the impact of your promotional efforts in real time. Whether it’s increasing streaming listens, drawing media attention, or rallying your fans, Base for Music provides the tools to maximize your EP’s reach while staying autonomous and in control of your campaign.Launch and EventsOrganize a launch event to celebrate the release of your EP. Whether it’s a live concert, an online listening session, or a live social media session, these events help generate buzz and engage directly with your fans.<img src="https://img.freepik.com/free-photo/man-woman-making-music-medium-shot_23-2149199992.jpg?ga=GA1.1.877471211.1732705982&amp;semt=ais_hybrid" alt="Man and woman making music medium shot" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>8. Monitoring and Engagement</h3>Track PerformanceAfter the release of your EP, it’s important to monitor its performance. Use analytics tools to examine streaming stats, sales, and reactions from your fans. These data will help you adjust your future promotion campaigns.Engage with FansContinue interacting with your audience after the release. Respond to comments, thank your fans, and share additional content to keep their interest. Constant engagement is key to building a strong and sustainable <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/fr">Base for Music</a>.<h2>Conclusion</h2>Releasing an EP is a demanding but incredibly rewarding process. Each step, from planning to promotion, plays a crucial role in the success of your project. By following these steps carefully and paying attention to detail, artists can create a professional EP that showcases their talent and creativity. Patience, strategy, and engagement are the keys to turning a simple project into a success in the music industry.

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What are the steps to release an EP?

<h1>Quelles sont les étapes pour sortir un EP ?</h1>Sortir un EP (Extended Play) est une étape cruciale pour tout artiste souhaitant marquer sa place dans l'industrie musicale. Un EP permet de présenter une collection de morceaux qui reflètent l'identité et le talent de l'artiste, offrant ainsi un aperçu plus complet que celui d'un single, mais moins engageant qu'un album complet. Cet article détaillera les étapes essentielles pour mener à bien ce projet, en maximisant les chances de succès.<h2>Comprendre ce qu'est un EP</h2>Avant de plonger dans les étapes de production, il est important de comprendre ce qu'est un EP. Un EP, ou Extended Play, contient généralement entre 3 et 6 morceaux. Il sert d'intermédiaire entre un single et un album, permettant aux artistes de montrer la diversité de leur travail sans l'engagement d'un album complet. C'est un format parfait pour tester de nouvelles idées ou pour se présenter à un nouveau public.<img src="https://cdn.pixabay.com/photo/2016/06/27/07/30/elvis-presley-1482026_1280.jpg" alt="Elvis Presley, La Musique, Rétro, Studio" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>Étapes pour Sortir un EP</h2><h3>1. Planification et Préparation</h3>Définir le ConceptLa première étape consiste à définir le concept ou le thème de votre EP. Quel message voulez-vous transmettre ? Quel son ou style voulez-vous explorer ? Cette réflexion initiale orientera l'écriture, la composition, et même la stratégie marketing que vous utiliserez plus tard.Établir un BudgetLa création d’un EP nécessite un investissement. Déterminez votre budget en incluant les coûts d'enregistrement, de mixage, de mastering, de création visuelle, et de promotion. Un budget bien planifié vous aidera à éviter les surprises et à garantir la qualité finale de votre projet.<h3>2. Écriture et Composition</h3>Créer les MorceauxCommencez par écrire et composer les morceaux qui figureront sur votre EP. Ces chansons doivent s'aligner avec le concept que vous avez défini. Assurez-vous de créer un ensemble cohérent et représentatif de votre univers musical.Révision et SélectionUne fois les morceaux créés, prenez le temps de les réviser et de sélectionner les plus forts. Cette étape est cruciale pour garantir la qualité de votre EP. Un choix judicieux des morceaux renforcera l'impact de votre campagne de promotion.<h3>3. Enregistrement</h3>Choisir un Studio ou un Home StudioDécidez où vous allez enregistrer votre EP. Si vous avez un budget conséquent, un studio professionnel offrira une qualité sonore supérieure. Cependant, un home studio peut être une alternative économique, surtout si vous possédez déjà un bon équipement.Travailler avec un ProducteurSi possible, collaborez avec un producteur pour affiner votre son. Un bon producteur peut apporter une expertise précieuse, aidant à réaliser votre vision artistique tout en optimisant chaque morceau pour le streaming et la promotion.<img src="https://images.unsplash.com/photo-1489641493513-ba4ee84ccea9?fm=jpg&amp;q=60&amp;w=3000&amp;ixlib=rb-4.0.3&amp;ixid=M3wxMjA3fDB8MHxzZWFyY2h8MTV8fEV4dGVuZGVkJTIwUGxheSUyMG11c2ljfGVufDB8fDB8fHww" alt="Micro à condensateur noir avec pied et casque" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>4. Mixage et Mastering</h3>Engager un Ingénieur de MixageLe mixage est une étape clé pour garantir que votre EP sonne bien sur tous les systèmes de lecture. Engagez un ingénieur de mixage professionnel ou apprenez à le faire vous-même si vous avez les compétences nécessaires.MasteringLe mastering est la touche finale de la production audio. Cette étape assure une uniformité sonore entre les morceaux et optimise la qualité sonore pour toutes les plateformes de streaming. Investir dans un bon mastering est crucial pour la réussite de votre EP.<h3>5. Création de la Pochette</h3>Design VisuelLa pochette de votre EP est la première chose que vos fans verront. Créez une pochette qui reflète l'identité visuelle et le concept de votre projet. Vous pouvez engager un graphiste ou utiliser des outils en ligne pour le faire vous-même. Une bonne pochette renforce votre stratégie marketing en attirant l’attention des auditeurs.<h3>6. Distribution</h3>Choisir une Plateforme de DistributionPour distribuer votre EP, utilisez des services comme TuneCore, CD Baby, ou DistroKid. Ces plateformes vous permettent de diffuser votre musique sur toutes les grandes plateformes de streaming, y compris Spotify, Apple Music, et Amazon Music. C’est un élément clé pour atteindre un large public.Fixer une Date de SortieChoisissez une date de sortie stratégique. Assurez-vous que toutes les étapes de production sont terminées avant cette date et que votre campagne de promotion est prête à être lancée.<article-banner></article-banner><h3>7. Promotion</h3>Stratégie de MarketingUne stratégie marketing efficace est essentielle pour assurer le succès de votre EP. Utilisez les réseaux sociaux, les newsletters, et les relations presse pour promouvoir votre musique. Planifiez des publications régulières, des teasers, et des exclusivités pour maintenir l'intérêt et l'engagement de vos fans.Dans la phase de promotion de votre EP, il est crucial de maximiser votre visibilité tout en ciblant précisément votre audience. C'est ici que Base for Music entre en jeu. Cette plateforme est spécialement conçue pour aider les artistes à promouvoir leurs sorties musicales de manière efficace et stratégique. En utilisant <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/fr">Base for Music</a>, vous pouvez diffuser vos morceaux directement auprès d'un public pertinent et engagé, tout en accédant à des outils d'analyse qui vous permettent d'évaluer l'impact de vos efforts promotionnels en temps réel. Que ce soit pour augmenter les écoutes en streaming, attirer l'attention des médias, ou mobiliser vos fans, Base for Music vous offre les moyens de maximiser la portée de votre EP, tout en restant autonome et en gardant le contrôle de votre campagne.Lancement et ÉvénementsOrganisez un événement de lancement pour célébrer la sortie de votre EP. Que ce soit un concert en direct, une écoute en ligne, ou une session live sur les réseaux sociaux, ces événements permettent de créer du buzz et d’interagir directement avec vos fans.<img src="https://img.freepik.com/free-photo/man-woman-making-music-medium-shot_23-2149199992.jpg?ga=GA1.1.877471211.1732705982&amp;semt=ais_hybrid" alt="Man and woman making music medium shot" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>8. Suivi et Engagement</h3>Analyse des PerformancesAprès la sortie de votre EP, il est important de suivre ses performances. Utilisez des outils d’analyse pour examiner les statistiques de streaming, les ventes, et les réactions des fans. Ces données vous aideront à ajuster vos futures campagnes de promotion.Engagement avec les FansContinuez à interagir avec votre public après la sortie. Répondez aux commentaires, remerciez vos fans, et partagez des contenus supplémentaires pour maintenir leur intérêt. Un engagement constant est essentiel pour bâtir une <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/fr">Base for music</a> solide et durable.<h2>Conclusion</h2>Sortir un EP est un processus exigeant mais extrêmement gratifiant. Chaque étape, de la planification à la promotion, joue un rôle crucial dans le succès de votre projet. En suivant ces étapes avec soin et en prêtant attention aux détails, les artistes peuvent créer un EP professionnel qui met en valeur leur talent et leur créativité. La patience, la stratégie, et l'engagement sont les clés pour transformer un simple projet en un succès dans l'industrie musicale.

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Quelles sont les étapes pour sortir un EP ?

<h1>How to Set Up and Promote Your Concert Ticketing?</h1>Organizing a concert is a key milestone in every artist’s career, but to make it a success, it's essential to properly manage ticketing and its promotion. In this article, we guide you through the crucial steps to effectively set up and promote your event ticketing. With tools like Base for Music, you can maximize your visibility and optimize your sales. <h2>1. Choose the Right Ticketing Platform</h2> Choosing the ticketing platform is the first step to a successful concert. You need to opt for a reliable solution that offers a good user experience and suits your audience. Some platforms, like Shotgun or Dice, offer customizable options such as early bird pricing or group offers. Also, ensure the platform allows seamless integration with your website or social media, making promotion easier.<h2></h2><h2>2. Use Base for Music to Optimize Concert Promotion</h2>Base for Music is a platform dedicated to artists that provides powerful marketing activation services, especially for promoting events like concerts. With tools such as smartlinks, you can direct your fans to specific ticketing pages and track their behavior in real-time. You can segment your audience to target your promotions more effectively, thereby boosting ticket sales.By using targeted campaigns via Base for Music, you can directly reach your most engaged fans, for instance, by sending personalized notifications about upcoming concert dates. Moreover, data collection will allow you to adjust your offers based on actual demand and your audience's preferences.<article-banner></article-banner><h2>3. Create an Effective Promotion Plan</h2>Once your ticketing is set up, it’s time to think about promotion. Music marketing plays a crucial role in the success of your concert. Here are some essential strategies:<h3>a. Social Media Announcements</h3>Social media platforms like Instagram, Facebook, or TikTok are essential for promoting your event. Create attractive visuals, share video teasers, and host live sessions to interact directly with your fans. Don’t forget to include smartlinks that lead directly to the ticketing page.<h3>b. Personalized Email Marketing</h3>Music marketing also relies on building a direct relationship with your fans. Use email campaigns to inform your fan base about concert dates, exclusive offers, or updates on ticket availability. Base for Music allows you to segment your fans and identify them to send personalized emails based on their location or musical preferences.<h3>c. Collaboration with Influencers and Media</h3>Collaborations with influencers or specialized media can amplify your concert’s reach. Identify content creators who cater to an audience similar to yours and propose collaborations. Whether it’s sponsored posts, contests, or interviews, this can attract a new audience and generate interest in your event.<h2>4. Maximize Conversion with Special Offers</h2>Another way to boost ticket sales for your concert is to use special offers or purchase incentives:<ul><li>Early Bird Pricing: Rewarding early buyers with discounted prices can create a sense of urgency and generate quick sales.</li><li>Group Offers: Offer discounted ticket bundles for groups or add limited-edition goodies (posters, t-shirts).</li><li>Contests and Giveaways: Organize social media contests to give away free tickets or VIP passes to a few lucky winners, while encouraging participants to share your event.</li></ul>These strategies help generate excitement around your event while increasing the number of tickets sold. <h2>5. Optimize Concert Day for a Successful Experience</h2>Promoting your concert doesn't stop once the tickets are sold. Providing an excellent experience on the day of the event is essential to retain your fans and encourage them to come back for future concerts. Clearly communicate the essential information (schedules, location, access rules) through the channels used during promotion, such as your website, social media, and emails.Additionally, create engaging moments during the concert (live sharing, crowd photos, thank-you messages) so that your fans talk about it on social media, drawing even more people to your upcoming events. <h2>Conclusion</h2>Setting up and promoting a concert ticketing system may seem complex, but with the right tools like Base for Music, you can not only simplify the process but also optimize your sales and maximize the impact of your promotion. By adopting a music marketing strategy based on data analysis and smart audience segmentation, you can make every concert a success, both for your fans and for your career.<article-banner></article-banner>

Steps to set up and promote ticketing for your event. 

How to Set Up and Promote Your Concert Ticketing?

<h1>Comment mettre en place et promouvoir ma billetterie pour un concert ?</h1>Organiser un concert est une étape clé dans la carrière de tout artiste, mais pour en faire un succès, il est essentiel de bien gérer la billetterie et sa promotion. Dans cet article, nous vous guidons à travers les étapes cruciales pour mettre en place et promouvoir efficacement la billetterie de votre événement.&nbsp;Grâce à des outils comme Base for Music, vous pouvez maximiser votre visibilité et optimiser vos ventes.<h2>1. Choisir la bonne plateforme de billetterie</h2>Le choix de la plateforme de billetterie est la première étape pour un concert réussi. Vous devez opter pour une solution fiable, qui offre une bonne expérience utilisateur et qui soit adaptée à votre public. Certaines plateformes, comme Shotgun ou Dice, proposent des options personnalisables comme les tarifs early bird ou les offres groupées. Vérifiez également que la plateforme permet une intégration fluide avec votre site internet ou vos réseaux sociaux, afin de faciliter la promotion.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXe8GbODOFB1QJkZlnsdjz9Qty_naHpZcejbfTywBdSF7aeRds2D_UcO2s40gKLYNtNyHB-GIcnQKkxru1kX0KPTnNe6o9Cy5gSpAjKu6qTpkI3TSyDRPcr1hwZRcqKuntOdbqiKQ94IdTf2L9vYwoXuBh6w?key=FiHdyGSfdYLAXznz6Fi6hQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>2. Utiliser Base for Music pour optimiser la promotion de votre concert</h2>Base for Music est une plateforme dédiée aux artistes qui offre des services d’activation marketing puissants, notamment pour promouvoir des événements comme des concerts. Avec des outils comme les smartlinks, vous pouvez diriger vos fans vers des pages spécifiques de billetterie et suivre leurs comportements en temps réel. Vous avez la possibilité de segmenter votre audience pour cibler plus efficacement vos promotions, et ainsi booster les ventes de billets.En utilisant des campagnes ciblées via Base for Music, vous pouvez toucher directement les fans les plus engagés, par exemple en envoyant des notifications personnalisées sur vos prochaines dates de concert. De plus, la collecte de données vous permettra d’ajuster vos offres en fonction de la demande réelle et des préférences de votre public.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXepVE1Ns_DM-ClWUBlXWVw4SjpwMW1u9K7jb2ivDquyGHh2rGDdj5zq5s__X0006si1saQj5_uKuROWoHS1xn_Yq45xoWGnbP4PtYwdM53t4Z1r_-SQlUd79O7-wvvBxosqCBrBbFI0hEYxF7yBAFXHl_pl?key=FiHdyGSfdYLAXznz6Fi6hQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>3. Créer un plan de promotion efficace</h2>Une fois la billetterie mise en place, il est temps de penser à sa promotion. Le marketing musical joue un rôle crucial dans le succès de votre concert. Voici quelques stratégies incontournables :<h3>a. Annonces sur les réseaux sociaux</h3>Les réseaux sociaux comme Instagram, Facebook ou TikTok sont des plateformes incontournables pour la promotion de votre événement. Créez des visuels attractifs, partagez des teasers vidéo, et faites des lives pour interagir directement avec vos fans. N’oubliez pas d’ajouter des smartlinks qui renvoient directement vers la page de billetterie.<h3>b. Email marketing personnalisé</h3>Le marketing musical repose également sur une relation directe avec vos fans. Utilisez des campagnes d'emailing pour informer votre base de fans des dates de concert, des offres exclusives, ou encore des mises à jour sur la disponibilité des billets. Base for Music vous permet de segmenter vos fans et de les identifier pour pouvoir envoyer des emails personnalisés selon leur localisation ou leurs préférences musicales.<h3>c. Collaboration avec des influenceurs et médias</h3>Les collaborations avec des influenceurs ou des médias spécialisés peuvent amplifier la portée de votre concert. Identifiez les créateurs de contenu qui s’adressent à une audience similaire à la vôtre et proposez des collaborations. Qu’il s’agisse de publications sponsorisées, de concours ou d’interviews, cela peut attirer une nouvelle audience et générer de l’intérêt pour votre événement.<h2>4. Maximiser la conversion avec des offres spéciales</h2>Une autre façon de booster les ventes de billets pour votre concert est d’utiliser des offres spéciales ou des incitations à l’achat :<ul><li>Tarifs early bird : Récompenser les premiers acheteurs avec des tarifs réduits peut créer un sentiment d’urgence et générer rapidement des ventes.</li><li>Offres groupées : Proposez des packs de billets à prix réduits pour les groupes ou ajoutez des goodies (affiches, t-shirts) en édition limitée.</li><li>Concours et tirages au sort : Organisez des concours sur les réseaux sociaux pour offrir des billets gratuits ou des passes VIP à quelques chanceux, tout en encourageant les participants à partager votre événement.</li></ul>Ces stratégies permettent de générer de l’engouement autour de votre événement tout en augmentant le nombre de billets vendus.<h2>5. Optimiser le jour du concert pour une expérience réussie</h2>La promotion de votre concert ne s'arrête pas lorsque les billets sont vendus. Offrir une excellente expérience le jour de l’événement est essentiel pour fidéliser vos fans et les inciter à revenir pour vos futurs concerts. Communiquez clairement les informations essentielles (horaires, emplacement, règles d'accès) via les canaux utilisés lors de la promotion, comme votre site, vos réseaux sociaux, et vos emails.De plus, n’oubliez pas de créer des moments engageants pendant le concert (partage en live, photos de la foule, remerciements), afin que vos fans en parlent sur les réseaux sociaux et attirent encore plus de monde à vos prochains événements.<h2>Conclusion</h2>La mise en place et la promotion d'une billetterie de concert peuvent sembler complexes, mais avec des outils adaptés comme Base for Music, vous pouvez non seulement simplifier le processus, mais aussi optimiser vos ventes et maximiser l’impact de votre promotion.&nbsp;En adoptant une stratégie de marketing musical basée sur l'analyse des données et une segmentation intelligente de votre audience, vous pouvez faire de chaque concert un événement réussi, à la fois pour vos fans et pour votre carrière.<article-banner></article-banner>

Les étapes pour mettre en place et promouvoir la billetterie de son événement

Comment mettre en place et promouvoir ma billetterie pour un concert ?

<h1>Establishing a Budget, Allocating, and Investing in Your Music Career</h1>In the music industry, solid financial management is just as crucial as creativity. For an artist, managing finances well can make the difference between a thriving career and a constant struggle to stay afloat. The music industry presents unique challenges, particularly due to fluctuating income and unpredictable expenses.This article will guide you through the essential steps to create a realistic budget, wisely allocate your resources, and make smart investments in your music career. <h2>1. Establishing a Realistic Budget</h2><h3>Evaluate Your Income</h3>The first step in establishing a solid budget is <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/4-music-revenue-streams-every-artist-needs-to-know?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">understanding your income sources</a>. For an artist, this includes concert fees, royalties from streaming, music sales, and additional income sources such as collaborations or merchandising. <h3>Identify Your Expenses</h3>Once you’ve assessed your income, it’s important to identify your expenses. These can be divided into two categories: fixed expenses, such as rent and insurance, and variable expenses, like music production, purchasing equipment, or promoting your work. Having a clear view of your costs will help you better anticipate and plan your budget.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXdAKTKr-N6ayhty5mg-GphpgtT00dp5VLR-KnVGn3WPXMqU4Gu1ZCp0iunUsrRiy7hnnM1Op4vahdkVtDd-HptwGdN1k9wNOCuvb1VX06t7FHRk2fbB-CMS_0K-BXB2fhTCx6O5PbLm-qFqEuKA1kQ5u_E?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>Create a Budget Plan</h3>An effective budget plan relies on using financial tracking tools, allowing you to monitor your cash flow. You can set short- and long-term financial goals, such as purchasing new instruments, planning a tour, or investing in a promotion campaign to increase your visibility with your fanbase. <h2>2. Wisely Allocating Your Resources</h2><h3>Invest in Your Art</h3><img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXcIf7DgYnwzvCeUaG4EuQ_y5KISlxlyTFdNZZJ0Q1azt09Czf3DobAIBRL2dAATLC6mNFQ1-q2d1Ogo3C15mact9l7U9Q1ZDbaMd9HP42HCoJM09Hanx0ETz_mXFqz_Oz6P1FktQfKQxGVRmj95yiRgkdST?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">Investing in your artistic development is crucial to ensure the longevity of your career. This includes continuing education, purchasing and maintaining quality musical equipment, and allocating resources for marketing and promotion. Effective and affordable promotion strategies, especially through social media and digital marketing, can help you maximize your reach and build a loyal fanbase.<article-banner></article-banner>You can use <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">Base for Music</a> to create your marketing campaigns. It's a simple and highly effective way to grow your fanbase and engage your super fans.<h3>Build a Team</h3>At a certain point in your career, hiring professionals to support you can be beneficial. A manager, booker, or agent can help handle the logistical and administrative aspects of your career, allowing you to focus on creating music. Strategic collaborations and partnerships are also effective ways to strengthen your presence in the music industry. <h2>3. Investing for the Future</h2><h3>Diversify Your Income Streams</h3>To secure your future, it's wise to diversify your income streams. In addition to concerts and music sales, explore opportunities like music synchronization for films or commercials, or even creating merchandise.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXfuuasr0PjYkUc2dvWIbtfDUOfVuyX8owL9M99ERVBhIIpJK-FmfZb67tTY45-ga9B-nrP962battjCsf-omd1rHa76tiS30uXTTmz11-xlh2gG7b3cUE_Vj-BIzYyl7V5CYnyY4841r4B5SAODLzRBu_Q?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>Plan Financially for the Long-Term</h3>Finally, consider long-term financial planning. Save a portion of your income, invest in artist-specific insurance, and properly manage your copyrights—these are crucial steps to ensure the stability of your career. Protecting your intellectual property and maximizing the revenue it generates are also important aspects not to overlook. <h2>Conclusion</h2>A successful music career requires a balance between creativity and sound financial management. By establishing a realistic budget, wisely allocating your resources, and investing in the right areas, you increase your chances of success in the music industry.Remember to continually adapt your financial strategy to market changes, and leverage available tools and resources, like those offered by <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">Base for Music</a>, to reach your goals.

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Establishing a Budget, Allocating, and Investing in Your Music Career

<h1>Établir un budget, répartir et investir pour sa carrière</h1>Dans le secteur musical, une gestion financière solide est aussi cruciale que la créativité elle-même. Pour un artiste, bien gérer ses finances peut faire la différence entre une carrière épanouie et une lutte constante pour joindre les deux bouts. En effet, l'industrie musicale présente des défis spécifiques, notamment en raison de la fluctuation des revenus et des dépenses imprévisibles.Cet article vous guide à travers les étapes essentielles pour établir un budget réaliste, répartir judicieusement vos ressources et investir intelligemment dans votre carrière musicale.<h2>1. Établir un budget réaliste</h2><h3>Évaluez vos revenus</h3>La première étape pour établir un budget solide est de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/4-music-revenue-streams-every-artist-needs-to-know?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">bien comprendre vos sources de revenus</a>. Pour un artiste, cela inclut les cachets de concerts, les royalties issues du streaming, les ventes de musique, ainsi que toute autre source complémentaire telle que les collaborations.<h3>Identifiez vos dépenses</h3>Une fois vos revenus évalués, il est important d'identifier vos dépenses. Celles-ci peuvent être divisées en deux catégories : les dépenses fixes, comme le loyer et les assurances, et les dépenses variables, liées à la production musicale, à l'achat de matériel, ou à la promotion de vos œuvres. En ayant une vision claire de vos coûts, vous pourrez mieux anticiper et planifier votre budget.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXdAKTKr-N6ayhty5mg-GphpgtT00dp5VLR-KnVGn3WPXMqU4Gu1ZCp0iunUsrRiy7hnnM1Op4vahdkVtDd-HptwGdN1k9wNOCuvb1VX06t7FHRk2fbB-CMS_0K-BXB2fhTCx6O5PbLm-qFqEuKA1kQ5u_E?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>Créez un plan budgétaire</h3>Un plan budgétaire efficace repose sur l'utilisation d'outils de suivi financier, qui vous permettent de garder un œil sur vos entrées et sorties d'argent. Vous pouvez définir des objectifs financiers à court et long terme, tels que l'achat de nouveaux instruments, la planification d'une tournée, ou encore l'investissement dans une campagne de promotion pour booster votre visibilité auprès de votre fanbase.<h2>2. Répartir judicieusement vos ressources</h2><h3>Investissez dans votre art</h3><img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXcIf7DgYnwzvCeUaG4EuQ_y5KISlxlyTFdNZZJ0Q1azt09Czf3DobAIBRL2dAATLC6mNFQ1-q2d1Ogo3C15mact9l7U9Q1ZDbaMd9HP42HCoJM09Hanx0ETz_mXFqz_Oz6P1FktQfKQxGVRmj95yiRgkdST?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">Investir dans votre développement artistique est essentiel pour assurer la pérennité de votre carrière. Cela inclut la formation continue, l'achat et l'entretien de matériel musical de qualité, et l'allocation de ressources pour le marketing et la promotion. Des stratégies de promotion efficaces et abordables, notamment via les réseaux sociaux et le marketing digital, peuvent vous aider à maximiser votre portée et à fidéliser vos auditeurs.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXeV-1dHNJDkGyk9Qy_unqc1IzBa4eQDGH78ixm3s8Ay_S3Pk8GOUPfC34mrUmFquaKytb11whp8W9CQMe-NdFbQN9NWuZFFMlY539GzGyQof1CaKqXxbL6NSe0yJu6Hyd5dSBuRQeZyiloag8kU0Z_KLpE_?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">Vous pouvez utiliser <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/en?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">Base for Music</a> pour créer vos campagnes marketing. C’est simple et très efficace pour développer votre fanbase et engager vos super fans.<h3>Constituez une équipe</h3>À un certain stade de votre carrière, il peut être bénéfique d'engager des professionnels pour vous soutenir. Un manager, un booker, ou un agent peuvent vous aider à gérer les aspects logistiques et administratifs de votre carrière, vous permettant ainsi de vous concentrer sur la création musicale. Les collaborations et partenariats stratégiques sont également des moyens efficaces de renforcer votre présence dans le secteur musical.<h2>3. Investir pour l'avenir</h2><h3>Diversifiez vos sources de revenus</h3>Pour sécuriser votre avenir, il est sage de diversifier vos sources de revenus. En plus des concerts et des ventes de musique, explorez des opportunités comme la synchronisation musicale pour des films ou des publicités, ou encore la création de produits dérivés.<img src="https://lh7-rt.googleusercontent.com/docsz/AD_4nXfuuasr0PjYkUc2dvWIbtfDUOfVuyX8owL9M99ERVBhIIpJK-FmfZb67tTY45-ga9B-nrP962battjCsf-omd1rHa76tiS30uXTTmz11-xlh2gG7b3cUE_Vj-BIzYyl7V5CYnyY4841r4B5SAODLzRBu_Q?key=96vEXnnFJlS2IRsD9CSWPQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h3>Planifiez financièrement à long terme</h3>Enfin, pensez à planifier pour le long terme. Épargner une partie de vos revenus, investir dans des assurances spécifiques aux artistes, et gérer correctement vos droits d'auteur sont des étapes cruciales pour assurer la stabilité de votre carrière. Protéger votre propriété intellectuelle et maximiser les revenus qui en découlent sont également des aspects essentiels à ne pas négliger.<h2>Conclusion</h2>Une carrière musicale réussie nécessite un équilibre entre créativité et gestion financière rigoureuse. En établissant un budget réaliste, en répartissant judicieusement vos ressources, et en investissant dans les bons domaines, vous augmentez vos chances de succès dans l'industrie musicale. N'oubliez pas de continuellement adapter votre stratégie financière aux évolutions du marché, et de tirer parti des outils et ressources disponibles, comme ceux offerts par <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.baseformusic.com/en?utm_source=blog&amp;utm_medium=article&amp;utm_campaign=budget_music_career">Base for Music</a>, pour atteindre vos objectifs.

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Établir un budget, répartir et investir pour sa carrière

Navigating the challenging path to recognition in the music industry's digital landscape poses formidable obstacles for aspiring artists. Amidst the dominance of streaming platforms, establishing oneself as an independent artist can appear insurmountable. However, there exists a compelling avenue not only to cultivate dedicated fans but also to augment earnings while providing enthusiasts with a tangible artifact: vinyl records. In this discourse, we explore the significance of pressing vinyl records for independent artists and understand how Diggers Factory furnishes an ideal solution. We had the opportunity to interview Remedy Motel, one of the many artists who have worked with <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, to gain insights into their experience.<img src="https://lh7-us.googleusercontent.com/hr9RNDrxOQVaBVFHfU4DfJLxtAMEGtRlfS09mknPAa9KNBNWaTHRmc1YAe7HKc-ZAZUseKsB99e1IF6ysLU37ZxAKr8ftyyJs3b_kizc3RHCPHhAevSwJMiyZ04k0Yb7tfRSh2kMSGPPLQWpNvxFiQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>PRESS YOUR RECORDS WITH DIGGERS FACTORY</h2><h3>The resurgence of vinyl : Forging a kinetic bon with audiences</h3>Vinyl records offer a distinctive and palpable link between creators and their followers in an age where music predominantly assumes an intangible form. Remedy Motel expressed their desire for a vinyl record of their own music as a significant revival and milestone for their band.<blockquote>"We always wanted to have a vinyl record of my own music. We decided to record our 5th record nearly 16 years after we released our 4th record on CD. We wanted to do something special and printing a few vinyl copies to commemorate our return to music felt appropriate and right to us."- Remedy Motel</blockquote><h3>The hurdles confronting independent artists</h3>Despite the allure of vinyl records, the conventional process of pressing them has long been ensnared in complexity and exorbitance, dissuading many independent musicians. Remedy Motel highlighted the relief they found in <a rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, stating :<blockquote>"We researched a lot of vinyl record houses and production outfits, and simply put Diggers Factory just seemed like the best option out there."- Remedy Motel</blockquote>They further emphasized the importance of Diggers Factory's approach - "The pricing model seemed fair and comprehensive. We LOVED the Pre-sale model and landing page approach to reduce our own initial out-of-pocket expense."<h3>How Diggers Factory empowers independent artiste ?</h3><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> operates on a crowdfunding paradigm, enabling artists to gauge demand prior to committing to production. Remedy Motel praised Diggers Factory's presale approach, emphasizing its role in kick-starting their project quickly and efficiently. - "The big one from the outset was the landing page and presale approach. From the start that really helped us to kick things off quickly."<img src="https://lh7-us.googleusercontent.com/A0FF97zTBllqX61sjinnOebYbDkagMmvMkp6Sjewmg2J-UtCrQT_dVJq5ML4NJvWRcoB2uMxRGyHKWX58YsR0bJImfbikYZi08vS2XTfqHuvJ8CSxbMj0RvFpGs0aHzLwBLX76ibMrsxb-4V7N8Eqg" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">Additionally, they lauded the support received throughout the process, mentioning - "The fulfillment of orders was critical for us as well. Digger’s handled that perfectly and provided updates to customers between order date and shipping date to head off any confusion or complaints around timing or long production cycles."Indeed, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> is a platform that empowers independent artists to produce vinyl records with ease, making it accessible to musicians who might have once considered it out of reach.Here's how it works:<ul><li>Crowdfunding Vinyl Production: Diggers Factory utilizes a crowdfunding model, allowing artists to gauge demand before committing to production. By setting a pre-order goal (starting at just 100 copies), artists can fund their vinyl project without any upfront costs. This means zero financial risk.</li><li>Comprehensive Support: Diggers Factory doesn't just stop at crowdfunding. They offer comprehensive support throughout the entire production and distribution process. This includes access to production facilities, logistics, distribution networks, mastering studios, graphic design services, and more.</li><li>Limited-Edition Releases: In addition to standard vinyl production, Diggers Factory specializes in creating limited-edition vinyl releases. These exclusive editions with unique designs and carefully curated tracks add an extra layer of appeal for fans and collectors.</li></ul><blockquote>“ They are meticulous and hold all of their attention to the smallest details of our production. We didn’t always know what we should be looking for when reviewing files, and they did. They held our hand whenever we needed them to and they never showed anything but professionalism and patience with us when we had concerns or questions.”- Remedy Motel</blockquote><h3>Amplifying revenue for independent artists</h3>Vinyl records present a substantial revenue surge for independent artists, with enthusiasts willing to pay a premium for physical renditions of beloved music. By leveraging <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> for vinyl production, artists can tap into this market, generating income that can be reinvested into their musical endeavors.<h3>IN CONCLUSION</h3>The aspiration of independent artists to immortalize their music on vinyl records is no longer a distant prospect. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> has revolutionized the process, rendering it accessible, risk-mitigated, and financially lucrative. It epitomizes a symbiotic arrangement: artists cultivate devoted fans, tangible mementos are engendered, and revenue streams are diversified.Thus, if you're an independent artist striving to elevate your musical oeuvre and proffer your supporters with something truly extraordinary, contemplate pressing vinyl records through Diggers Factory. It represents the gateway to a realm of possibilities, forging an intimate connection between your music and the hearts of your aficionados.Thanks to our partnership with <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, benefit from a 10% discount on your production costs, with the promo code: BASE10Digger your own limited-edition vinyl !

Discover how Diggers Factory helps forge a unique connection with audiences

Why press your records with Diggers Factory ?

Pour les artistes indépendants, le chemin vers la reconnaissance peut être une bataille difficile. À l'ère numérique, où les plateformes de streaming règnent sur l'industrie musicale, se faire un nom en tant qu'artiste indépendant peut être un défi. Mais si nous vous disions qu'il existe un moyen non seulement de gagner des fans fidèles, mais aussi d'augmenter vos revenus tout en offrant à vos supporters quelque chose de tangible à conserver ? Bienvenue dans le monde des vinyles. Dans cet article, nous allons explorer l'importance de presser des vinyles pour les artistes indépendants et comprenons comment <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> propose une solution idéale. Nous avons eu l'opportunité d'interviewer Remedy Motel, l'un des nombreux groupes ayant travaillé avec Diggers Factory, pour obtenir des insights sur leur expérience.<img src="https://lh7-us.googleusercontent.com/86a5pDVQqYfmSqdGvyy2pf45BlNemp0Xwm2w6BYoTShPYXxVKufaybd9pmya6Ycu3wQRUP4TCSbvSwksjJA0mz_JAOXB33GVRCbEP3SjYIeO2yOVmDMpffOsVQjqUCLz-ZnD_50gmfiSjlxMeApzuQ" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%"><h2>PRESSER VOS DISQUES AVEC DIGGERS FACTORY</h2><h3>La résurgence du vinyle : Forger une connexion avec le public</h3>Les vinyles offrent un lien distinctif et palpable entre les artistes et leurs fans à une époque où la musique assume principalement une forme intangible. Remedy Motel ont exprimé leur désir de produire un vinyle de leur musique comme un regain significatif et une étape importante pour leur groupe.<blockquote>"On a toujours voulu sortir un vinyle de notre propre musique. On a décidé d'enregistrer notre 5e projet près de 16 ans après avoir sorti notre 4e album en CD. On voulait faire quelque chose de spécial et presser quelques vinyles pour fêter notre retour dans la musique nous semblait approprié et juste."-Remedy Motel</blockquote><h3>Les obstacles auxquels sont confrontés les artistes indépendants</h3>Malgré l'attrait des vinyles, le processus classique de pressage a longtemps été entouré par la complexité et les coûts que cela entraîne, décourageant de nombreux musiciens indépendants. Remedy Motel a souligné le soulagement qu'ils ont trouvé chez <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, déclarant :<blockquote>"Nous avons beaucoup cherché parmi les labels vinyles et les fabricants, et pour être clair, Diggers Factory semblait simplement être la meilleure option disponible."-Remedy Motel</blockquote>Ils ont également souligné l'importance de l'approche de Diggers Factory - "Le modèle de tarification semblait équitable et complet. Nous avons ADORÉ le modèle de précommandes et la page projet pour réduire nos dépenses initiales." <h3>Comment Diggers Factory aide les artistes indépendants ?</h3><a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> fonctionne sur un système de financement participatif, permettant aux artistes de mesurer la demande avant de s'engager dans la production. Remedy Motel a salué l'approche de précommandes de Diggers Factory, soulignant son rôle dans le lancement rapide et efficace de leur projet - "Le plus important pour nous dès le départ,&nbsp; c’était l’outil de création de projet et la précommande. Cela nous a vraiment aidé à démarrer rapidement, dès le début." <img src="https://lh7-us.googleusercontent.com/OSPMcpsFYM1dVR3sa5Lcsi6B76SWounAtu6EOjbhOwweK1I6k0O-Z8rW745p11vpKMeKOW6fRkMgFmanlnlD2kXkuazJgtDZs-93c0QXC6Q-eSodAmA_i5_R69IGJ00LiUc39DpiAo4txt1seEMdqg" style="display: block;margin: auto; height: auto;max-width: 80%">De plus, ils ont relevé l’accompagnement tout au long du processus - "Le traitement des commandes était important pour nous. Diggers a parfaitement géré cela et a fourni des mises à jour aux clients entre la date de commande et la date d'expédition pour éviter toute confusion ou réclamation concernant le timing ou les longs cycles de production."En effet, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> est une plateforme qui donne la possibilité aux artistes indépendants de produire des vinyles facilement, rendant cela accessible aux musiciens qui auraient pu le considérer comme hors de portée.Voici comment cela fonctionne :<ul><li>Production de vinyles par financement participatif : Diggers Factory utilise un modèle de financement participatif, permettant aux artistes de mesurer la demande avant de s'engager dans la production. En fixant un objectif de pré-commande (à partir de seulement 100 exemplaires), les artistes peuvent financer leur projet vinyle sans aucun coût initial. Cela signifie aucun risque financier.</li><li>Support complet : Diggers Factory ne s'arrête pas seulement au financement participatif. Ils offrent un soutien complet tout au long du processus de production et de distribution. Cela comprend l'accès à des usines de production, des réseaux logistiques, des studios de mastering, des services de conception graphique, et plus encore.</li><li>Éditions limitées : En plus de la production de vinyles standard, Diggers Factory se spécialise dans la création d'éditions vinyles limitées. Ces éditions exclusives avec des designs uniques et des pistes soigneusement sélectionnées ajoutent une couche supplémentaire d'attrait pour les fans et les collectionneurs.</li></ul><blockquote>"Ils sont méticuleux et accordent toute leur attention aux moindres détails de notre production. Nous ne savions pas toujours ce que nous devions rechercher en examinant les fichiers, et eux oui. Ils nous ont toujours accompagné chaque fois que nous en avions besoin et ils n'ont jamais montré autre chose que du professionnalisme et de la patience avec nous pour toutes nos préoccupations ou questions."-Remedy Motel</blockquote><h3>Augmenter les revenus pour les artistes indépendants</h3>Les vinyles représentent une hausse substantielle des revenus pour les artistes indépendants, les fans étant prêts à payer un supplément pour des supports physiques de la musique qu'ils adorent. En utilisant <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> pour la production de vinyles, les artistes peuvent exploiter ce marché, générant des revenus qui peuvent être réinvestis dans leurs projets musicaux. <h3>EN CONCLUSION</h3>L'aspiration des artistes indépendants à immortaliser leur musique sur vinyle n'est plus une perspective lointaine. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a> a révolutionné le processus, le rendant accessible, atténuant les risques et financièrement lucratif. Cela génère un cercle vertueux : les artistes cultivent des fans dévoués, des souvenirs tangibles sont produits, et les revenus sont diversifiés.Alors, si vous êtes un artiste indépendant cherchant à élever votre musique et à offrir à vos fans quelque chose d’extraordinaire, envisagez de presser des vinyles via Diggers Factory. C’est une porte d'entrée vers un monde de possibilités, forgeant un lien intime entre votre musique et les cœurs de vos aficionados !Grâce à notre partenariat avec <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.diggersfactory.com/fr/pressing?utm_source=referral&amp;utm_medium=netlinking&amp;utm_campaign=2023_Base_for_Music&amp;ori=NET24">Diggers Factory</a>, bénéficiez d'une réduction de 10% sur vos frais de production, avec le code promo : BASE10Digger votre propre vinyle en édition limitée !

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Pourquoi presser vos disques avec Diggers Factory ?

<h1>Clément Souchier, a songwriter turned music industry entrepreneur</h1>Clément Souchier is the founder of <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.creaminal.com/">Creaminal</a>, an independent image music agency (which he has since sold to <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.alter-k.com/">Alter K Music Group</a>) that finds existing music and produces original music for image professionals. Before that, he used to provide his own music for films and adverts as a songwriter and composer. With the creation of Creaminal, his aim was to bring together independent artists and labels to offer their talents on films, commercials and video games. "We wanted to create something to compete with the majors, an alternative. The initiative was very well received. At the start, it was mainly about representing artists, and little by little these artists got their own labels."<h2>How does music synchronisation work?</h2><h3>There are three types of synchronisation: </h3><ul><li>Fiction: First of all, the subject of the film means that a track has more or less synchronisation potential. It's the subject, the place and the time of the film that determine what we're looking for... I don't look for the same music depending on whether the action takes place in Romania in the 80s or in the US today. Then there has to be a certain uniqueness, otherwise the producer and director will prefer to buy music straight from the bookshop. What's more, if the music has a secondary or accompanying role, the image professional will turn to a less expensive title. On the other hand, if the music has a major role, for example in the end credits or in a cult scene, it makes sense to use a commercial title that adds meaning and/or impact to the sequence.</li><li>Advertising: "What often works in advertising are tracks that can exacerbate the emotion being sought and/or the target audience. Music in an advertising format, i.e. a rather short one, will act as a catalyst, a highlighter, to reveal and support what the advertiser and his agency are trying to say". Families of music based on emotions have a greater potential for synchronisation: feminine, empowering, positive, unifying, modern, powerful, badass, assertive. These are known in the industry as tracks with strong synchro potential or "Sync Friendly" tracks. "Tracks that are more hybrid in terms of the emotions they evoke are often more difficult to use, because we prefer something that is more clear-cut, with a more exacerbated emotion. It should also be noted that you can look for emotion, but not necessarily sadness, and that explicit lyrics are very rare. What we do like to do, though, and at the risk of it sounding contradictory, is to place tracks that don't seem particularly suited to synchro and for which there's a magic that happens between the advert and the track; and these are generally award-winners." But to achieve this, you also need the client to be on board, because it often represents a greater risk. And when it comes to risk, it's not uncommon for customers to prefer either to buy well-known, stale titles - even if it means paying a lot of money for them - or cheap bookstore titles... But in my opinion, neither of these are likely to make a real difference to a campaign... Well-known titles tend to overwhelm films - in the sense that the title will attract all the attention to the detriment of the brand - and bookstore titles tend to make them bland. In my opinion, only singular titles that are not yet ultra-famous can make a brand shine, so we'll say "this brand's music is too good".</li><li>Video games: "In-game music is something that has been thwarted by complex negotiations between game publishers and collective management societies (such as SACEM). French composers have been completely sidelined by video game studios, with a few exceptions. Today, there are very few French composers for video games, because the gaming studios want to be able to buy the rights on a buy-out basis (= buy everything and pay no proportional remuneration), whereas the French vision of authors' rights, which I defend, is to have a non-transferability of your rights, i.e. to be paid on each copy sold, whereas the Anglo-Saxons just want to give you a 'flat-fee'. It took us years to find a system that worked in France. It's mainly used for original music created especially for the company, because video game studios want to own the music. On the other hand, on a synchronisation, there can easily be French artists."</li></ul> "My favourite project to work on was clearly the feature film La Tortue Rouge, produced by Studios Ghibli, with original music by composer Laurent Perez del Mar. It was a really special experience - it was a film without words, so the music played both the role of accompaniment, but also almost a dialogue role."<h3>The main problem with music synchronisers</h3>At Creaminal, Clément very quickly came up against the problem of the lack of tools in the industry for managing large catalogs. "I'd been hoping for a long time that a tool would come along. But when I didn't see anyone doing it, I created an in-house tool to receive, store and share music easily, with a major music description feature to make it easier to search for and find the right music to offer." This tool began to generate quite a bit of interest from artists and labels, but also from other players in the music industry. It was at this precise moment that the idea of Bridge Audio emerged, a tool that could be just as useful for composers/artists, whether pro or amateur, as it could be for players in the music industry (music synchronisation agencies, media, labels, artists, etc.). He therefore decided to sell Creaminal to AlterK and create this new company: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://bridge.audio">bridge.audio</a>.<h2>The creation of <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://Bridge.audio">Bridge.audio</a>, the first audio cloud</h2>"It's like Google Drive having a baby with Spotify". The tool responds to issues specific to the audio industry, such as allowing only streaming or downloading on a shared track, the ability to add all the metadata to files and an AI description of each track (musically, stylistically, emotionally, structurally, type of voice, etc). In two words, productivity and discoverability. To be able to store files, have all the information linked to the tracks and make it easy to find them. "We chose to offer a free version to make it as easy to adopt as wetransfer or soundcloud". <h3>A word about the future of <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://Bridge.audio">Bridge.audio</a></h3>"On Bridge, we've set up Workspaces for working alone or as part of a team: assets are stored, and you share them with others for synchronisation, promotion, A&amp;R, exchanges with artists, etc. The tool is used by composers, artists and all those around them (labels, publishers, tour managers, PR, etc.), as well as by companies who want to share their work with others. The tool is used by composers, artists and their entourage (labels, publishers, tour operators, managers, PR, etc.), as well as by companies that 'consume' music, such as Chanel and TBWA, and by music supervisors. In the middle of all this, we're going to create marketplaces, called HUBs, the first of which is dedicated to Synchronisation: the Synch Hub. As a rights holder, you'll be able to decide to put all or some of your tracks on this Hub, and music labels and supervisors will be invited to join the Hub to search for a specific track, using our AI. We've just launched this service, and we've already got over 60 labels/publishers offering their catalogs and over thirty buyers. The prospects for development are very exciting As far as future developments on Bridge are concerned, we're going to continue to improve the user experience and add new functions to both the workspaces and the HUB. We reckon that we've only made 30% of the final product, and future developments include the effort to make our music more discoverable and to add a mobile version. Don't hesitate to join the tens of thousands of users who have already joined us.

Check out this interview with Clément Souchier, founder of Creaminal (music synchronisation agency) and Bridge.audio (cloud audio)

Music synchronisation: Interview with Clément Souchier, founder of Bridge.audio & Creaminal

<h2>Clément Souchier, un auteur-compositeur devenu entrepreneur dans l'industrie musicale&nbsp;</h2>Clément Souchier est le fondateur de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.creaminal.com/">Creaminal</a>, l’agence indépendante de musique à l’image (qu’il a vendu depuis à <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.alter-k.com/">Alter K Music Group</a>) qui trouve des musiques existantes et produit des musiques originales pour les professionnels de l’image. Avant cela, il proposait lui-même sa musique pour des films &amp; publicités en tant qu'auteur-compositeur. Avec la création de Creaminal, son objectif était de fédérer des artistes et des labels indépendants pour proposer leurs talents sur des films, des pubs, des jeux vidéos. “On voulait créer une offre concurrente aux majors, une alternative. L'initiative a été très bien reçue. Au départ, c'était surtout de la représentation d’artistes et petit à petit ces artistes ont eu des labels.”&nbsp; <h2>Comment fonctionne la synchronisation musicale ?</h2><h3>On distingue trois familles dans la synchronisation :&nbsp;</h3><ul><li>Fiction : Tout d'abord, le sujet du film fait qu’un titre a plus ou moins de potentiel de synchronisation dessus. C’est en effet le sujet, le lieu et l’époque du film qui déterminent ce qu’on recherche… Je ne cherche pas la même musique selon que l’action du film se déroule en Roumanie dans les années 80 ou aux US aujourd’hui. Ensuite, il doit y avoir une certaine singularité, sinon la prod et le réal préféreront acheter directement de la musique de librairie. De plus, si la musique a un rôle secondaire, ou d'accompagnement, le professionnel de l'image va se tourner vers un titre moins cher. En revanche, si la musique a un rôle majeur, par exemple avec le générique de fin ou sur une scène culte, il fait sens d’utiliser un titre du commerce qui apporte une signification et/ou un impact supplémentaire à la séquence. </li><li>Publicité : "Ce qui va souvent marcher en publicité, ce sont des titres qui peuvent exacerber l’émotion recherchée et/ou le public visé. Une musique sur un format publicitaire, donc plutôt court, va jouer un rôle de catalyseur, de surligneur, pour révéler et appuyer ce que l’annonceur et son agence&nbsp; cherchent à dire”. Les familles de musique basées sur des émotions ont un plus fort potentiel de synchronisation : féminine, enpowerment, positive, fédératrice, moderne, puissante, badass, revendiqué. On parle dans le milieu de titre à fort potentiel Synchro ou de titres “Sync Friendly”. “Les titres qui sont plutôt hybrides dans les émotions qu’ils évoquent sont souvent plus difficiles à utiliser, car on préfèrera quelque chose de plus tranché, avec une émotion plus exacerbée”. "Il faut aussi noter qu'on peut chercher l’émotion, mais pas nécessairement la tristesse, et que les explicit lyrics sont très rares". “Ce qu’on aime bien pourtant , et au risque que ça puisse sembler contradictoire, c'est placer des titres qui ne semblent pas spécialement adaptés à la synchro et pour lesquels il y a une magie qui s’opère entre la publicité et le titre ; et là généralement ce sont des awards-winners. Mais pour y parvenir, il faut aussi que le client soit partant, car cela représente souvent un plus grand risque. Et en matière de risque, il n’est pas rare que les clients préfèrent soit acheter des titres connus et éculés - quitte à les payer très cher - ou des titres de librairie pas chers… Alors qu’à mon sens, ni l’un, ni l’autre ne sont propices à faire véritablement la différence sur une campagne… Les titres connus ont tendance à phagocyter les films - dans le sens où le titre va attirer toute l’attention au détriment de la marque - et les titres de librairie à les rendre fades. Seul, à mon sens, les titres singuliers et pas encore ultra connus peuvent faire briller la marque, on dira alors “trop bien la musique de telle marque”.&nbsp; </li><li>Jeux vidéos : “La musique “in-game” (dans le jeu), c’est quelque chose qui a été contrarié par des négociations complexes entre éditeurs de jeux et société des gestions collectives (comme la SACEM). Les compositeurs français ont été complètement écartés par les studios de jeux vidéos, à quelques exceptions près. Aujourd’hui, il y a très peu de français qui composent pour les jeux vidéos, car les studios gaming ont envie de pouvoir acheter les droits sur le principe de buy-out (= acheter tout et ne pas payer de rémunération proportionnelle), là où la vision des droits d’auteurs à la française, que je défends, c’est d’avoir une incessibilité de tes droits, c'est-à-dire d’être payé sur chaque exemplaire vendu, tandis que les Anglo-Saxons veulent juste te filer un “flat-fee”. On a mis des années à trouver un système qui marche en France. C’est surtout présent sur les musiques originales créées spécialement pour l’entreprise, car les studios de jeux vidéos veulent être propriétaire de la musique. En revanche, sur une synchronisation, il peut facilement y avoir des artistes français."&nbsp; </li></ul>"Le projet sur lequel j’ai préféré travailler, c’est clairement le long métrage La Tortue Rouge, film produit par les studios Ghibli, avec de la musique originale du compositeur Laurent Perez del Mar. C’était vraiment une expérience à part , c’était un film sans parole, donc la musique jouait à la fois le rôle d’accompagnement, mais aussi presque un rôle de dialogue."&nbsp; <h3>La principale problématique des synchroniseurs musicaux</h3>Au sein de Creaminal, Clément s’est très vite heurté à la problématique de&nbsp; l’absence d’outils dans l’industrie pour gérer des grands catalogues. “J’ai longtemps espéré qu’un outil verrait le jour. Mais, ne voyant personne le faire, j’ai créé un outil interne pour recevoir, stocker et partager de la musique facilement, avec une fonctionnalité majeure de description de la musique pour plus facilement chercher et trouver les bonnes musiques à proposer.” Cet outil a commencé à susciter pas mal d’intérêts auprès d’artistes et de labels, mais aussi auprès d'autres acteurs de l'industrie musicale. C’est à ce moment précis que l’idée de Bridge audio a émergée, un outil qui pouvait aussi bien trouver son utilité pour les compositeurs/artistes, qu’ils soient pro ou amateurs, que pour les acteurs de l’industrie musicale (Agence de synchronisation musicale, médias, labels, artistes, etc). Il a donc pris la décision de vendre Creaminal à AlterK et de créer cette nouvelle société : <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://bridge.audio">bridge.audio</a>.&nbsp;<h2>La création de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://Bridge.audio">Bridge.audio</a>, le premier cloud audio&nbsp;</h2>“Google drive qui aurait fait un bébé avec Spotify”. L’outil répond à des problématiques spécifiques aux métiers de l’audio, comme d’autoriser uniquement le streaming ou le download sur une track partagée, le fait de pouvoir ajouter toutes les métadatas aux fichiers ainsi qu’une description par IA de chaque morceau (musicalement, stylistiquement, émotions, structures, type de voix etc). En deux mots, productivité et “découvrabilité”. Pouvoir stocker des fichiers, avoir toutes les informations liés aux titres et permettre de le retrouver facilement. “On a fait le choix de proposer une version gratuite pour que ce soit aussi simple à adopter qu’un wetransfer ou un soundcloud”&nbsp; <h3>Un mot sur le futur de <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="http://Bridge.audio">Bridge.audio</a>&nbsp;</h3>“Sur Bridge, on a mis en place les Workspaces pour travailler seul ou en équipe : des assets sont stockés et tu les partages avec d’autres à des fins de synchronisation, de promotion, d’A&amp;R, d’échange avec des artistes etc. L'outil est aussi bien utilisé par des compo, artistes) que tout leur entourage (labels, éditeurs, tourneurs, managers, PR…), mais aussi par des entreprises qui “consomme” de la musique comme Chanel ou TBWA, ainsi que par des superviseurs musicaux. Au milieu de tout ça, nous allons créer des places de marché, que l’on appelle les HUB et dont le premier est consacré à la Synchronisation : le Hub Synch. En tant qu’ayant droit tu vas pouvoir décider de mettre tout ou une partie de tes titres sur ce Hub, et les marques &amp; superviseurs musicaux vont être invités à venir rejoindre le Hub pour chercher, grâce à notre IA, un titre spécifique. Nous venons de lancer ce service, avec déjà plus de 60 labels / éditeurs qui proposent leur catalogue et plus d’une trentaine d’acheteurs. Les perspectives de développement sont super enthousiasmantes Pour ce qui est des développements à venir sur Bridge : on va continuer d’améliorer l’expérience utilisateur et de nouvelles fonctionnalités tant sur les workspaces que sur le HUB. On considère qu’on a fait seulement 30% du produit final et parmi les évolutions à venir, il y a cet effort sur la découvrabilité, rendre sa musique plus facile à découvrir et d'ajouter une version mobile. N’hésitez pas à rejoindre les dizaines de milliers d’utilisateurs qui nous ont déjà rejoint.

Découvrez cet interview de Clément Souchier, créateur de Creaminal (agence de synchronisation musicale) et Bridge.audio (cloud audio)

La synchronisation musicale : Entretien avec Clément Souchier, fondateur de Bridge.audio & Creaminal

Continuation of our Tips from insiders series. Following <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/how-can-you-spot-fake-playlists">our interview with the creator of Isitagoodplaylist</a>, a site that helps identify fraudulent playlists, we decided to ask Tristan Schindler our questions about the collaboration between brand and artist.<h2>Tristan Schindler, founder of Xanadu Creative Services</h2>"I've held various positions over the last 15 years. Management at Etendard Management, development of synchronisation and brand relations at Wagram and Beggars, and finally I joined Universal Music France's in-house agency, A&amp;R Agency, which later became A&amp;R Studios. These experiences led me to develop my own structure, Xanadu Creative Services, which provides a wide range of services."The role of Xanadu Creative Services is divided into two major activities. Firstly, to serve and support artists in their careers. The industry is both fast-moving and increasingly demanding of artists. Artists are being asked to be communicators, social network experts, artistic directors, content producers and so on. My second activity is to help companies integrate music into their business model, or strengthen their presence in the current ecosystem."<h2>His advice for developing artists</h2>"You need to have a holistic vision of your career and your project. What is the message? How is it conveyed? By what means? You have to answer all these questions if you want your music to resonate today.""Developing your project takes time. The fantasy that your music will be put online and generate millions of streams on its own has to be put to rest. You have to multiply the exposure of your music and develop your community: content, concerts, marketing, featurings, community exchange, creative operations, etc. With or without a budget, you need a lot of willpower and perseverance." <h3>"Artists need to be aware that music alone is no longer enough" </h3>"Musical branding is neither subsequent nor exogenous to the development of an artistic project. On the contrary, it precedes and is endogenous. A musical project without branding will find it hard to emerge from the shadows and the heap of tracks released every day on streaming platforms."<h2>The different types of collaboration between an artist and a brand</h2><ul><li>Product placement : Product placement in a video clip or at a release party, where a brand is associated with an artist's project in return for a financial contribution.</li><li>Private concerts : These are non-ticketed concerts where the artist is paid by the brand to perform at an event organised by the brand itself.</li><li>Brand content : These are the most common operations, where a brand calls on an artist to create content around a product.</li><li>Collaborative collections : This is when a brand teams up with an artist to create a collection or a product. These operations often take the form of merchandising and the artists can earn royalties on sales.</li><li>Endorsement : the brand decides to invest in an artist over a longer period (usually a year) to promote its products and message. In these endorsement deals, the artist can multiply the number of operations with the brand: in-store displays, private concerts, brand content, etc.</li></ul><h2>The rules for a successful collaboration with a brand</h2><ul><li>Correspondence between the brand's target clientele and the artist's fanbase</li><li>Shared values between the brand and the artist</li><li>Involvement and loyalty of the artist's community</li></ul><h2>His predictions on future upheavals in the music industry</h2>The music industry is in a state of flux. For example, a few months ago we carried out a study for the CNM, which is already out of date. It would be hard to predict the market over the next five years.However, we can see that the streaming model, which accounts for around 70% of the industry, is in the throes of change (the proliferation of artist-centric agreements, for example) and is subject to ongoing regulation (on its rates, for example). These changes will have a major impact on the industry.We are also seeing A.I. develop at breakneck speed, and we are in the midst of a post-industrial revolution: we need to prepare ourselves to see operational tasks gradually disappear, now that repetitive tasks have all but disappeared.

Find out what a music industry professional has to say about the collaboration between brand and artist

Why Musical Branding Matters: An Interview with Xanadu Creative Services' Founder

Suite de notre série d'article Tips from insiders. Après <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/how-can-you-spot-fake-playlists">l'interview du créateur de Isitagoodplaylist</a>, un site qui permet d'identifier les playlists frauduleuses, on a décidé de poser nos questions à Tristan Schindler sur la collaboration entre marque et artiste.<h2>Tristan Schindler, fondateur de Xanadu Creative Services</h2>"J’ai occupé divers postes ces 15 dernières années. Du management au sein d’Etendard Management, le développement de la Synchronisation et des Relations Marques pour Wagram ainsi que chez Beggars ; et enfin j’ai intégré l’agence interne d’Universal Music France : A&amp;R Agency, devenue par la suite A&amp;R Studios. Ces expériences m’ont amené à développer ma propre structure Xanadu Creative Services qui déploie des services variés."Le rôle de Xanadu Creative Services se segmente en deux activités majeures. Tout d’abord, servir et accompagner les artistes dans leur carrière. L’industrie est à la fois très mouvante, et de plus en plus exigeante envers les artistes. On demande aux artistes d’être communicants, experts en réseaux sociaux, directeurs artistiques, producteurs de contenus et j’en passe. Ma deuxième activité est d’aider les entreprises à intégrer la musique dans leur business model, ou à renforcer leur présence dans l’écosystème actuel."<h2></h2><h2>Ses conseils pour les artistes en développement</h2>"Il faut aujourd’hui avoir une vision holistique de sa carrière et de son projet. Quel est le propos ? Comment est-il transmis ? Par quels moyens ? Il faut répondre à toutes ces questions pour que sa musique résonne aujourd’hui.""Développer son projet prend du temps. Le fantasme d’une musique mise en ligne et qui génère seule des millions de streams doit être annihilé. Il faut multiplier les expositions de sa musique et développer sa communauté : contenus, concerts, marketing, featurings, échange de communautés, opérations créatives, etc… Avec ou sans budget, il faut beaucoup de volonté et de persévérance."<h3>“Les artistes doivent être conscients que la musique ne suffit plus”</h3> "Le branding musical n’est ni postérieur ni exogène au développement d’un projet artistique. Au contraire, il est antérieur et endogène. Un projet musical sans branding aura du mal à émerger de l’ombre et dans l’amas de morceaux publiés chaque jour sur les plateformes de streaming."<h2>Les différents types de collaboration entre un artiste et une marque</h2><ul><li>Placements de produits :&nbsp;Un placement de produit dans un clip, ou lors d'une release party, et qui consiste à associer une marque à un projet de l’artiste contre une participation financière.</li><li>Concerts privés :&nbsp;Ce sont des concerts sans billetterie, où l’artiste est payé par la marque pour performer à un événement qu’elle-même organise.</li><li>Brand content :&nbsp;Il s’agit des opérations les plus courantes, lorsqu'une marque fait appel ponctuellement à un artiste pour créer du contenu autour d’un produit.</li><li>Collections en collaboration :&nbsp;C’est quand une marque s’associe à un artiste pour créer une collection ou un produit. Ces opérations prennent souvent la forme de merchandising et les artistes peuvent toucher des royalties sur les ventes.</li><li>Égérie :&nbsp;la marque décide de miser sur un artiste sur une durée plus longue (habituellement sur une année) pour mettre en avant ses produits et son message. Dans ces deals d’endorsement, l’artiste peut multiplier les opérations avec la marque : affichage en magasin, concert privé, brand content, etc.</li></ul><h2></h2><h2>Les règles pour une collaboration réussie avec une marque</h2><ol><li>Correspondance entre la clientèle cible de la marque et la fanbase de l’artiste</li><li>Partage de valeurs communes entre la marque et l’artiste</li><li>Implication et fidélité de la communauté de l’artiste</li></ol><h2>Ses prédictions sur les futurs bouleversements à venir dans l'industrie musicale</h2>L’industrie musicale est très mouvante. Nous avons par exemple fait une <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://cnmlab.fr/onde-courte/linvestissement-dans-des-catalogues-musicaux-francais-et-etrangers/">étude</a> il y a quelques mois pour le CNM qui est déjà caduque. Bien malin est celui qui pourra anticiper le marché des cinq prochaines années.Cependant, on voit que le modèle du streaming qui pèse autour de 70% de l’industrie est en pleine mutation (multiplication des accords artists-centric par exemple) et subit des régulations permanentes (sur ses taux par exemple). Ces changements vont avoir un impact majeur sur l’industrie.On voit aussi que l’I.A. se développe à une vitesse folle, nous sommes en pleine révolution post-industrielle : il faut se préparer à voir disparaitre peu à peu les tâches opérationnelles, maintenant que celles qui sont répétitives ont presque disparu.

Découvrez l'avis d'un professionnel de l'industrie musicale sur la collaboration entre marque et artiste

L'importance du branding musical : Entretien avec le fondateur de Xanadu Creative Services

<h1>The historical remuneration system for streaming</h1> Today, the main music streaming platforms redistribute around 70% of their revenue, generated by subscriptions or advertising, to the rights holders (artists and composers) in proportion to the number of listens exceeding 30 seconds. This is the market-centric model. It consists of distributing all the revenue to the rights holders of the tracks, on the basis of their market share of all the tracks streamed over a defined period. A song that is twice as popular as another therefore earns twice as many royalties.<h1>The new SPOTIFY system</h1> The major change in Spotify's system for paying artists is the addition of a minimum annual listener threshold, meaning that any song that does not reach this threshold will no longer receive royalties. From the first half of 2024, Spotify will therefore be adding a "minimum annual listener threshold" in order to be paid by the platform. The threshold to qualify for remuneration has been set at a minimum of 1,000 streams over the first 12 months following the publication of a piece of music. Behind this measure, Spotify expects to demonetise 0.5% of the songs on the platform. This would represent around $40 million that will be distributed differently next year. Another notable change is the introduction of fraud penalties for distributors. If it is shown that the song is associated with fraud, the song will be withdrawn and the distributors/labels will have to pay a fee. The fine is currently set at €10, and will apply where the song has more than 90% of fraudulent streams. The Swedish platform insists that it has algorithms capable of detecting fraud. JPMorgan analysts estimate that they account for 10% of total listening. Spotify, for its part, claims that this represents less than 1% of streams.Finally, Spotify will be increasing its listening time requirements for "noise tracks" (ambient sounds) to prevent too much remuneration being allocated to them to the detriment of artists.<h1>The first criticisms of this new model, effective from 2024</h1> Spotify has announced that 37.5 million tracks have been listened to more than 1,000 times on Spotify. With a catalogue of 100 million tracks, this means that around 62.5 million tracks (or 62.5% of its music) have not reached the minimum threshold in terms of streams of all time, let alone annual streams. Amelia Fletcher, professor of competition policy at the University of East Anglia's Norwich Business School, recently shared her view: "If a precedent is set here, there is nothing to stop the 0.5% threshold from increasing over time". She went on to quote Universal Music Group as saying that the new model "will reward real artists with real fan bases for the engagement they generate on the platform". "But if Spotify really wanted to 'reward real artists with real fan bases for the engagement they generate on the platform', all it would have to do is adopt a user-centric payment system," she wrote. "In this system, each user's subscription revenue is divided proportionally between the tracks they themselves listen to. This system would provide a simple solution to this apparent objective. It would also reduce the opportunities for streaming fraud. The fact that this option has been repeatedly rejected suggests that this is not the real reason for the proposed change".<h1>Deezer's new system</h1> Already a fervent advocate of the artist-centric model (users are paid exclusively for the artists they have actually listened to), Deezer has been implementing four new points since October 2024:<ol><li>Double the remuneration of artists who obtain at least 1,000 monthly listens from at least 500 unique listeners.</li><li>Double the remuneration for songs with which fans actively engage.</li><li>Non-artistic sound content (white noise, wave sounds, etc.) will not be taken into account when calculating royalties.</li><li>Finally, Deezer promises to introduce a stricter fraud detection system to identify and eliminate those who try to circumvent the system.</li></ol>After concluding this agreement with Universal Music at the beginning of September, the French platform convinced another major to adopt a new model: Warner Music, whose boss Robert Kyncl has long been calling for adjustments: "It's no longer possible for an Ed Sheeran song to earn as much as the sound of rain falling on a roof", he stressed in the spring. This so-called "artist centric" system aims to better remunerate artists by limiting abuse and fraud.To find out more about their new model and the criticisms raised, <a rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/universal-and-deezer-unveil-their-artist-centred-streaming-remuneration-project">you can read this article</a><h1>Conclusion</h1> The new models proposed by streaming platforms are tending to reduce fraud and abuse, while at the same time boosting remuneration for artists with a solid fanbase. Although streaming accounts for around 65% of global revenues from recorded music, the majority of artists do not derive 65% of their revenues from streaming. According to a recent study, nine out of ten artists earn less than €1,000 a year from Spotify. The system is imperfect, and we are delighted that Deezer and Spotify are tackling the problem, but there is still a long way to go before we reach a fair and truly remunerative solution.

Discover Spotify's new model for paying artists for streaming and compare it with Deezer's model

Spotify's new remuneration system for streaming in 2024

<h1>Le système historique de rémunération du streaming</h1>Aujourd’hui, les principales plateformes de streaming musical redistribuent environ 70% de leurs recettes, générées par les abonnements ou par la publicité, aux ayants droit (artistes et compositeurs) de manière proportionnelle au nombre d’écoutes qui sont supérieures à 30 secondes. Ce modèle, c'est celui du market-centric. Il consiste en la répartition de l’ensemble des revenus aux ayants droit des titres, sur la base de leur part de marché sur l'intégralité des titres streamés sur une période définie. Une chanson deux fois plus populaire qu’une autre permet donc de gagner deux fois plus de royalties.<h1>Le nouveau système de SPOTIFY</h1>Le changement majeur dans le système de rémunération des artistes par Spotify, c’est l’ajout d’un seuil minimum d'écoutes annuelles, toute chanson qui n'atteint pas ce seuil ne recevra désormais plus de redevances. À partir du premier semestre 2024, Spotify va donc ajouter un “seuil minimum d'écoutes annuelles” pour être rémunéré par la plateforme. Le seuil pour prétendre à une rémunération a été fixé à 1000 streams minimum sur les 12 premiers mois après publication d'une musique. Derrière cette mesure, Spotify s'attend à une démonétisation de 0,5% des chansons sur la plateforme. Cela représenterait environ 40 millions de dollars qui seront distribués différemment l'année prochaine. Un autre changement notable, c’est la mise en place de sanctions pour fraude à l'encontre des distributeurs. En effet, s’il est démontré que la chanson est associée à une fraude, la chanson sera retirée et les distributeurs/labels devront s'acquitter de frais. Une amende pour l'instant fixée à 10 euros, et ce lorsque le titre a plus de 90% de streams frauduleux. La plateforme suédoise assure qu’elle dispose d’algorithmes capables de détecter les fraudes. Les analystes de JPMorgan estiment qu’ils représentent 10% des écoutes totales. Spotify, de son côté, assure que cela représente moins de 1% des streams. Enfin, Spotify va augmenter ses exigences en matière de durée d'écoute pour les pistes sans bruit ou “noise tracks” (les sons d’ambiance) pour éviter qu’une trop grande part de rémunération y soit attribué au détriment de celle des artistes.<h1>Les premières critiques de ce nouveau modèle, effectif à partir de 2024</h1>Spotify a annoncé que 37,5 millions de titres ont été écoutés plus de 1 000 fois sur Spotify. Avec un catalogue de 100 millions de titres, cela signifie qu'environ 62,5 millions de titres (soit 62,5 % de sa musique) n'ont pas atteint le seuil minimum en termes de streams de tous les temps, et ce, sans même parler des streams annuels.Amelia Fletcher, professeur de politique de la concurrence à la Norwich Business School de l'université d'East Anglia, a récemment partagé son avis : "Si un précédent est établi ici, rien n'empêchera le seuil de 0,5 % d'augmenter au fil du temps". Elle a ensuite cité Universal Music Group, qui a déclaré que le nouveau modèle "récompensera les vrais artistes avec de vraies bases de fans pour l'engagement qu'ils suscitent sur la plateforme".Mais si Spotify voulait vraiment "récompenser les vrais artistes avec de vraies bases de fans pour l'engagement qu'ils génèrent sur la plateforme", il lui suffirait d'adopter un système de paiement centré sur l'utilisateur", écrit-elle. "Dans ce système, les revenus de l'abonnement de chaque utilisateur sont répartis proportionnellement entre les titres qu'il écoute lui-même. Ce système apporterait une solution simple à cet objectif apparent. Il réduirait également les possibilités de fraude en matière de streaming. Le fait que cette option ait été rejetée à plusieurs reprises suggère que ce n'est pas la véritable raison d'être du changement proposé".<h1>Le nouveau système de Deezer</h1>Déjà fervent défenseur du modèle artist-centric (le forfait des utilisateurs rémunèrent exclusivement les artistes que l'auditeur a réellement écoutés), Deezer a mis en place depuis octobre 2024 quatre nouveaux points : 1. Doubler les rémunérations des artistes qui obtiennent au moins 1 000 écoutes mensuelles de la part d'au moins 500 auditeurs uniques.2. Doubler la rémunération des chansons avec lesquelles les fans s'engagent activement.3. Le contenu sonore non artistique (bruit blanc, sons de vagues, etc.) ne sera pas pris en compte dans le calcul des redevances.4. Enfin, Deezer promet de mettre en place un système de détection des fraudes plus strict afin de repérer et d'éliminer ceux qui tentent de contourner le système.Après avoir conclu cet accord début septembre avec Universal Music, la plateforme française a convaincu une autre major d’adopter un nouveau modèle : Warner Music, dont le patron Robert Kyncl réclame depuis longtemps des ajustements : “Ce n’est plus possible qu’une chanson d’Ed Sheeran rapporte autant que le son de la pluie tombant sur un toit”,&nbsp;soulignait-il au printemps. Ce système dit “artist centric” vise à mieux rémunérer les artistes en limitant les abus et les fraudes.Pour découvrir plus en détail leur nouveau modèle et voir les critiques soulevées, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/universal-and-deezer-unveil-their-artist-centred-streaming-remuneration-project">lisez cet article</a><h1>Conclusion</h1>Les nouveaux modèles proposés par les plateformes de streaming tendent à réduire les fraudes et les abus tout en accentuant la rémunération des artistes ayant une fanbase solide. En effet, bien que le streaming représente environ 65% des revenus mondiaux de la musique enregistrée, la majorité des artistes n'ont pas 65% de leurs revenus qui émanent du streaming. D'après une étude récente, neuf artistes sur dix gagnent moins de 1 000 euros sur Spotify par an. Le système est imparfait, on se réjouit que Deezer et Spotify s'attaquent au problème, mais il y a encore du chemin avant de parvenir à une solution équitable et réellement rémunératrice.

Découvrez le nouveau modèle de rémunération des artistes avec le streaming chez Spotify et comparez-le avec celui de Deezer

Le nouveau système de rémunération du streaming proposé par Spotify en 2024

Deezer, one of the world's leading music streaming companies, recently caused a stir by announcing a major change to its artist remuneration system. The decision, the result of a partnership with Universal Music Group (UMG), aims to introduce a fairer, more artist-centred remuneration model. However, this initiative has not failed to provoke heated debate within the music industry.
Deezer has introduced some notable features in its new remuneration model, aimed at rewarding emerging artists more. One of these features is the "double boost" awarded to tracks that generate at least 1,000 streams from at least 500 separate listeners.
 
<h2>The new system is a 4-point model</h2>
1. Double the remuneration of artists who obtain at least 1,000 monthly listens from at least 500 unique listeners.
2. Double the remuneration for songs with which fans actively engage.
3. Non-artistic sound content (white noise, wave sounds, etc.) will not be taken into account when calculating royalties.
4. Finally, Deezer promises to implement a stricter fraud detection system to identify and eliminate those who attempt to circumvent the system.
UMG and Deezer justify this change by emphasising their commitment to a fairer music industry. They hope to reduce income inequalities between artists, a problem that has long been criticised in the streaming world. And despite numerous proposals from industry players, nothing has changed. But Deezer has always been an innovator, and is now showing its desire to be a forerunner in streaming by putting this alternative model to the test directly on their platform. However, this initiative has not been universally welcomed.
 
<h2>Industry reactions to the Deezer and UMG proposal</h2>
Association of Independent Music: "While there are many positive points to take away (...) increasing royalties for artists who reach certain consumption thresholds could encourage a 'two-tier system' that would disadvantage those just starting out in their careers or working in emerging genres."
Believe: "We are strongly opposed to a system (...) that would take remuneration from up-and-coming artists and allocate it to the best-known and most established artists. Furthermore, we are convinced, on the basis of data, that such a system would reduce diversity and discourage creativity."
Impala: "The fact that Deezer's proposal has been developed with the market leader rather than the industry as a whole is also worrying. Unless other stakeholders agree, Impala does not see how it could apply outside UMG's repertoire."
Warner Music Group is part of the same family of companies as Deezer. According to MBW, Access Industries founder Len Blavatnik controlled just over 73% of WMG's shares at the start of 2023, while even after Deezer's IPO, Access Industries held almost 37% of its shares. Which, incidentally, is an amusing subplot in Deezer's decision to change the streaming payment model with Universal Music Group in the first place.
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<h2>Deezer's response to concerns raised by music industry players</h2>
Deezer responded in an interview: "If an artist doesn't reach 1,000 streams and 500 listeners a month, he can't earn a living, whatever the remuneration model. So they're not technically professionals. And any up-and-coming artist who rises reaches those levels pretty quickly."
The interview also contains some very interesting details about how Deezer will calculate its artist-centric royalty pool. Only 1,000 streams per user per month will count towards this calculation. "So if you listen to 2,000 streams, your streams will count as half. That way, there's no account that accumulates 10,000 streams and steals money from the pool," said Folgueira.
"A normal human being consumes between 400 and 600 tracks a month, which is why we set the threshold at 1,000. At 1,000, more than 90% of behaviour is taken into account, and only aberrant behaviour exceeds this threshold..."
Deezer responded to these criticisms by claiming that established artists would continue to earn considerable sums from gigs, physical sales and licensing deals. They insist that streaming is primarily a means of discovery for emerging artists, and that the new system aims to support this critical phase of their careers.
<h2>Conclusion</h2>
All in all, Deezer's new streaming remuneration system is provoking mixed reactions within the music industry. While some welcome the attempt to reduce inequality, others are concerned about the impact on established artists and artistic creativity. Clearly, this debate is far from over, and the future will tell whether this remuneration model will be a success or whether it will require adjustments to achieve an optimal balance between emerging artists and the stars of the music industry. The system will be phased in across the entire catalogue from 1 October 2023.

The result of a partnership with Universal Music Group (UMG), this new streaming remuneration model aims to achieve a fairer, artist-centred distribution. However, this initiative has not failed to provoke heated debate within the music industry.

Universal and Deezer unveil their artist-centred streaming remuneration project

Deezer, l'un des leaders mondiaux du streaming musical, a récemment fait sensation en annonçant un changement majeur dans son système de rémunération des artistes. Cette décision, fruit d'un partenariat avec Universal Music Group (UMG), vise à instaurer un modèle de rétribution plus équitable et centré sur les artistes. Cependant, cette initiative n'a pas manqué de susciter des débats passionnés au sein de l'industrie musicale.Deezer a introduit des spécificités notables dans son nouveau modèle de rémunération, visant à récompenser davantage les artistes émergents. L'une de ces particularités est le "double boost" attribué aux titres qui génèrent au moins 1000 streams provenant d'au moins 500 auditeurs distincts.<h2 style="text-align: start">LE NOUVEAU SYSTÈME EST UN MODÈLE EN 4 POINTS :</h2>1. Doubler les rémunérations des artistes qui obtiennent au moins 1 000 écoutes mensuelles de la part d'au moins 500 auditeurs uniques.2. Doubler la rémunération des chansons avec lesquelles les fans s'engagent activement.3. Le contenu sonore non artistique (bruit blanc, sons de vagues, etc.) ne sera pas pris en compte dans le calcul des redevances.4. Enfin, Deezer promet de mettre en place un système de détection des fraudes plus strict afin de repérer et d'éliminer ceux qui tentent de contourner le système.UMG et Deezer justifient ce changement en mettant en avant leur engagement en faveur d'une industrie musicale plus équitable. Ils espèrent ainsi réduire les inégalités de revenus entre les artistes, un problème qui a longtemps fait l'objet de critiques dans le monde du streaming. Et malgré de nombreuses propositions des intervenants du secteur, rien a changé. Toutefois, Deezer a toujours été porteur d’innovation et montre aujourd’hui son envie d’être un acteur précurseur dans le streaming, en mettant à l'épreuve ce modèle alternatif directement sur leur plateforme. Cependant, cette initiative n'a pas été accueillie de manière unanime.<h2 style="text-align: start">LES RÉACTIONS DE L'INDUSTRIE À LA PROPOSITION DE DEEZER ET UMG</h2>Association of Independent Music : «&nbsp;Bien qu'il y ait de nombreux points positifs à retenir (…) l'augmentation des redevances pour les artistes qui atteignent certains seuils de consommation pourrait encourager un "système à deux vitesses" qui désavantagerait ceux qui commencent leur carrière ou qui travaillent dans des genres émergents.&nbsp;»Believe : «&nbsp;Nous nous opposons fermement à un système (..) qui consisterait à prélever des rémunérations sur les artistes en pleine ascension pour les allouer aux artistes les plus connus et les mieux établis. En outre, nous sommes convaincus, sur la base de données, qu'un tel système réduirait la diversité et découragerait la créativité.&nbsp;»Impala : «&nbsp;Le fait que la proposition de Deezer ait été élaborée avec le leader du marché au lieu du secteur en général est également préoccupant. À moins que d'autres parties prenantes ne soient d'accord, Impala ne voit pas comment elle pourrait s'appliquer en dehors du répertoire d'UMG.&nbsp;»Notons quand même que la société Warner Music Group fait partie de la même famille d'entreprises que Deezer. Selon MBW, le fondateur d'Access Industries, Len Blavatnik, contrôlait un peu plus de 73 % des actions de WMG au début de l'année 2023, tandis que même après l'entrée en bourse de Deezer, Access Industries détenait près de 37 % de ses actions. Ce qui, soit dit en passant, est une sous-intrigue amusante dans la décision de Deezer de modifier le modèle de paiement du streaming avec Universal Music Group en premier lieu.<h2 style="text-align: start">LA RÉPONSE DE DEEZER AUX PRÉOCCUPATIONS SOULEVÉES PAR LES ACTEURS DE L'INDUSTRIE MUSICALE</h2>À cela, Deezer a répondu en interview : "Si un artiste n'atteint pas 1 000 streams et 500 auditeurs par mois, il ne peut pas gagner sa vie, quelle que soit la rémunération du modèle. Il n'est donc pas techniquement un professionnel. Et tout artiste en devenir qui monte atteint ces niveaux assez rapidement."L'interview contient également des détails très intéressants sur la manière dont Deezer calculera son pool de redevances centré sur l'artiste. Seuls 1 000 streams par utilisateur et par mois seront pris en compte dans ce calcul."Ainsi, si vous écoutez 2 000 streams, vos streams compteront pour moitié. De cette façon, il n'y a pas de compte qui accumule 10 000 streams et qui vole de l'argent au pool", a déclaré M. Folgueira."Un être humain normal consomme entre 400 et 600 titres par mois, c'est pourquoi nous avons fixé le seuil à 1 000. À 1 000, plus de 90 % des comportements sont pris en compte, et seuls les comportements aberrants dépassent ce seuil..."Deezer a répondu à ces critiques en affirmant que les artistes établis continueraient à gagner des sommes considérables grâce aux concerts, aux ventes physiques et aux accords de licences. Ils insistent sur le fait que le streaming est principalement un moyen de découverte pour les artistes émergents, et que le nouveau système vise à soutenir cette phase critique de leur carrière.<h2 style="text-align: start">CONCLUSION</h2>En fin de compte, le nouveau système de rémunération du streaming chez Deezer suscite des réactions mitigées au sein de l'industrie musicale. Alors que certains saluent cette tentative de réduire les inégalités, d'autres expriment des inquiétudes quant à ses répercussions sur les artistes établis et sur la créativité artistique. Il est clair que ce débat est loin d'être clos, et l'avenir dira si ce modèle de rétribution sera un succès ou s'il nécessitera des ajustements pour parvenir à un équilibre optimal entre les artistes émergents et les vedettes de l'industrie musicale. La mise en place du système s’appliquera progressivement à tout le catalogue à partir du 1er octobre 2023.

Fruit d'un partenariat avec Universal Music Group (UMG), ce nouveau modèle de rémunération de la diffusion en continu vise à assurer une distribution plus équitable, centrée sur l'artiste. Toutefois, cette initiative n'a pas manqué de susciter un débat animé au sein de l'industrie musicale.

Universal et Deezer dévoilent leur projet de rémunération streaming centré sur l'artiste

No one likes to talk about money, and this is especially true for artists. However, ignoring the financial side of your music career can have serious consequences. Budgeting for your music is an essential part of the process, yet it is something that is often overlooked.In this article, we will discuss the importance of the music budget and the key things you need to consider before distribution. By taking the time to prepare and budget for your music, you will be setting yourself up for greater success in the long run.<h2></h2><h2>Setting a budget</h2>For independent artists, setting a budget is crucial to gaining greater control over income and expenses. A well-planned budget empowers artists to make informed decisions and adjust spending accordingly. By allocating funds for upcoming music projects, artists can avoid going into debt.It’s important to understand the different expenses involved in the distribution process, as the average cost can be around $1000 or more. With this in mind, artists need to determine how much money they can invest in their music career and ensure they can make a profit from it. Establishing a budget and considering the necessary expenses can help artists ensure their music is of professional quality and has the potential to generate revenue.<h2>5 types of expenses</h2><h3>Recording expenses</h3>Typically cover costs related to studio time and equipment rentals for the recording process. While some independent artists may choose to record their own music, you need to ensure that the quality of the recording meets the standards set by streaming platforms. This can be especially challenging for artists without access to professional-grade equipment or recording spaces. If you want to record your music at home, then the price for one recording rental in the US ranges from $30 to $100 for a 7 days rental.And for the studio with full equipment, you can have the option of renting by hours or days. Normally, it would cost around $50/hour to $200/hour.<h3>Mixing and mastering</h3>Investing in the mixing and mastering of your music is an important step for independent artists. This will help ensure the quality of your song, which is a significant factor in whether the audience will enjoy it. Unless you have extensive knowledge in this field, it is not recommended to do it yourself.When it comes to the cost of mixing and mastering, the average price ranges from $50 to $500 per song.<h3>Distributing and manufacturing</h3><h4>Digital distribution</h4>The cost of distributing a song depends on the music distributor you choose. Some services charge as low as $9 per song, while others offer one-year packages that allow you to distribute as many songs as you want for a price range from $19 to $49, depending on the features included in each package.To explore your options and compare prices, check out our article on the <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/top-4-best-music-distribution-services">Top 4 Music Distribution Services 2023</a>.<h4>Physical distribution</h4>Physical distribution is another distribution option that some services on the market offer for independent artists. CDBaby is one of the popular options that provide both digital and physical distribution. If you are interested in physical distribution, you can check out our article on <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/cdbaby-review-4-things-you-need-to-know-before-distributing">CDBaby Review</a> to know more about their pricing and other features.<h2>Other considerations</h2><ol><li></li></ol><h4>Licensing fees</h4>Licensing your music is the way to make revenue from your intellectual property. However, to be able to get this, you will have to pay for it as well. Normally, the distributors will provide you with this service as well for $20 more.Have a look at our article <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists">A Guide To Music Licensing For Independent Artists</a> to understand more about this.<h4>Merchandise</h4>For artists that want to sell merchandise to the fans, this is another cost that you should take into consideration. The price of this can vary depending on the service you choose.For example, the price to produce a t-shirt can cost anywhere from $5 to $15 per shirt. We suggest having a look at our article on <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://blog.baseformusic.com/articles/base-x-conflikarts-create-your-own-merchandising">Create Your Own Merchandise</a> for this option.<h3></h3><h2>Promote your music</h2><ol><li></li></ol>Promoting your music is essential in today’s highly competitive music industry. Producing great music alone is not enough to stand out from the crowd and reach a wider audience. Without a solid promotion plan, your music may not generate revenue, making your investment in music a waste. That’s why it is crucial to allocate a budget for promoting your music, just as you would for your production plan. A good promotion plan can help you gain visibility, attract new fans, and ultimately grow your career as an artist. 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Music Budget: What you need to prepare before distributing?

Personne n'aime parler d'argent, et c'est particulièrement vrai pour les artistes. Pourtant, ignorer l'aspect financier de votre carrière musicale peut avoir de graves conséquences. L'établissement d'un budget pour votre musique est une partie essentielle du processus, mais c'est un aspect qui est souvent négligé. 
Dans cet article, nous discuterons de l'importance du budget musical et des éléments clés à prendre en compte avant la distribution. En prenant le temps de préparer et de budgétiser votre musique, vous vous assurez une meilleure réussite à long terme. <meta charset="utf-8"><lt-highlighter contenteditable="false" class="lt--mac-os" data-lt-linked="1"><lt-div spellcheck="false" class="lt-highlighter__wrapper"><lt-div class="lt-highlighter__scroll-element"></lt-div></lt-div></lt-highlighter><img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/jayzmoney.musicbudget.baseformusic_f3bb1f4f-32c3-4f56-aa03-3d4fc474a8ba.png?v=1691073268" data-image="3hmslwsn88v1">
<h1>Établir un budget </h1>
Pour les artistes indépendants, l'établissement d'un budget est essentiel pour mieux contrôler les revenus et les dépenses. Un budget bien planifié permet aux artistes de prendre des décisions éclairées et d'ajuster leurs dépenses en conséquence. En allouant des fonds aux projets musicaux à venir, les artistes peuvent éviter de s'endetter. 
Il est important de comprendre les différentes dépenses liées au processus de distribution, car le coût moyen peut s'élever à environ 1 000 euros ou plus. Dans cette optique, les artistes doivent déterminer le montant qu'ils peuvent investir dans leur carrière musicale et s'assurer qu'ils pourront en tirer profit. L'établissement d'un budget et la prise en compte des dépenses nécessaires peuvent aider les artistes à s'assurer que leur musique est de qualité professionnelle et qu'elle a le potentiel de générer des revenus.
<h1>5 types de dépenses</h1>
<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/Session-Studio-song-credits-Arti_ef1ce8e1-f2f6-4954-80e1-9a3280ab244c.png?v=1691073253" data-image="frsnclppvt8i"><h2>Dépenses liées à l'enregistrement</h2>
Ils couvrent généralement les coûts liés au temps passé en studio et à la location de matériel pour le processus d'enregistrement. Bien que certains artistes indépendants choisissent d'enregistrer leur propre musique, vous devez vous assurer que la qualité de l'enregistrement répond aux normes fixées par les plateformes de streaming. Cela peut s'avérer particulièrement difficile pour les artistes qui n'ont pas accès à du matériel ou à des espaces d'enregistrement de qualité professionnelle. 
<img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/files/iStock-940463558_770_514_70_s_e76939fe-ec56-46a8-86f4-239f8ae9e1e5.png?v=1691073320" data-image="bouq1fcygvow"><h2>Mixage et mastering</h2>
Investir dans le mixage et le mastering de votre musique est une étape importante pour les artistes indépendants. Cela vous permettra de garantir la qualité de votre chanson, ce qui est un facteur important pour savoir si le public l'appréciera. À moins d'avoir des connaissances approfondies dans ce domaine, il n'est pas recommandé de le faire soi-même. En ce qui concerne le coût du mixage et du mastering, le prix moyen varie entre 50 et 500 euros par chanson. <img src="https://cdn.shopify.com/s/files/1/0262/6414/1875/products/Music-Distribution-Explained.jpeg?v=1678979296" data-image="Music-Distribution-Explained.jpeg"><h2>Distribution et fabrication</h2>
Distribution numérique Le coût de la distribution d'une chanson dépend du distributeur de musique que vous choisissez. Certains services ne facturent que 9 euros par chanson, tandis que d'autres proposent des forfaits d'un an qui vous permettent de distribuer autant de chansons que vous le souhaitez pour un prix allant de 19 à 49 euros, en fonction des fonctionnalités incluses dans chaque forfait. Pour explorer vos options et comparer les prix, consultez <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/top-4-best-music-distribution-services" target="_blank">notre article sur les 4 meilleurs services de distribution de musique en 2023. </a>
Distribution physique La distribution physique est une autre option de distribution que certains services du marché proposent aux artistes indépendants. CDBaby est l'une des options les plus populaires qui offrent à la fois une distribution numérique et physique. Si vous êtes intéressé par la distribution physique, vous pouvez consulter <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/cdbaby-review-4-things-you-need-to-know-before-distributing" target="_blank">notre article sur CDBaby pour en savoir plus sur leurs prix et autres caractéristiques. </a><h2>Autres considérations </h2>
Droits de licence L'octroi de licences pour votre musique est le moyen de tirer des revenus de votre propriété intellectuelle. Pour ce faire, vous devez toutefois payer. Normalement, les distributeurs vous fourniront ce service pour quelques euros de plus. Pour en savoir plus, consultez <a href="https://blog.baseformusic.com/fr/articles/a-guide-to-music-licensing-for-independent-artists" target="_blank">notre article intitulé "Guide des licences musicales pour les artistes indépendants".</a> 
Merchandising Pour les artistes qui souhaitent vendre des produits dérivés à leurs fans, il s'agit d'un autre coût à prendre en considération. Le prix de ces produits peut varier en fonction du service que vous choisissez. Par exemple, le prix de production d'un t-shirt peut varier entre 5 et 15 euros par t-shirt. Nous vous conseillons de consulter<a href="https://blog.baseformusic.com/articles/base-x-conflikarts-create-your-own-merchandising" target="_blank"> notre article sur la création de vos propres produits dérivés pour cette option. </a><h2>Promouvoir votre musique</h2>
La promotion de votre musique est essentielle dans l'industrie musicale hautement compétitive d'aujourd'hui. Produire de la bonne musique ne suffit pas pour sortir du lot et atteindre un public plus large. Sans un plan de promotion solide, votre musique risque de ne pas générer de revenus, ce qui réduirait à néant votre investissement dans la musique. C'est pourquoi il est essentiel d'allouer un budget à la promotion de votre musique, tout comme vous le feriez pour votre plan de production. Un bon plan de promotion peut vous aider à gagner en visibilité, à attirer de nouveaux fans et, en fin de compte, à développer votre carrière en tant qu'artiste.
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